miércoles, 20 de mayo de 2015



Le Renard Et L' Enfant  
(La Niña y el Zorrito)



Un filme francés muy bonito con un final conmovedor; es así como el director francés Luc Jacquet combina la ficción con el documental mostrando hermosos paisajes naturales, es así como nos relata la amistad de una niña y un zorro rojo.
Belleza en cada una de las escenas de esta película, con movimientos panorámicos en planos generales de cada uno de los paisajes; secuencias largas pero no tediosas, con una fotografía excelente que hace que nos encariñemos con cada una de las escenas y en general con toda la película.
Aunque llega un punto en que el ritmo de la película decae un poco con acercamientos innecesarios a los personas y una que otra secuencia muy larga con un solo movimiento de cámara; pero sin duda una vez mas el cine francés hace de las suyas y provoca cierto afecto por sus maravillosas creaciones.   

Año: 2007
Electroma

Daft Punk (EUA/Francia 2006)

Daft punk es magia, para este dueto las dos cosas mas importantes son el audio y el video. En 2003 muestran la magnifica pieza de creatividad y diseño de Interstella 5555 compilación de todos los videos musicales de su álbum Discovery, genero que es incierto en el cine, así que esto lleva a sacar un film dirigido por ellos para el cine estrenado en Festival de Cannes, un film que para mi gusto es algo mas que bien logrado una versión pop o disco de Matthew Barney con sus Creamasters.

El audio y el video se fusionan de tal manera que logra que las escenas largas no se vuelvan tediosas y aburridas, el audio dirige la cámara, podrás cerrar los ojos y disfrutarlo sin perder la secuencia, largos y veloces travellings muestran el mundo humanizado sin humanos, una fotografía muy cálida y panorámica de pocos contrastes, muy matizada que realmente envuelve al espectador, volviéndose mas que una película una atmósfera, con una historia de la deshumanización a través de las maquinas.
Guten Taj Ramon

Dir. Jorge Ramirez Suarez (Mexico 2013)

Guten Taj Ramon es de esas nuevas películas mexicanas con demasiado patrocinio para hacer una historia “bonita“ como ya lo vimos con la película de Eugenio Derbez que no vale la pena mencionarla, fue hecha en colaboración con Alemania y Francia. 
Tiene escenas buenas con manejo de drones y una fotografía que tiembla y según transmite mucha emoción, nuevamente es una película que habla sobre la migración y el sueño americano solo que en esta ocasión no es en EUA si no en la mismísima Alemania, donde Ramon el protagonista de toda esta excitante aventura llega en busca de una conocida, la conocida nunca estuvo y se las ve difíciles para solventar sus gastos pero siempre existe la nobleza pura de una abuelita que ayuda y todo se soluciona. Tiene una banda sonora muy cursi que llega a apresurar los momentos de melancolía, gran parte de la fotografía esta en bluescale que sirva para la tembladera que mencione hace rato y te hagan sentir compasión hacia Ramon que se ve completamente indefenso y diminuto dentro de otra cultura, cultura que jamas se ve exhibida ya que todo es de su departamento a la tienda de abarrotes y los Alemanes jamas son visualizados como cultura, nunca son mostrados. Es una película hecha por Mexicanos y para Mexicanos del ideal de televisión abierta nacional.
Mi nueva vida en NY

Cédric Klapisch (Francia 


Mi nueva vida en NY es la “trilogía“ o autoremake de dos películas antecesoras de este director: Una Casa de Locos(2002) y Muñecas Rusas(2005).  En estos tres filmes ha manejado la misma temática e inclusive diseño de la portada, le funciono una y la hizo tres, yo en lo personal vi estas dos “precuelas“ a raíz de Mi nueva vida en NY porque es una película que  aunque muy ligera y de la tendencia romántica francesa, tiene un excelente manejo de cámaras, demasiado movimientos se emplearon varias escenas con la cámara go pro lo cual da una sensación de rapidez, de movimiento. Cosas que este director dejo muy presente en este filme haciendo hincapié fueron las nuevas tecnologías manejando iconos de google maps, con travellings rápidos y extendidos, o webcams de videollamadas de skype,  y el uso excesivo de dispositivos muestra la excesiva comunicación entre los individuos que rompe todas las fronteras, también deja un pequeño registro de la cultura de oriente y su influencia en occidente. Finalmente lo que mas me parece atractivo de esta pelicula es su final donde la filosofía del concepto de final y del tiempo y espacio a una manera muy casual se ve mostrada dejando un final incierto y espontáneo digno de ser la tercer película del tipo.


