La piel suave una película de Francois Truffaut

Titulo: La piel suave

Director: Francois Truffaut
Pais: Francia
Año: 1964
Duración: 1 hr. 52 min.

Se intervienen los papeles. La piel suave es la cuarta película de Truffaut y narra la historia de un escritor y editor de libros parisino de nombre Pierre con un matrimonio de catorce años y una hija. El cual comienza un apasionado romance con una aeromoza durante un viaje de trabajo que realiza a la ciudad de Lisboa, Portugal; la historia inicia aquí aunque se desarrolla en su totalidad en Francia.
Cabe mencionar que Pierre goza de una excelente vida familiar, su esposa es madura pero extremadamente bella y la relación que lleva con ella es de lo mejor, su situación económica es favorable y se desarrolla profesionalmente con éxito, por lo que dicho comportamiento nos parecerá inquietante y sin razón alguna.
Es así y bajo este sencillo pero profundo argumento que Truffaut nos vuelve a lanzar un gancho al hígado, colocándonos frente a un espejo de 360º que permite vernos como seres humanos sensibles al amor y a las experiencias que de el emanan.
A estas alturas de su carrera este director conoce sus recursos técnicos y simbólicos y de esta manera sabe como atraparnos visualmente.
Sabe que elementos alimentan nuestros deseos y como plantearlos, por ejemplo : un encuadre medio de un par de desconocidos frente a frente en un elevador o un detalle del rostro de nuestro protagonista para poder acercarnos a el y de esta manera poder comprender la situación por la que atraviesa.
Para finalizar me gustaría lanzar tres interrogantes ¿Truffaut alcanzo la realidad? o ¿La realidad alcanzo a Truffaut?; ¿Ustedes que opinan?

Ver en línea (Sub. Ingles):

https://vk.com/search?c%255Bq%255D=truffaut%20la%20peau&c%255Bsection%255D=video&c%255Bsort%255D=2&z=video210778707_168519830

Jules y Jim una película de Francois Truffaut

Titulo: Jules y Jim

Director: Francois Truffaut

Pais: Francia

Año: 1962

Duración: 1 hr. 46 min.

Jules y Jim es la tercera película de Francois Truffaut. Se desarrolla en el contexto de la Francia de inicios del siglo XX, exactamente en el año de 1912 y narra la historia de dos amigos que se enamoran de la misma mujer. Cabe mencionar que los tres personajes se ven involucrados en la alta cultura del momento (arte y literatura), situación que los condicionara a ser parte del espíritu libre de la época.

Este film me parece de suma importancia para poder comprender los dos trabajos previos de Truffaut y lo comentado con anterioridad en mis otras publicaciones con relación al desarrollo de la sociedad francesa  de la posguerra, ya que al estar ambientada al inicio del siglo pasado nos permite ver la gestación de las temáticas (antecedentes) que marcaran la condición humana en dicha sociedad.

Mas allá de los recursos técnicos que se utilizan en el cine como los movimientos de cámara, los encuadres o las secuencias, e incluso la ambientación de los escenarios que podemos encontrar dentro de la película y que claramente están influenciados por el movimiento fotográfico del pictorialismo, a mi parecer lo que verdaderamente dota de fuerza y vida a esta, es el diseño de los personajes y la interpretación de estos a través de los actores, tomando en cuenta que cada uno cuenta con modos muy específicos de conducirse y desarrollar su papel dentro de la historia, esto se puede ver claramente con el personaje de Catherine interpretado por Jeanne Moreau, quien da vida a la mujer de la cual se enamoran estos dos amigos (Jules y Jim) y en la cual podemos encontrar encarnada a la actualmente multicitada femme fatale. Este hecho marcara todo un nuevo paradigma en relación a la forma de representar la imagen de la mujer en tiempos futuros, situación que hasta ese momento era desarrollada en su gran mayoría por la mirada del hombre.

Ver en línea:

http://www.cultmoviez.info/18197/jules-et-jim.html

Fahrenheit 451

En cuestión de la narrativa de este film, basándonos en que  estuvo comprendida entre la década de los 50 y mediados de los 60 y suponiendo que el autor (del libro) imagino, seguramente tras el paso de  la Segunda Guerra Mundial, un  futuro donde el intento de controlar de manera bestial y un  gobierno que no deja deja ejercer el derecho a la cultura entre otras cosas, los llevarían, en el límite, a la autodestrucción. 

