SOBRE LA RESPONSABILIDAD DEL ARTISTA

En este otro capítulo, a grandes rasgos, se habla de la importante responsabilidad que tiene el artista en su trabajo cinematográfico. Más que nada nos habla Tarkovski de algunas características importantes que a él le interesa, como por ejemplo cuando menciona que el cine es el único arte en que el autor puede sentirse como creador de una realidad ilimitada, de un mundo propio. Y si, hasta cierto punto así sucede, en mi opinión creo yo que el artista si es creador de una realidad pero no solo sucede en el cine, también en la actualidad se está manifestando en la pintura, debido a que, al igual que el cine la pintura trabaja con materiales propios de la naturaleza, que surgen de forma inmediata en el tiempo y el espacio, que podemos observar en el entorno en que vivimos. Lo interesante también es de que se crean realidades a través de realidades, es decir, en primera el cine es una realidad y como tal el espectador percibe una otra realidad, siendo así una segunda realidad. Por lo que, como en el capítulo anterior, aquí se refleja la relación que existe entre artista y público. En primera por el hecho de que una película artística despierta en su público emociones y pensamientos, o como menciona Tarkovski, "mientras que el cine de masas; apaga todas las demás reflexiones y sentimientos de su público de forma definitiva e irrecuperable". Por lo que con esto se determina la gran responsabilidad que el director tiene frente a los espectadores. Y esto creo sucede en las demás disciplinas artísticas, porque sucede que en ocasiones las obras se desvían de su intención, es decir, se pierden o resultan otra cosa por la que el autor no deseaba.

Aquí lo interesante es de que se debe de establecer una unión con las personas, como comenta Tarkovski, con la finalidad de establecer un lazo de unión.  

SOBRE LA RELACIÓN ENTRE EL ARTISTA Y EL PÚBLICO

En este capítulo se habla, en primera, de la posición ambigua del cine, debido a factores como lo es la relación entre el arte y la producción comercial e industrial,  por lo que a partir de esto se marca la relación entre el artista y el público. Así mismo respectan algunas problemáticas, consecuencia del desprendimiento del verdadero arte cinematográfico. En primer instancia por que se van visualizando conceptos como "oferta y demanda", ya que estos conceptos según Tarkovski, determinan si la película tiene éxito o no. Otra problemática que se manifiesta, tiene que ver con esta cuestión del (arte) con el (no arte). En primera porque el público plantea al arte exigencias mucho más diferenciadas, interesantes y más sorprendentes, por lo que el artista y el público se condicionan mutuamente. Entonces aquí es donde se comienza una especie de juego, ya que si el público exige un cine comercial se está corrompiendo la posibilidad de un contacto verdadero con el arte. Situación que a partir de mi cotidiano en la actualidad se manifiesta todo el tiempo, no por nada cada vez más existe un mayor número de producciones cinematográficas comerciales. Debido a que donde alguien se orienta por el público, como dice Andrei, "estamos ante un producto de la industria del entretenimiento, espectáculos de masas pero nunca ante el arte".  

Por otra parte se hace mención de que el artista es la voz de quienes no están en condición de reflejar y de expresar su relación con la realidad, en primera por que el artista habla de lo que le interesa y a partir de esto el público decide si su tema realmente tiene fondo e importancia. Así que uno va de la mano del otro, independientemente de que el espectador sabe reconocer el sentido del esfuerzo del artista, esto en palabras de Andrei.

Unas pequeñas líneas que rescato como tal de este capítulo son las siguientes: "educar para llegar a una relación crítica para sus propios juicios, con un buen arte y no únicamente con la intención de ir generando cada vez más ingresos".

Sobre la música y los ruidos

La música es un factor importante en el cine, en primer aspecto porque como dice Andrei, abre una posibilidad de generar una impresión nueva. Si fuera poco también dirige los sentimientos de los espectadores en dirección que se desee. Así mismo la música solo se puede utilizar para salvar imágenes fallidas, o bien como una indecisión, es decir, lo único que se escuche sea música, voz o sólo el viento.