IRREVERSIBLE


"Porque el tiempo lo destruye todo"... porque los actos que cometemos los seres humanos algunas veces son irreparables, porque nuestro comportamiento es como el de un animal, porque la venganza no es buena pero es un impulso natural... porque el amor es el origen de la vida, porque los crímenes en ocasiones se quedan sin resolver.
Irreversible es un polémico filme francés y un tanto extraño pero visualmente muy atractivo y cautivador.
Gaspar Noe, el director de esta película nos obliga a debatir acerca de la historia, la técnica y demás; la cámara corre por todas partes, subjetiva ene todo momento cuando haya que filmar una pelea o escenas de sexo o de mucha violencia, el travellig se hace presente para la escenas en fiestas, caminatas por la ciudad, persecuciones. Pero una de las secuencias mas polémicas y quizás una de las mas perturbadoras del cine es una violacion en el subterráneo que dura aproximadamente 10 minutos, la cámara hace acercamientos, se mantiene fija la mitad de la secuencia con un panorama general; cabe mencionar que la película tiene colores muy oscuros, van de los rojos, naranjas y azules. Una película que no se debe dejar de ver.

  1. Año:2002


Dir.  Morten Tyldum (Gran Bretaña/USA 2014)

The imitation game es una película basada en hechos reales sobre de la vida de Alan Turing. Esta película se merece mas que una publicación y no por la forma en como fue resuelta o su técnica. Siendo sinceros realmente es una película hollywoodense que fue hecha para ganar un Oscar. Slavoj Zizek menciona que toda película en Hollywood esta realizada para cautivar a masas con una historia de amor, usando de pretexto algún hecho histórico. 

Lo mas importante de esta película es Alan Turing y es que a el le debemos gran parte de estar escribiendo en este blog detrás de una computadora procesando información, la historia se basa sobre como Alan rompe y descifra el código de Enigma una maquina inventada por el gobierno Nazi, y como gracias al invento de una nueva maquina Cristhoper que su función es el procesamiento de información a través de calculo, logran ayudar a ganar la segunda guerra mundial, todo esto sucede mientras los contratiempos de esa época de ser homosexual agobian y retrasan a Alan, siempre teniendo presente el recuerdo de su primer y gran amor su compañero de escuela Cristhoper, es por eso que la maquina se llama así Cristhoper y es esta maquina la primer computadora en el mundo.

Lo mas provocativo de esta pelicula de guerra es que a diferencia a la mayoría el campo de batalla no es alguna ciudad británica con miles de muertos, si no es un campo de batalla ficticio de intelecto muy a la orden en esta presencia millenial que tenemos al momento, desarrollandose una lucha de información y desciframiento, la guerra de mantener un secreto de que todo significado puede ser variable y el mensaje interpretado de diferentes maneras.

Acorazado
Dir. Alvaro Curiel (México 2010, 97 min, 35mm)

Acorazado es una comedia Mexicana con un gran humor y parodia hacia las problemáticas sociales y políticas del país, temas que casi no se ven en el cine de México... ok no!

El Mexicano siempre tiende a burlarse de el mismo, acorazado habla sobre la migración, el escape de un país, y de que siempre hay alguien en peor situación que tu. Toda la historia esta basada en el protagonista (Silverio Palacios), y los sucesos que le toca vivir al ser un sindicalista veracruzano muy de izquierda, que es convencido por sus antecesores compañeros de salir huyendo del país en una balsa para llegar a Miami EUA, como lo han hecho algunos hermanos cubanos, y al llegar dar un discurso político y pedir  el alojo en tierras gringas. Por cosas del destino, surge un giro casi imprescindible en la historia de este personaje  que cambia su rumbo y en ves de llegar a Miami llega a Cuba y bueno un sin fin de aventuras y buenas anécdotas le suceden pero finalmente decide por regresarse a su país y con ganas de secuela ahora el personaje llega a Cancun creyendo que ahora si esta en el gabacho.

Es una película muy ligera, ilógica, dominguera, pero que realmente llega a atraparte con sus imágenes de Veracruz y La Habana, con un humor muy tranquilo y con una carga de canciones agradables que te invitan a querer estar ahí. Su fotografía siempre se refleja demasiada luz, mucho verde y blanco e inclusive una interpretación de la pasión de cristo la vuelven una película muy agradable, como un pequeño antojito de cualquier día entre semana. 
HASTA EL FIN DEL MUNDO
Wim wemders
1991

HASTA EL FIN DEL MUNDO Es una película que tiene una representación simplificada y universal del mundo, como en la ciencia ficción, pre o post cataclismo (ha ocurrido fuera de campo una explosión nuclear debida al fallo de un satélite indio).
Se habla de un 1999. El mundo está completamente digitalizado, reina la comunicación, con su equivalente-imagen: la transparencia. Los personajes tienen todas las posibilidades de encontrarse, de reunirse en las cuatro esquinas del mundo, manipulando tarjetas telefónicas con chip, ordenadores sofisticados, pantallas de transmisión que, junto a los teléfonos, envían en directo la imagen del interlocutor. Por lo tanto, jugar al escondite se convierte en algo impensable, todo el mundo ve a todo el mundo del futuro. Si el ver está por todas partes, a nadie le resulta posible vivir escondido.