Es así como  François Truffaut   (director) sitúa la película en una sociedad donde los bomberos tienen que apagar incendios, sino que su tarea es la de quemar libros, ya que, según su gobierno, leer no deja ser felices a las personas  porque las llena de angustia y melancolía; pero cuando leen, los hombres comienzan a pensar, analizan y cuestionan su vida y la realidad que los rodea. El objetivo del gobierno es impedir que todos los ciudadanos, sin importar las edad, sexo, religión etc. tengan acceso a los libros, para que estos no piensen, no se cultiven y puedan darse cuenta de la realidad de gobierno que tienen.

Es una película que nos muestra un poco de la realidad que se vive hoy en dia en Mexico, con un gobierno que no permite la libertad de expresión, reprime a los a estudiantes, no quiere que su pueblo piense, se informe y comunique a los demás. 

Año: 1966

Pais: Reino Unido

Fahrenheit 451 

François Truffaut 

Esta película de Truffaut, de 1966,  habla de una sociedad posterior al 2010, en donde la tarea de los bomberos ya no es la de apagar incendios, sino la de quemar libros, ya que, según su gobierno, leer impide ser felices porque llena de angustia; al leer, los hombres comienzan a pensar, analizan y cuestionan su vida y la realidad que los rodea. esta idea de la quema de libros la contextualizo ahora con el olvido de la literatura por el uso de nuevas tecnologías,  los libros han dejado de tener importancia en la investigación de nuestro pasado, esto hace que ya no los usemos y que ya no intentemos conocernos a travez de ellos, ahora la computadora nos da la solución a cualquier conflicto emocional o teórico, o los libros ya se encuentran digitalizados en pdf, y ya no necesitamos tenerlos fisicamente, poco a poco esta sucediendo lo que se plantea en Fahrenheit 451, esto sin necesidad de usar bomberos. 

Es una película visualmente atractiva, el uso del color, forma parte importante de las escenas, la fotografía es impecable, y las panorámicas de la ciudad con esta idea futurista se vuelve mas bien, un recuerdo del pasado y de como antes visualizaban nuestro presente. 

Los Siete Samurái

           

Los Siete Samurái    



 

Película de 1954, producida por el japonés, Akira Kurosawa. Un episodio de acción, drama. Y aventura que se desarrolla en el Japón feudal. Siglo XVI.

Una aldea de campesinos contrata a siete samurái para que los protejan de un grupo de forajidos que intenta saquear la aldea. A pesar de que el único salario para los guerreros será la comida y el techo, aceptan incorporarse a la defensa de los aldeanos.

Cada samurái tiene una historia diferente que desemboca en la aceptación del cargo para defender a los campesinos, en un país en donde tanto tiempo de guerra, gobernantes tiranos y la hambruna, han convirtieron a estos guerreros en simples mercenarios vendidos al mejor postor, ahora una pequeña aldea de gente marginada les permitiría retomar sus antiguos principios, por lo tanto ninguno tiene el mismo motivo que el otro y nadie lo hace por caridad, entre ellos el honor, el valor y el respeto, es lo más importante y los puede llevar a arriesgar su vida por tres comidas al día.

 

La ambientación, con personajes que realmente se parecen a lo que fue, reconstruye minuciosamente cada detalle de las escenas que están llenas de aspectos emotivos y sentimentales, (este filme contiene drama, acción, epopeya, aventura, humor, romance, suspenso, crítica social y análisis de la condición humana) muy de acuerdo al momento en que se describe la historia, pero acentuando los momentos dramáticos, en ocasiones con una toma panorámica, o un encuadre de primer plano, y un movimiento de cámara suave pero también variado que le da una aspecto de narración muy original a cada escena, haciendo de la película una obra sencilla de entender y entretener al espectador, como la trama bien relatada de un cuento.  

También la cámara en barias tomas, tiene una angulación normal, permitiendo que el espectador se sitúe como parte viva de una narración histórica. Todo esto nos muestra (como si se tratara de una fotografía actual) lo que fue el Japón feudal, y en particular a una clase social, sus costumbres, sentimientos, las ideas de la época, todo está reflejado en este filme.

Una película que hace derroche del profesionalismo en cada uno de sus planos, por más de 3 horas. Filmada en espacios abiertos y con personajes que reflejan la condición humana. Muestra a los débiles fortaleciéndose y luchando por sus derechos. Esta obra nos permite mirar cine de acción aprendiendo algo de la vida, de la lealtad, que en estos tiempos está siendo desplazada, por tanta corrupción, individualismo, avaricia y egoísmo.