A partir de esto, a mí en lo personal me interesan los ruidos naturales que están presentes en todo momento, lo cual dota de un ritmo temporal y hace más natural las imágenes. Debido a la hora de la narración, a partir de las imágenes cinematográficas, los ruidos del contexto se unifican con la imagen presente, puesto que mi interés es llevar, a través del video, mi contexto cotidiano actual, tal y como está presente el ritmo en el tiempo, y a través de esto generar una narrativa. Una narrativa que se dé en el momento, como se dan los pensamientos; que surja a partir del observar. Entonces con esto los ruidos naturales del cotidiano, dirijan los sentimientos del espectador y, entonces genere un choque de repulsión, razón alguna, porque la mayoría no aceptamos la realidad; tan cruel y opresora.

Sobre el actor de cine

Existen diferencias entre lo que es un actor de teatro con un actor de cine, por ejemplo; un actor teatral según Andrei, representa una idea, a partir de un guión; estructurado por el autor, cuando un actor de cine es lo contrario. Se tiene, hasta cierto punto, más libertad dependiendo del individuo, por lo que cada actor es diferente y, como decía Tarkovski, " El actor de cine; no tiene que estructurar nada como el actor teatral, debe de ser a partir de la escena, para que salga lo más natural posible". A partir de esto el arte cinematográfico tiene la posibilidad de revivir un mismo acontecimiento todas las veces que se quiera, esto según la postura de Tarkovski.

A hora bien siento que en mi contexto actual, a partir de este subcapítulo, el mejor actor es el que no actúa, más bien el que es en sí, es decir, a través de su ser. Por ejemplo las platicas que de lunes a viernes en el transporte público se dan, en la calle, en la escuela, en el hogar, por mencionar algunas, jamás son planeadas, ni mucho menos existe una estructura, por lo que es la escena (espacio-tiempo) que tiene que ser reflejada a través de imágenes cinematográficas, narrando a su vez el contexto presente en el que nos estamos desarrollando, porque es lo más natural que existe del individuo, el actuar todo el tiempo. A un que varía según el estado actual de sus sentimientos, siendo así que el cine si depende de la vida. 

NOSTALGIA

Es una de las películas dirigidas por Andrei Tarkovski ,aquí se cuenta la historia de una pareja Rusa que se muda directamente a Italia.  En esta obra Tarkovski marco sus experiencias y sus sueños, pero lo mas importante que quería reflejar en esta gran obra cinematográfica era reflejar ese sentimiento que lleva el mismo título de la película, es decir  que quería hablar sobre el concepto de  nostalgia, ese sentimiento que le acongojaba a los  jóvenes de Rusia al vivir lejos de su país y de su gente, un sentimiento que tal ves a todos nos pase cuando estamos lejos de nuestro hogar y de la gente que conocemos  ya que se tendrían problemas de adaptación o de comunicación , de hecho Tarkovski afirma lo siguiente “Ya tengo tras de mi la primera película que no he rodado en mi tierra. Aunque lo hice con permiso oficial de las autoridades soviéticas lo que entonces no me sorprendió especialmente, puesto que hice la película para mi país” .  Esta película es de origen Ruso  per esta realizada en Italia  debido a que Tarkovski quería reflejar ese sentimiento por los jóvenes de su nación, porque lo mas importante que debe realizar un autor es reflejar sus sentimientos y emociones a los demás por medio de los films que se  realiza, debe  contarnos sus historias y lo que quiere reflejar al público, debe contarnos una verdad absoluta que nos conmueva a la mayoría de los espectadores, es el único arte capaz de captar la realidad a su máximo esplendor es una de las artes mas nobles que puede existir debido a que puede darle vida a una imagen y crearle un movimiento que puede reflejarnos una situación.