En HASTA EL FIN DEL MUNDO, sólo dos personajes no tienen mirada. A Trevor (William Hurt) le duelen loa ojos de tanto utilizar una extraña cámara, que capta imágenes para un uso que en un principio no se entiende (ése es el misterio de la película). Además no ve nada, no quiere ver que Claire (la chica que le pisa los talones de ciudad en ciudad) le profesa sentimientos de amor. Ea el aspecto muerte en los talones de la primera parte de la película. El otro personaje que no ve es la madre de Trevor, ciega desde su infancia (sólo aparece en la segunda parte de la película). 

Enter The Void (Gaspar Noé, 2009)


Ésta película está grabada casi en su totalidad en cámara subjetiva, Trata sobre la vida de un chico que es adicto y el lente son sus ojos, se puede observar su cuerpo, mientras está vivo, es muy interesante el trabajo que hace el director, pues para las escenas donde se ve al espejo, la cámara no se ve. 

Con ésta escena, (la imagen) que es el asesinato del protagonista, revela la cámara subjetiva en su totalidad, lo que se entiende claramente porque ya no aparecen partes de su cuerpo y cuando se mira al espejo, sólo se ve vacío. Combina también momentos de edición de colores, ya que, según entendí el viaje de la vida a la muerte se representa con colores psicodélicos,
La cámara utiliza travelling, para hacer el viaje entre paredes, o situaciones que hace el personaje principal, ya muerto, el dolly que se utiliza es también de vista frontal, pues sucede muchas veces que cambia de habitación a otra en muchas escenas.
Es una película muy completa en cuanto a cambio de cámara. 
PULP FICTION
Director: Quentin tarantino
Año 1994

Ésta película es una de las más famosas que tiene éste director. Lo que me parece interesante es el cambio de escenas, los cortes tan repentinos y la relación que guardan unas con otras, haciendo que el espectador no pueda dejar de verla, preguntándose cuestiones sobre las escenas.
Se divide en diferentes secuencias, con una misma narrativa, sin dejar de tener algunos mensajes, de los cuales son simbolismos: por ejemplo el reloj de oro, los cuadros de mariposas, etc.

Aunque no utiliza mucho la cámara en travelling, si mantiene escenas largas, pero con cortes distintos, no son muy rápidos, lo que permite apreciar más las tomas.

Algo que mencionar en ésta película es que no ace cámara en acercamientos, los detalles no son tan visibles, importa más la panorámica de ésta y los colores que deja ver son muy alegres, los personajes visten con colores vivos, sin duda el vestuario es muy apropiado.

Es una narrativa de drogas y violencia, las armas están siempre presentes y los enfrentamientos entre escenas y personajes son muy detallados, la sangre que se observa es captada por cámaras en plano retrato y panorámica.

martes, 19 de mayo de 2015

 
Biografía de este mítico personaje que va desde la infancia y adolescencia hasta la formación de los Beatles en Liverpool 1955.
Bajo la dirección de Sam Taylor-Johnson y el Guion escrito por Matt Greenhalgh, dan vida a la historia de un joven de quince años inteligente y rebelde, con una familia conflictiva. Sin padre y en medio de dos mujeres que viven confrontadas porque tienen ideas diferentes respecto de su educación y comportamiento.
John vive en dos mundos diferentes que lo confunden. Mimi, la tía estricta que lo crio, y Julia, su madre, flexible, consentidora, una mujer llena de vitalidad. Para sortear los problemas y desgracias familiares, John se refugia en la música rock, donde conoce a Paul McCartney.
Una obra muy sencilla, el tema y el personaje pudieron permitir algo más elaborado, con mayor investigación, detallando la vida del artista. Historias trágicas, todos tenemos, creo que en esta película se explota el amarillismo al máximo, Este filme se apoya en un personaje conocido en todo el mundo, entonces ¿a quién no le interesa saber su biografía?, cualquier filme relacionado con Lennon podría tener garantizado su éxito.
Una persona con problemas psicológicos desde niño, frustración y enfado por no poder cambiar el mundo que lo rodea, son problemas algo comunes, pero la forma de iniciarse en la música, de desarrollar sus primeros éxitos, su inspiración, la determinación de abandonar todo para dedicarse al género musical que en ese momento surgía y el rechazo de algunos sectores sociales a esta forma de expresión artística, no son abordados en esta película.
Bien resueltos los escenarios naturales y el vestuario, lo clásico de una comedia que nos traslada a través de la historia al lugar en dónde se desenvuelven los acontecimientos, y nada más. Una película que no me agrado, parece que al director y al guionista les interesaba promocionar los cigarrillos. Mejor quedarse con lo que ya conocemos de Lennon y sus canciones.
 