 

CANDILEJAS

Esta película de Charles Chaplin es algo diferente  a  las demás que ha hecho debido a que en está no interpreta al clásico personaje de Charlot  sino  que personifica a un comediante llamado Calvero un  comediante fracasado. En este film no vemos al clásico Charles Chaplin de bigote y con su vestimenta exagerada. La película  tiene un gran guion y la música  que compuso  Chaplin es  algo llamativa.

La  trama del film es algo sencilla, comienza en un departamento con una mujer bella que se encuentra algo inconsciente  en  su habitación, de repente llega un señor que se  de nombre Calvero que la encuentra y  la recoge  de su casa y se lo lleva a la suya, para hacerse cargo de ella hasta que se recupere. Mientras mas están  los dos juntos mas se van conociendo .La mujer con la que se encuentra el  señor Calvero se nombra Thereze (interpretada  por la  actriz inglesa Claire Bloom) una mujer que tiene el sueño de ser una gran bailarina pero  sus esperanzas parecen estar rotas debido a que piensa que quedo algo paralítica, los de Calvero  y su carrera de comediante igualmente parecen destrozados por su carrera de comediante que no llega a tener demasiado éxito. Las tomas de las primeras escenas muestran un gran general ambientado en el año de 1914  y una panorámica que se adentra en el edificio y muestra a Thereze en un medio plano con un frasco en  la mano con la prueba de que se quería suicidar.

Una de las escenas que llama la atención por su  música y originalidad es la parte donde Chaplin ósea el señor Calvero tiene un sueño o un recuerdo de su carrera donde  interpreta a un domador de animales de circo, y muestra de manera  extraña y cómica  un circo de pulgas llamados Philips y Henry que “supuestamente” hacen algunos trucos. La escena comienza con un acercamiento a una fotografía del señor Calvero, de repente sale en escena en un Gran plano General cantando y presentando su famoso circo de pulgas  y luego la cámara hace un acercamiento al circo de Chaplin y regaña a sus pulgas de ser algo flojas, después Calvero hace unos movimientos  algo graciosos  y raros con sus manos y su cabeza que  hacen creer que las pulgas están presentes con él-la cámara se encuentra en medio plano-.El teatro termina cuando una de las pulgas se venga del domador introduciéndose de manera graciosa  sobre su cuerpo y termina corriendo a Calvero del escenario en una toma en plano  general. Pero luego lo que parecía ser un sueño, se convirtió en una pesadilla para el comediante, la cámara hace un acercamiento a Calvero con la cara algo pálida y decepcionada y de repente hace una panorámica de derecha a izquierda para representar la mirada del actor. Resulta  que mientras estaba dando el espectáculo  el público ya había desaparecido y con la mirada algo triste y decepcionada la imagen se desvanece sobre el actor. La toma de esta parte de la película es una cámara fija. 

Otra de las tomas que  atrae la atención es cuando Thereze le cuenta a Calvero  que cuando antes trabajaba en una papelería y que siempre venia un pianista que resultaba estar enamorada de él, y de su música que tocaba. Cada día que él pianista empezaba a tocar su melodía ella iba a su puerta a escucharlo tocar el piano. Al  final de la escena ella le devuelve al pianista una moneda y le dice que se le había olvidado su cambio. Lo  que me gusta de escena es la luz de la toma y la historia que cuenta la mujer. La toma comienza con un general cuando Thereze se encuentra  arreglando las cosas y luego cuando entra el pianista y se cruzan las miradas la toma comienza a ser en un medio plano. Cuando Thereze se acerca a la puerta para  escuchar al pianista la toma se encuentra en un plano general y termina con un acercamiento a su cara.

Otra de las escenas cuando el señor Calvero que parecen ser algo creativas de esta película es cuando él ésta haciendo un papel de un músico, él se encuentra  tratando de tocar un violín, pero al otro personaje  se le había caído las partituras e intentaba acomodarlas como pueda, pero siempre se les revolvían y  luego cuando cambia la toma en un plano general Calvero, él personaje secundario rompe el violín del comediante. Al  final de la escena el señor Calvero se cae del escenario y se atora en un tambor. Las tomas están en un plano general excepto las del señor que se le caen las partituras  que es un medio plano y la cámara de nuevo se encuentra fija ante la escena.

EISENSTEISN Y  EL MONTAJE

Una película es algo que nos llena de  emociones. Es una obra que nos intenta comunicar un  mensaje no  solo por sus imágenes en movimiento, sino también por la expresividad de los actores  y la música de ambientación que se genera durante la secuencia o la escena.