El verdadero cine se encarga principalmente de eso de tomar en cuenta nuestros sentimientos, emociones, experiencias o  sueños, es como un espejo de la realidad que nos rodea y es capaz de capturar una pequeña parte del mundo, y  de esa forma debe  contarnos una historia  para todo  el  mundo que nos tiene rodeados, un verdadero cineasta no debe caer en la tentación de producir una obra por dinero, si no una obra de arte que captura la empatía del espectador sin importarle si le agrede o no a él.

Lo mas importante del cine no es llamar la atención o sacarle algo de dinero a los espectadores sino capturar 

su empatía  y por medio de esta película Tarkovski logro reflejar el sentimiento de nostalgia y utilizar sus sueños y experiencias, reflejar los estados y situaciones anímicas a las cuales nos enfrentamos, etc. Cuando Tarkovski empezó a realizar esa película escribió lo siguiente para reflejar su mismo sentimiento de nostalgia ante el mundo.“Yo mismo he vivido algo  similar :cuando me despedí de casa para una larga temporada  y me vi confrontado con un mundo y una cultura diferentes y que me atraían, éstos empezaron  a someterme en un estado casi inconsciente e irremediable de ansiedad, tal y como suele dar el amor”(Tarkovski, pág 226).La película narra la  historia de un hombre llamado Gorchakov un poeta que viaja a Italia a cursar sus estudios y reunir el material  sobre el pianista ruso Pavel Sosnovski para que de esta forma se pueda escribir un libreto para una opera ,pero después al no aguantar la desesperación de estar muy lejos de su país decide volver a Rusia para ahorcarse, si vemos la película nos llamara la atención su manejo y combinación de encuadres y el manejo de color a blanco y negro, en esta película se ve reflejada la ansiedad y desesperación de los personajes, además esta bien capturado el ambie

Buscando a Sugar Man

 

Buscando a Sugar Man

Director: Malik Bendjelloul

Año: 2012

Duración: 87 minutos

 

Ésta película es más bien un documental que está compuesto mayormente por entrevistas. De este modo, lo que vemos son cámaras fijas con planos medios y americanos grabadas en interiores. 
Al principio de la película el primer movimiento de cámara es una contracámara de un hombre viendo el paisaje mientras conduce un auto y correspondiéndolo, una vista de él conduciendo el auto. En la misma secuencia hay panorámicas del paisaje, en planos generales, que se ve desde el auto en movimiento. También hay paneos en interiores con primeros planos desenfocados. Después de la primera mitad de la película hay travellings del protagonista en un plano general mientras camina titubeante en la nieve.
Además de las grabaciones ex profeso para el documental, hay videos de los 90´s grabados a manera de registro en cámara subjetiva, y que son incorporados como documentos históricos.

Taxi Driver

 

Taxi Driver

Director: Martin Escorsese

Año: 1976

Duración: 113 minutos

 En la película Taxi Driver hay secuencias con planos distintos que forman parte de una misma escena y que la muestran desde distintos ángulos. Dentro de los movimientos de cámara, al principio de la película hay panorámicas donde la cámara ve al suelo, al parecer a ningún objeto en particular, solo capturando el agua en el asfalto. En su mayoría la película está compuesta de cámaras fijas que no suelen rebasar los 5 segundos, a excepción de una de las escenas más emblemáticas de la película de un hombre apuntando con un arma a su reflejo en el espejo. También hay fijas donde no se mueve la cámara pero si el vehículo donde está la visión de la cámara, por ejemplo cuando el taxi esta en movimiento.
Un par de zoom in pierden el enfoque, muestran un gran plano general y después se aproximan a un personaje. Hay travellings con la cámara estable en un solo punto, que sigue el caminar del protagonista, del taxi y de algunos personajes secundarios. Del mismo modo las cámaras subjetivas están sujetas a la visión del protagonista al caminar y al conducir el taxi. 

En cuanto a los encuadres, abundan los planos medios y los americanos. También hay primeros planos tanto de los personajes como del taxi. Hay planos generales con las calles en perspectiva y el punto de fuga en el margen derecho de la toma.
Hay encuadres que se hacen desde lo alto para mostrar el interior de una habitación, vista como una casa de muñecas sin techo.