Mineral del monte Hidalgo a 15 de mayo de 2015.
Carmelo Santos López.
Núm. De Cta. 256778.
The Mule 

La mula es una película Australiana que esta basada en hechos reales. Fue estrenada directamente a las cuentas de Itunes, en Noviembre del 2014 dirigida por Tony Mahony y Angus Sampson.

Es una historia acerca de las mulas, las personas que transportan narcoticos dentro de su cuerpo de un lugar a otro. Tiene una perspectiva en cada uno de sus cuadros un tanto gran angular, ampliando espacios, los movimientos son tensos inclusive parcos, tiene una luz bastante contrastante, penumbra e iluminación y verdaderamente una colorimetria provocadora,  una forma de enlazar al espectador con la tensión que el protagonista experimenta en el desarrollo de la historia ya que básicamente todo gira en torno a este personaje la mula y su lucha para no ser encarcelado al ser descubierto por la policía Australiana aguanta las ganas de ir a defecar para no expulsar lo que lo inculparía de una condena, teniendo contratiempos y mucha tensión logra salir libre de esta situación.

Lo mas provocativo de esta película es que es de Australia! Realmente el cine australiano es una joya verdadera que muchas veces puede pasar desapercibido y la mula no es la excepción. Es una innovación en producción audiovisual y en la forma de publicitarse, contiene cantidades industriales de diseño, diseño sonoro y gráfico, un cine popular que no todas las masas reconocen, un pequeño hijo de Hollywood en fino, títulos como MadMax, Babadook resuenan en mi cabeza y no precisamente por su próximo refrito de MadMax si no por ser Australia.




domingo, 17 de mayo de 2015

La configuración de la imagen cinematográfica de Andreí Tarkovsky

En este capítulo Takovsky nos habla del trabajo en equipo, de la importancia de compartir sentimientos y reflexiones "unidos por un solo sistema [...] Nos contabamos mutuamente que es lo que conociamos y amabamos, que apreciabamos u odiabamos."

Andreí cuenta como se llevo acabo la película "El espejo", familiarizándose con el espacio, con el contexto del lugar, con los recuerdos de los otros que vivieron allí, pero además, buscando cumplir con el rodaje, que si bien no se mantenía por una disciplina férrea, menciona nuestro autor, si estaba determinado por un ambiente dentro del equipo. 

Andreí le da relevancia al equipo, como a una familia que esta condicionada por una pasión en común, de manera que las ideas se vuelvan objetivas, es decir, sin importar de quién surge, sino, su realización, desapareciendo así todo egoísmo, como el lo describe. También alude a que el esfuerzo de cada uno de los integrantes se ve rebasado, de manera que, los resultados denotan espíritu humano.

Por último, refiere al significado del color en el cine, el cual determina de manera abrupta y psicologicamente al espectador con una realidad. 

Este capítulo es trascendental para la creación de un filme, cualquiera que se dedique al cine, y tenga la oportunidad de leerlo, sabrá a que me refiero.  

La secuencia de la flor de papel de Pier Paolo Pasolini

El director utiliza tomas generales para mostrarnos el espacio donde se filma: la calle. En un encuadre general y un movimiento panorámico nos muestra el paisaje urbano en el que se desarrolla la historia de un hombre, Riccetto, quien camina por las calles de Roma con una flor roja de papel en la mano, acompañado por una voz, la voz de Dios.

En la escenas intervienen imágenes en movimientos en blanco y negro de la guerra, imágenes que se yuxtaponen a la secuencia del hombre danzando y preguntando por la calle. Un joven actor que sonríe a lo largo del corto, mostrándonos inocencia al relacionarse con otras personas, en una secuencia fija de encuadres a medio plano, donde se detiene e interfiere con preguntas en la vida de los demás, preguntas que parecieran realizadas  por un niño. 

Tal vez la inocencia con la que se muestra a este hombre actor, es el reflejo o el intento de mostrar la inocencia misma con la que los hombres creyeron en la guerra, sin conocer el futuro devastador que esto les traería.  

En otra escena, Riccetto se apodera de una flor roja de papel, y su alegría aumenta; travelings de la rosa roja y el baile que realiza Riccetto, son tomas que cortan de tajo la secuencia de la filmación donde el hombre va caminando  por la ciudad.

Ahora bien, hablemos de la voz. La voz de Dios, o lo que le dice a Riccetto ser su Dios. Pasolini dirige la mirada del espectador al cielo, como si todos nosotros, interpretantes, supiésemos que allí es donde radica Dios; mientras Dios le habla a Riccetto sobre la inocencia y la muerte que acecha a los inocentes, a él, y a todos aquellos que participaron en la guerra con ingenuidad. Dios, habla y dice: "ser inocente es una culpa, y los inocentes serán condenados por que ya no tienen el derecho de ser tales", en estas lineas de las últimas tomas, donde vemos un Riccetto indiferente ante Dios, brincando con su flor, en una toma general y panorámica que avanza hacia adelante en conjunto con nuestro actor, es donde descubrimos que la inocencia es algo que no esta permitido a los hombres, por que como dice el guión, " no se puede perdonar a los que andan por allí inocentemente felices después de la guerra, las injusticias, la sangre y por ello Dios debe hacerlos morir."