 Eisensteistein  al contrario de Vertov, no se preocupa por mostrar la realidad que se genera alrededor de la vida o del mundo, a través del ojo de su cámara sino por el mensaje que puede comunicar ante esa película u obra .Otra de sus diferencias es que no se preocupa por analizar el rodaje de la cámara sino  se preocupa por analizar lo que es el montaje intelectual. ”Su  teoría del montaje se aplica a unas imágenes  cargadas de un sentido intencional”(Aumont, J pág. 27).Para Eiseninstein el montaje es algo que se encuentra en la cuarta dimensión “El tiempo”. Si pensamos en una secuencia de un plano a otro  mientras transcurre una acción de los personajes o la ambientación de la música durante las películas nos  podemos dar cuenta que el montaje está presente en la mayoría de los casos, ya sea durante una escena o la música. El cineasta analiza cinco tipos montaje, los  cuales son los siguientes.

El montaje métrico:es aquel que organiza en orden cronológico  los planos los planos a partir de una relación bruta, mensurable y cronométricas; es una solución rudimentaria  que  el cineasta menciona para distanciarse de ello. Es el  montaje que realiza el cineasta de una escena a otra en un determinado orden.

El montaje rítmico:es un refinamiento no métrico que no toma en cuenta la duración en bruto, sino la duración empírica y vivida por el espectador. Es que la persona que la persona identifica la secuencia por medio de sus experiencias o sensaciones a través de la vida.

El montaje tonal: es un montaje que propone la metáfora musical y una relación de una “sonoridad emocional”. Es la ambientación de una  escena por medio de la música, pero también existe una relación tonal con la secuencia de la imagen o de la  acción. Por ejemplo si vemos una película de terror la música puede sonar un poco chillona   y si  vemos una película de amor  la música puede sonar algo tenue.

Montaje armónico: “es, a su vez un refinamiento de la tonalidad  haciendo su propia metáfora. Einsenstein  idea un montaje extraordinariamente complejo, donde cuentan todos  “estímulos” emocionales”(Aumont J, pág. 28). La armonía es aquella que le da color a la escena. Por ejemplo si vemos una película de terror la sensación puede ser de escalofríos  y  si vemos una de amor  el sentimiento puede ser de ternura.

Montaje intelectual: es uno de los montajes mas importantes de la película, ya que llega  a combinar todos los anteriores según el autor.“El montaje intelectual es la transposición, fuera del terreno puramente emocional; se trata de imaginar un montaje que, coronando el conjunto de esa construcción, tenga en cuenta todos los planos”(Aumont J, pág. 28).

Nota

Lo que más le importa a Eisenisntein es el lenguaje que puede comunicar la película ambientada con el montaje  que se encuentra alrededor del  film, no le importa tanto mostrar  la verdad  a través de su ojo de la cámara como Dziga Vertov,  sino  más bien lo que se conformaba alrededor de ella es  decir lo que denominaba como montaje intelectual. La música en el cine es algo que llega a conectar de manera emocional e intelectual el ambiente en el que se encuentra en los personajes. El cineasta ya no solo se encarga de dar a conocer la verdad,  sino  de darle un sentido y un significado a la obra o al film.

Grito de piedra

Titulo original: Schrei aus Stein (Grito de piedra)

Pais: Alemania 

Año: 1991

Duración:160 min

Director: Werner Herzog

Guión: Hans Urish Keinner &Walter  Saxer (Historia de: Reinhold Mesnner)

Fotografía: Rainer Klausman

Reparto: Donald Suterland, Vittorio Mezzogiorno, Matilda May, Stefan Glowarchz, Brad Dourif, Al Waxman, Gunilla Karizen, Chavela Vargas, Lautaro Murúa

Sipnosis 

Esta película tiene como tema base el alpinismo, la historia relata sobre dos personajes que suelen escalar grandes alturas, se conocen en un concurso de televisión en el cual se retan a escalar un pico al sur de la Patagonia, siendo este su objetivo ambos se enfrentan con muchas dificultades pero siempre tienen en impetu el llegar a la cima al final solo uno llegara.  

Conclusiones

Me resulta interesante los movimientos de cámara que fueron ocupados para la grabación sobretodo cuando los personajes escalaban, me pareció muy acertado como resolvieron esa parte con tomas muy limpias y concretas que hacen que el espectador tenga esa sensación de altura con la cámara  picada. Otra cosa que me pareció atractiva fueron los escenarios donde se desarrollo la película con paisajes boscosos y fríos de la Patagonia. 

 Enlace

https://www.youtube.com/watch?v=DluNlVLqq3E