Después de Nostalghia

 

Nostalghia

Director: Andrei Tarkovsky

Año: 1983

Duración: 125 minutos

Tarkovsky tiene muy claros sus objetivos y su objeto de estudio. A él le interesa el hombre y la forma en que vive. Dice que los protagonistas de sus películas no son héroes, pero a mi parecer, tal como los describe, sus actos tienen algo de heroicos al no seguir al común de la sociedad con su egoísmo y egocentrismo, sino que, consciente de los otros, busca influir en ellos.
Aunque Tarkovsky diga que en sus películas no usa simbolismos, lo que se muestra en la pantalla si refiere a algo. Refiere a su vida, a su niñez, a su lugar de origen y donde le gusta estar. Aunque se muestre renuente al uso de simbolismos, sus escenas aluden a algo muy suyo. Considero que más bien las preguntas de sus aficionados sobre sus películas, se dirigían a saber más de él para comprender su forma de ver el mundo. Pues indudablemente, hay un vínculo eterno entre el autor y su obra. Empapada de momentos que vivió el artista y que, consciente o inconscientemente, arroja sobre sus obras, pues son parte de él, de su vida en el presente formada por lo que ha vivido en el pasado.

Sobre la responsabilidad del artista

Stalker

Director: Andrei Tarkovsky

Año: 1979

Duración: 161 minutos

El cine es una segunda realidad, a la par de la literatura que puede originar historias y mundos de la nada. Con la diferencia de que el cine deja menos espacio a la subjetividad pues establece imágenes ya visualizadas por alguien más, con características de los personajes ya establecidas. Por ese lado, yo pienso, la literatura deja más libertad a la imaginación y a la interpretación personal. Mientras el cine origina experiencias más vívidas, inmediatas. 

La cultura de masas “con ese efecto suyo especialmente adormecedor e irresistible” (Tarkovsky, 2002: 207) crea sujetos de mal gusto que demandan productos de mal gusto. Es la explicación de Tarkovsky de por qué hay tanta producción de malas películas Me recuerda al texto La violencia de mundo de Jean Baudrillard en el que explica que hay grupos de personas que están en el poder, que establecen los gustos y lo que el común de las personas debe consumir, éstas lo aceptan sin saber que es impuesto para después demandarlo ellos mismos.

Podemos ver como sucede en la televisión con programas como Laura, Sabadazo, La Rosa de Guadalupe, etc. Algunos nos hemos preguntado cómo diablos pueden existir estos programas, pero si volteamos a un lado vemos a personas que les gustan estos programas y los tienen como su máximo entretenimiento. Es en realidad un tema muy complejo.

Lo más positivo que me deja esta lectura son las ideas que Tarkovsky tiene acerca de la libertad y de la espiritualidad. Da su punto de vista de lo que para él es un artista consciente de su labor, de su papel en el mundo y no sólo de sí mismo. De esto tenía ya algunas ideas y nociones previas, nunca me lo había explicado con palabras pero al hacer mi obra lo planteaba inconscientemente.

Éste libro a la par que habla del cine habla de la vida, quizás por eso me resulte tan valioso al verme reflejada en sus páginas. Sin duda Tarkovsky hizo con este libro lo que explica al principio del capítulo que pasa con la literatura, que a través las palabras el escritor penetra en el lector y este ultimo hace suyo ese escrito desde su subjetividad.

Por último y para resumir este capítulo: la responsabilidad del artista es ser fiel y honesto consigo mismo.

Sobre la relación entre el artista y el público

Película El sacrificio. Equipo esperando clima nublado.

Director: Andrei Tarkovsky

Año: 1986

Duración: 145 minutos

El cine desde el principio, en la planeación, está sujeto a factores económicos. No es una ramificación del arte como las otras. La producción de una película es tan larga y requiere de tantas personas que es difícil hablar de una gran producción que tenga nulo presupuesto.