Para mi, Pasolini cuestiona a ese Dios, castigador de lo mas genuino que puede tener un hombre adulto, la inocencia con la que puede vivir pese a las desgracias causadas por el humano. 





SOMOS LO QUE HAY


Película de horror mexicana, con una fotografía que te envuelve en cada escena y que logra mantener la mirada frente a la pantalla; la historia se plantea en la vida nocturna de la ciudad de México reflejando la realidad que día a día se vive y no siempre nos damos cuenta o enteramos de ello.
Las secuencias no son evidentes, siempre mantienen la horizontal y ese toque de suspenso, en cierto modo un tanto confusas ya que no se sabe de lo que se habla; la tensión de cada una se genera en las miradas y gestos de los personajes con acercamientos y primeros planos, las conversaciones confusas que estos mantienen en la espera del mencionado "rito".
Llega un momento en que cada uno de los personajes explotan y hacen evidente lo que tanto se ha mantenido oculto (el rito), acercamientos a sus rostros y miradas, medios planos y travelling. Todo esto con connotaciones religiosas y sociales, elementos históricos que llevan a los rituales de canibalismo en cada una de las escenas.
Ademas de los temas de canibalismo y horror, evidencia la decadencia social que se vive en México, la pobreza y lo malo que es el sistema de seguridad publica que tenemos.


Director: Jorge Michel Grau 
Año: 2010



sábado, 16 de mayo de 2015



METROPIA


Una película de fantasía social que se sitúa en una Europa no muy alejada de la realidad, donde el petróleo se acabo en todo el mundo y toda la gente utiliza el metro que recorre toda la cuidad.
Las tonalidades del filme son grises, las nubes grandes que hacen que esa Europa se vea deprimente toda la primera mitad de la película.
En la mayoría de los encuadres se utiliza el travelling, mas en las escenas del metro cuando se sigue al personaje principal y cuando este tiene algunas alucinaciones.
Consta con un poco de escenas de acción con planos generales y medios planos; al ser una película hecha sorpresivamente con stop motion no cuenta con tantos cambios de encuadres, la mayoría son medios planos y con secuencias un tanto largas.       



LOS INSOLITOS PECES GATO 




La película tiene buen ritmo y sentido, aunque toda la trama se pudo resolver en menos tiempo; cuenta con una fotografía  demasiado sutil que ayuda a los ya complicados personajes.
Podría pensarse que tiene ligeros tintes americanos ya que nos remite a Little Miss Sunshine pero eso no implica que la película tenga fuerza propia y que va directo al grano sin complicaciones.
Mayormente las secuencias son largas, en especial cuando un personaje se encuentra en plano medio y este esta dando algún tipo de descripción, o habla con algún otro, algo que me gusto de esta película es el final, hay una narración, cada uno de los personajes aparece en plano medio sin hacer nada, con una duración de un poco mas de 6 segundos en cada personaje; o cuando las escenas son en un hospital, la cámara sigue a los personajes y hace tomas panorámicas del lugar y algunas veces cámara subjetiva muy bien cuidada. 
Los insolitos peces gato trata sobre la vida de una chica que trata de sobrevivir completamente sola, con un trabajo mal pagado y no muy agradable; pero es recogida por una familia un tanto extraña que se enfrenta con una enfermedad grave que padece la madre y al final Claudia (la chica sin hogar) termina en la cama con esta mujer rodeada de su familia. 

Los insólitos peces gato
(México, 2013)
Dirige: Claudia Sainte-Luce
Actúan: Lisa OwenXimena AyalaSonia FrancoWendy Guillén
Guión: Claudia Sainte-Luce
Fotografía: Agnès Godard
Duración: 83 min.


jueves, 14 de mayo de 2015

Título    Mifune
Dirección: Søren Kragh-Jacobsen
Guion:  Anders Thomas Jensen, Søren Kragh-Jacobsen
Música:  Christian Sievert, Karl BilleThor Backhausen
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Protagonistas:  Iben Hjejle, Jesper Asholt, Sofie Grabol, Anders W. Berthelsen, Emil Tarding
País(es)               Dinamarca
Año: 1999
Género: Drama
Duración: 97' (103')
Idioma(s): Danés

Distribución       Manga Films

Esta pelicula logro en mayor manera un apego, con los personajes y la historia se sitúa en una línea muy delgada entre lo real y lo irreal.
Si vemos a cada uno de nuestros personajes como un hilo y sus pasados como hilos atados a estos vemos como poco a poco conforme avanza la historia, los hilos de la vida de Kresten y Liva se van uniendo y de la mismas forma se unen ellos con Rud y con Barjke y a su mismas vez como se unen Rud y Barjke

Vemos como cada uno de los personajes presentes en el desarrollo de la historia tiene un perfil psicológico muy definido, aunque claro están muy por fuera de lo normal.

En la estética en la fotografía contamos con paisajes bellos, junto con el sonido logran una gran imagen que no distraen al publico por el contrario nuevamente nos invita a ver estos espacio como parte de nuestra realidad.

domingo, 10 de mayo de 2015


 
 
 

 
CAMINO A LA ESCUELA

Titulo original. Sur le chemin de l'école
 
     Director: Pascal Plisson.
     Guión: Marie-Claire Javoy.
     Música: Laurent Ferle.

     Documental que narra la historia real de cuatro niños, Jackson, Carlitos, Zahira y Samuel, quienes deben enfrentar cotidianamente numerosas dificultades y peligros para llegar a la escuela.

Los niños viven en cuatro zonas diferentes y muy distantes entre sí, pero tienen las mismas necesidades, las mismas carencias y comparten las mismas ganas de aprender y tienen confianza en que sólo la educación les abrirá las puertas de un futuro mejor.

Para lograr esta película Pascal Plisson busco apoyo de una ONG “Ayuda en Acción”, a través de la cual recabo historias sobre niños que desafían el peligros a cambio de conseguir una vida mejor, reunieron sesenta relatos de los cuales cuatro narraciones sobresalieron, por las emociones que despiertan y los desafíos tan diferentes que deben sortear los niños para acceder a la educación (la distancia, la discapacidad, la discriminación). La producción de la película duró dos años.

 Al respecto de la película el director comento. “Esta película es, sobre todo, un espectáculo, una película documental de aventuras que muestra el valor y la fe de estos niños en el futuro y en su sociedad. Aquellos niños con los que rodamos el documental, son los primeros de su familia en ir a la escuela. Este hecho es para ellos una gran oportunidad. Su viaje no es sólo un verdadero viaje físico, sino también un viaje espiritual, un viaje interior que les permite salir de la etapa de la infancia para convertirse en adultos. Este es el verdadero tema de la película”.

 

Mineral del Monte. Hidalgo., a 8 de mayo de 2015.
Carmelo Santos López.
Número de cuenta: 256778.

Cerezos en flor

 Cerezos en flor
Dirección: Doris Dörrie
Producción: Molly von Fürstenberg, Harald Kügler
Guion: Doris Dörrie
Música:  Claus Bantzer
Fotografía: Martin Kukula
Montaje: Inez Regnier
Protagonistas: Elmar Wepper: Rudi, Hannelore Elsner: Trudi, Aya Irizuki: Yu, Maximilian Brückner: Karl Angermeier, Nadja Uhl: Franzi, Birgit Minichmayr: Karolin Angermeier, Felix Eitner: Klaus Angermeier, Floriane Daniel: Emma Angermeier, Celine Tanneberger: Celine Angermeier, Robert Döhlert: Robert Angermeier
País(es)               Alemania
Año: 2008
Género: Drama
Idioma(s) Alemán
Es una película que propone una reflexión, la mirada de Doris Dörrie  es una mirada crítica, gracias a un trabajo excepcionalmente sobrio y centrado de todos los intérpretes,  esta película  se convierte en un reflejo de la realidad que vive la sociedad actual, más preocupada de su economía que de sus valores afectivos y espirituales.

Butoh es el  arte escénico originario del Japón de la posguerra (1950) con el que se reflejaba el deseo de desprenderse del dolor y buscar un cuerpo nuevo a través de la danza. Mediante movimientos expresivos y originales, el intérprete intenta profundizar en las sensaciones y sentimientos buscando con ello encontrar un lugar en el Universo.  Inspirada en este arte,  Doris Dörrie nos cuenta la historia de un hombre occidental perdido que intenta reaparecer dando un sentido a su existencia. Para ello emplea el viaje como impulso, las relaciones con su esposa y familia como detonante, y el encuentro con quien menos espera y con la danza como redención.

Teorema

Teorema
Título original: Teorema
Año: 1968
Duración: 93 min.
País: Italia
Director: Pier Paolo Pasolini
Guión: Pier Paolo Pasolini
Música:  Ennio Morricone
Fotografía: Giuseppe Ruzzolini
Reparto: Terence Stamp, Silvana Mangano, Laura Betti, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Ninetto Davoli
Productora: Euro International Films
Género: Drama | Religión. Surrealismo
Esta película trata de una familia de clase alta italiana, compuesta por un matrimonio, un hijo y una hija, llega un misterioso joven que irá alterando el comportamiento de todos ellos. Polémica película -fue declarada inmoral por la Iglesia- del siempre controvertido Pier Paolo Pasolini.

Pasolini reincide en las consecuencias que deparará a los miembros de una rica familia empresarial cuando convive con un joven que cambia  sus vidas, desnudando la verdadera identidad de su felicidad. Una película sobre drama erótico y crítica socio política. El primero de los temas lo desarrolla de una forma poco sutil y desmoralizada aunque sin un contenido muy explícito. Al final solo queda en un interesante pero poco profundo retrato de un onflicto dramático sexual en un contexto algo confuso.