Como ya se había comentado en capítulos anteriores, no todo el cine es arte y el espectador indirectamente influye a que no lo sea. No en base a sus opiniones y que él diga si es arte o no, sino que algunos cineastas al pensar en su público, buscan solamente agradarle a una mayoría con la idea de que venda. El espectador con sus gustos y demandas da la pauta para que se produzcan en masa una clase de películas que de antemano los cineastas saben que funcionarán. Con este juicio no se hace algo de calidad sino algo comercial con poco contenido.

La producción del cine, y del arte en general, conllevan una responsabilidad para con el público. Este es un punto que personalmente me he planteado porque yo considero que al hacer arte si se debe pensar en los espectadores. Pensar en que los hace similares. Dice Tarkovsky que el artista no debe preocuparse por ser comprensible pero yo opino que si debe tener en cuenta quien es el público, qué lo rodea, quién verá lo que hace. Más adelante dice que “sólo se llega a un dialogo verdadera entre el artista y su público cuando las dos partes se mueven al mismo nivel de comprensión” (2002: 200) .

Me parecen ridículos los argumentos de algunos artistas que dicen “no me importa lo que piense el espectador o si entiende lo que hago”. Entonces ¿qué caso tiene hacerlo? Si se hace para un mismo será mejor no sacarlo nunca a la luz o dejar los planteamientos que nos hagamos en idea, para que sólo sean para nosotros. 

Las teorías de los cineastas

Entre visión y visión: Brakhage

Una fotografía sin el relieve de las cosas, es lo que seria el cine si no se doblega ante la realidad, pues una imagen es el patrimonio tanto del arte como del artista. El cine es un ojo, pero tiene relación también con el ojo interior (visión). Tal como lo propone Stanley Brakhage sobre la visión interior; para él una utopía es una visión pura, una visión liberada del lenguaje. Una visión libre de prejuicios, algo como cuando nacemos. No sabemos nada sobre el mundo. 

El cine no ha podido desprenderse  de la concepción que se tenia de la visión exterior ya desde las imágenes en Occidente.

-Para que la imagen sea transformada en el tiempo debe contener una idea. 

-Para llegar a una visión interior primero se necesita una ascesis de la visión exterior.

"...es verlo siempre todo por primera vez, como un permanente nacimiento. Solo entonces la película sera una verdadera visión poética."

Las teorías de los cineastas

Entre naturaleza y absoluto: Tarkovski

El detesto de Tarkovski hacia el montaje analítico, propuesto por Eisenstein, lo llevó a buscar una dimensión natural en sus imágenes. Esto en el ámbito de la puesta en escena, es decir, que en la película nada es mas importante que el mensaje que se quiere transmitir.

Lo que importa es que se creé una experiencia a partir de la primera impresión.

La imagen artística (cinematográfica) nace del querer y no querer; pues será una imagen justa cuando ajuste la naturaleza de lo que muestra. Esto es a lo que Tarkovski llamó "naturalismo"; la existencia de la naturaleza en el cine. Y entre mayor existencia, mayor su nobleza.

Cada obra de arte debe crear leyes que correspondan a a la forma, inclusive realizar su procedimientos correspondientes, y todo esto para llegar a conocer la relación que se tiene con la realidad.

Toda imagen, debe tener una unificación entre idea y forma, pues sin alguno de estos esa unidad se rompería y sería una imagen sin contenido.

La teta y la luna

La teta y la luna

Director: Bigas Luna

Año: 1994

Duración: 90 minutos

En la película, gran parte de las escenas se desarrollan con cámaras fijas en escenarios interiores y exteriores. También las hay dentro de un auto o de una motocicleta, filmando su movimiento como si fuera la visión del vehículo (aunque quizás nada tenga que ver con la cámara subjetiva).

Hay panorámicas que recorren de un punto a otro para dar una visión amplia, como cuando se forma la torre de humanos y la cámara va de la base a la punta.

También hay unos zoom que empiezan siendo cámaras panorámicas y después se cierra la toma para encuadrar al sujeto.