El evangelio según San Mateo

El evangelio según San Mateo
Título original: Il Vangelo secondo Matteo
Año: 1964
Duración: 137 min.
País: Italia Italia
Director: Pier Paolo Pasolini
Guión: Pier Paolo Pasolini
Música: Luis Bacalov
Fotografía: Tonino Delli Colli
Reparto: Enrique Irazoqui, Margherite Caruso, Marcello Morante, Susanna Pasolini, Mario Socrate, Settimio Di Porto, Alfonso Gatto, Luigi Barbini, Giacomo Morante, Enzo Siciliano, Alessandro Clerici, Paola Tedesco, Eliseo Boschi, Natalia Ginzburg
Productora: Coproducción Italia-Francia; Arco Film Roma / Lux Compagnie Cinématographique de France
Género: Drama | Religión. Biblia
Esta  película narra las vivencias de Jesús, nacido en Belén y crecido en Nazaret, que viajara a Jerusalén para proclamar su condición de mesías. Es una de las obras  más conseguidas y populares de Pier Paolo Pasolini, su visión sobre la existencia y pensamientos de Cristo, basado en el evangelio que da título a un film que Pasolini dedica al papa Juan XXIII, la película está facturada en un árido blanco y negro, con ásperos paisajes, acompañados por las composiciones clásicas de Mozart, Bach o Prokofiev.

La película, trata de la vida de Jesús desde su nacimiento hasta su resurrección, empleó para el papel de protagonista a Enrique Irazoqui, mientras la madre de Pasolini interpretó a la Virgen María. Pasolini mantuvo una notable fidelidad con relación al texto bíblico y fue narrando algunos de los episodios más populares de la vida de Jesucristo: el bautismo en manos de su primo San Juan Bautista en aguas del río Jordán, las enseñanzas a sus discípulos mediante parábolas, el retiro intensivo al desierto durante cuarenta días con su cuarenta noches, la confrontación con los fariseos y los sumos sacerdotes, la ejecución de diversos milagros, así como su captura (gracias a la traición de Judas), proceso, juicio y crucifixión en el Gólgota. Al tercer día, y como lo había profetizado con antelación, logró resucitar de entre los muertos para renovar, según él mismo rezaba, las esperanzas de la Humanidad.

El Decamerón

El Decamerón
 Titulo original: Il Decameron.
Año: 1971.
País: Italia-Francia-Alemania.
Duración: 106 min.
Director: Pier Paolo Pasolini.
Guión: Pier Paolo Pasolini basado en el libro de Giovanni Boccaccio.
Producción: Alberto Grimaldi.
Fotografía: Tonino Delli Colli.
Música: Ennio Morricone.
Montaje: Nino Baragli y Tatiana Morigi.
Diseño de producción: Dante Ferretti.
Reparto: Franco Citti (Ciappelletto), Ninetto Davoli (Andreuccio), Angela Luce (Peronella), Vincenzo Ferrigno (Gianello), Vincenzo Amato (Massetto de Lamporecchio), Pier Paolo Pasolini (Allevo di Giotto)
Es una película  en la cual Pier Paolo Pasolini eligio 9 historias del libro el “Decamerón” de Boccaccio  con paisajes  naturales en la mayoría de escenas, “El Decamerón” es uno de los títulos más accesibles para aquel profano en la obra del poeta, escritor y director boloñés con su mezcla de sexo y humor.

La historia trata de nueve historias adaptadas:  Un joven literalmente enmierdado ayudará a unos ladrones a robar el rubí del recién finado Arzobispo de Nápoles; Un joven se finge mudo en un convento de monjas con ganas de descubrir el sexo; Cuando el marido de una mujer vuelve a casa, ésta ocultará a su amante; Un ladrón y pedófilo engaña a un sacerdote en su lecho de muerte y acabará siendo santo; Un discípulo de Giotto se propone pintar el mural de una iglesia; Una pareja de jóvenes pasa su primera noche de amor en el tejado de la casa de los padres de ella; Los tres hermanos posesivos de una joven asesinan a su amante, quien desde el más allá indicará dónde está enterrado; un sacerdote desea a la mujer de un campesino haciéndole creer que puede convertirla en burra; Y dos amigos realizan un curioso pacto según el cual, el que muera antes, le contará qué ha visto en el más allá.

viernes, 8 de mayo de 2015

Jornaleros indigenas. Esclavismo del siglo 21.


Jornaleros indígenas. Esclavismo del siglo 21.
Documental recién subido a la web. Sus autores se mantienen en la "clandestinidad"

 

Se trata de una denuncia de la violación más atroz a los derechos humanos, con la complacencia de las autoridades del sector laboral, del sector salud, etc. En donde están involucrados todos los niveles de poder que gobierna en México.