Los travellings siguen vehículos y movimientos de los personajes que no son tan prolongados.

En cuanto a los encuadres, al inicio y al final de la película hay un par de planos generales y de vista aérea de la multitud, a la vez moviéndose como una cámara panorámica. También hay planos generales y grandes planos generales de los caminos y los paisajes del mar mediterráneo. Planos medios y americanos de los personajes. Primeros planos de rostros y senos. Detalles de algunos pezones y de niños mamando.

Le scaphandre et le papillon

Le scaphandre et le papillon

Director: Julian Schnabel

Año: 2007

Duración: 112 minutos

Gran parte del inicio y casi la mitad de la película se desarrolla en cámara subjetiva porque es la visión del sujeto y su voz interna a las que se les da prioridad en la historia. Pareciera que con la misma visión del sujeto se desarrollan algunas cámaras panorámicas, que al igual que la subjetiva, aparecen desenfocadas en casi todo el cuadro, enfocando sólo el centro de la toma.

Hay travellings cortos del movimiento de sujetos, sillas de ruedas y de los autos.

También hubo una secuencia de escenas con movimientos de cámara inestables que me resultaron algo molestos. Por ejemplo unas panorámicas (donde además la cámara se movía porque iba sobre un vehículo), primero se tomaba el cielo y enmarcaban el encuadre las copas de los árboles, después la cámara giraba rápidamente hacia la izquierda y tomaba al sujeto conduciendo, después iba al frente del auto o volvía a la toma del cielo.

En los encuadres hay muchos planos medios y primeros porque el sujeto protagonista ve a las personas que se le acercan. También hay planos generales donde se ven paisajes con personas deambulando o de vistas muy amplias de sucesos importantes dentro de la narración. 

ENEMIGOS ÍNTIMOS

En este documental Herzog nos contará acerca de sus experiencias y vivencias con Klaus Kinski actor que ha colaborado en  variedad de sus películas como Nosferatu,  Fitzcarraldo, Cobra Verde, Aguirre la ira de Dios, etc. Un actor que ha a pesar de tener un mal temperamento, fue capaz de hacer equipo con este famoso director y realizar estas grandes obras que fueron premiadas y le dio un gran reconocimiento al autor. Veremos que sucedía atrás de todo esto, mientras estas grandes obras fueron filmadas, descubriremos la verdadera identidad del actor y la estrecha relación que mantenía con este director. Durante  el film veremos el comportamiento que tuvo este actor al momento de colaborar con su equipo y también se notarán numerosas discusiones y desacuerdos que tuvieron estos dos grandes hombres, una relación de conflicto pero a la vez de gran amistad. En el film veremos cómo Herzog describe a este gran hombre como un cobarde pero a la vez disfrazado como una gran bestia. Kinski al parecer era una persona difícil de mantener un gran control, uno de los hombres que trabajaba con Herzog cuenta que durante la filmación de Aguirre la ira de Dios casi le vuela la cabeza (sentido literal) por su reacción agresiva que tenía y durante la filmación de Fitzcarraldo tuvo una tremenda discusión con Herzog. Pero aun así esta cinta nos hace cuestionar, ¿Cómo le hizo Herzog para lidiar con este hombre que parecía tener un mal carácter y que casi quería matar a todo mundo?. A pesar de su mal carácter no podía juzgar el buen talento que tenía como actor, es por esta razón que Herzog decidía lidiar con él. En ocasiones Kinski no era la persona agresiva que solía ser siempre, a veces se llegaba a portar demasiado amable con sus compañeros, principalmente actrices, entre ellas Eva Mattes en la película Woyzec y Claudie Cardinale  en Fitzcarraldo. Herzog mantenía una relación de amor odio con, Klaus Kinski e incluso este  actor escribió algo sobre él(Werner Herzog) describiéndolo como una persona con muy poco talento y algo ambicioso, las palabras de Kinski  son las siguientes:

«Es un individuo miserable, se me pega como una mosca cojonera, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de la cabeza a los pies. Su supuesto “talento” consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas. Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineasta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha domeñado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano de personas poco desarrolladas mentalmente y de diletantes, a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, y eso si les paga. El resto son tullidos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante. No tiene la menor idea de cómo se hace una película. Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablarme». (Klaus Kinski)

Las escenas en donde Herzog aparece contando la historia de Klaus Kinski se ven en medio plano y las escenas donde aparece el conflicto generado durante estos dos hombres serán vistas en un plano gran general y general. Al principio del film veremos a Kinski reclamando y gritando al público –cámara en contrapicada-. En esta película no solo se analiza la vida del director, sino la obra maestra del director.

SOBRE LA RESPONSABILIDAD DEL ARTISTA

El cine es una de las artes mas complejas que existe debido a que tiene una gran variedad de otras artes combinadas como es el caso de la música, la actuación etc. El cine es una de las artes que nos muestra una realidad  paralela o igual a la que vivimos, es capaz de mostrarnos ese extraño y complejo mundo en el que vivimos alrededor  y también contarnos o interpretarnos una historia diferente o una experiencia de la vida. Pero  ¿Cuál es la diferencia que tiene el cine con la literatura? Aparentemente las dos intentan conmover al espectador o al  público por medio de emociones, la diferencia estaría en que la obra cinematográfica  es capaz de analizar y reflexionar la vida mediante las imágenes, mientras que el escritor solo puede dar a entender sus ideas de manera subjetiva. El cine tiene la ventaja de mostrarnos como funciona el mundo a su disposición con sus sorprendentes imágenes hiperrealistas. Mientras que en la literatura tendremos que entresacar o descubrir las diferentes ideas del autor. Estas dos artes parecen ser muy diferentes entre si pero  aun así las dos cumplen su principal objetivo, que es el de conmover  y conectarse con las emociones de los espectadores, podría decirse básicamente que el cine se encarga de reflejarnos nuestra propia realidad  mientras que la literatura se encarga de reflexionarlo de manera subjetiva, esto quiere decir que la literatura no puede mostrar cómo es el mundo, pero aun así es capaz de interpretarlo con sus ideas a los lectores y ellos mismos se creen mas ideas tanto positivas como negativas, el cine cuenta con las dos ventajas debido a las imágenes que maneja aun así las dos intentan entender el mundo aunque utilicen  diferentes métodos uno por medio de la visualización y el otro por medio de la imaginación o las ideas literarias. 

“La literatura, a través de la palabra, describe un acontecimiento, ese mundo interior y exterior que quiere reproducir un escritor. Por el contrario, el cine trabaja con materiales tomados de la propia naturaleza, que surgen de forma inmediata en el tiempo y el espacio, que podemos observar en el entorno en que vivimos(Tarkovski)”

El arte tiene que ser capaz de conmover y conectarse con las emociones de los espectadores, pero eso no quiere decir que tenga que agradar o desagradar al espectador ya que eso es una opinión suya, el principal problema que tiene la publicidad es el hecho de que intenta convencer al espectador y trata de engancharlo de manera emocional, una película comercial intenta atraer la mirada del público para que de esta forma pueda vender mas de lo debido, lo que importa al cine comercial  no es conmover al espectador  sino atraparlo en sus emociones para que de esta forma pueda caer y ver su producto. Pero aun así el arte entra en ese sistema que es muy difícil salir de él. Para el  autor Tarkovski "El cine es una realidad emocional y, como tal, el espectador la percibe como una segunda realidad.

Tarkovski  subraya  que el cine, al igual que la música, opera con realidades. Por eso esta razón está en contra de los intentos de los estructuralistas de considerar el plano como signo de otra cosa, como resultado de un sentido. Esta es una trasposición meramente formal con falta de crítica, de métodos analíticos propios de otras artes. Un elemento musical no tiene intereses ni ideología. Y también un plano cinematográfico es siempre un fragmento de la realidad carente de ideas, es  una idiotez, falsa en sus fundamentos(pág .192)