Este documental está construido visualmente con imágenes fotográficas que fueron colocadas en el internet, acompañadas de algunas grabaciones del sitio en donde son sometidos los trabajadores jornaleros, lugares que habitan temporalmente en condiciones de esclavos.

El guión de este documental cuenta con datos y cifras frías que hablan de la realidad mexicana, problemas que nuestros ojos no ven. Pero las entrevistas que acompañan este filme, ayudan a entender las dimensiones del problema.

Trabajadores del sur del país, son enganchados en sus comunidades para trabajar en los campos agrícolas del norte del país, en ocasiones viajan acompañados de su familia, originando que los niños sean utilizados en las labores de recolección de frutos y hortaliza.

La explotación infantil en estos campos agrícolas aceptada por las autoridades locales y federales, y los principales denunciantes de esto han sido reporteros gringos, quienes dan cuenta de los productos que se cultivan con el trabajo infantil en México, para las multinacionales de comida rápida. En  México la sociedad al conocer esta agresión que sufre nuestro pueblo y no responder en forma organizada, estamos siendo cómplices de la explotación del trabajo infantil, y la esclavitud de los jornaleros agrícolas.

La denuncia es correcta y nos debe permitir reflexionar sobre qué hacer, hasta aquí me parece útil y recomendable el documental. Sin embargo la lectura de un “poema” al final de este documental, rompe con la seriedad con la cual inicia. Por otro lado la explotación laboral no es diferente entre indígenas o cualquier otro trabajador, simplemente se comete el delito permanente y continuado, y si se clasifica en sectores sociales este problema no será posible hacerlo nuestro y luchar juntos contra el sistema de explotación. Por ello me parece un buen esfuerzo, pero termina con ideología cautiva y fanática, vale la pena verlo para opinar.

Mineral del Monte. Hidalgo., a 5 de abril de 2015.
Carmelo Santos López.
Núm. De Cuenta. 256778.

SI DECIDO QUEDARME de R.J. Cutler

SI DECIDO QUEDARME de R.J. Cutler
Película norte americana, basada en la novela homónima escrita por Gayle Forman y dirigida por R.J.Cutler.
Sinopsis
Una película de un amor para jóvenes adultos donde cada uno de los protagonistas (Mia), (Adam) cruzan sus vidas de una manera incierta pues sus gustos son completamente distintos pero los une  algo muy particular que siempre han tenido en sus vidas, la  música y esto los lleva a encontrarse en sí mismos de diversas formas y va llevándolos a  tomar decisiones importantes en sus vidas.

-                                       -  Análisis de la película, encuadres y movimientos de cámara.

La película se desarrolla, en los primeros minutos,  en tomas de medio plano para conocer a cada uno de los personajes.

En el clímax de la película, cuando se produce el accidente, se aprecia como la cámara hace el movimiento de travelling mostrando un primer plano de las llantas del auto, además del primer plano de la cara de la protagonista representando que algo va a suceder.
En muchas partes de la película después del accidente aparecen encuadres de medio plano con movimientos panorámicos alrededor de la protagonista representando el gran giro que da su vida.

La película cuenta sobre todo con encuadres de medios y primeros planos ya que es una película dramática en la que los sentimientos deben acercase al espectador.

En la parte final de la película apreciamos un travelling  donde aparece un encuadre de primer plano de sus pies caminando  hacia la luz donde (Mía) toma una decisión.

Es una película de género dramático que hace creer a los espectadores que será una película de amor con dramas de adolescentes y todo terminará bien, pero sorprenden los finales, los cuales no siempre son buenos para todos.


“A veces en la vida haces elecciones a veces ellas te hacen a ti”

QUIEREME SI TE ATREVES

 QUIÉREME SI TE ATREVES de Yann Samuell

El director contó para su historia con referencias de Trainspotting, El club de la lucha y Mary Poppins creando en cada secuencia un desafío, usando para ello todas las herramientas que tenía en su mano. Fue rodada en su mayoría entre Bruselas y Lieja dónde su director encontró los escenarios que buscaba. Los paisajes que acompañan a los protagonistas durante la película como claro reflejo de su vida, su niñez es mostrada a través de una ciudad llena brillos y colores contrastando con la descomunal ciudad grisácea de su madurez.
Sinopsis

El pequeño Julien recibe un regalo de su madre: una pequeña caja de hojalata a la que le tiene mucho aprecio.
A partir de ahí, entabla amistad con una compañera polaca de clase, llamada Sophie,  y deciden jugar a un curioso juego: capaz o incapaz. Quien tiene la caja le propone algo al otro y si acepta, tendrá como premio la caja. Es decir, proponer algo al otro. Pero, con el paso de los años Julien (Guillaume Canet) y Sophie (Marion Cotillard) pasan a otra fase del juego, una fase más peligrosa.
Lo que comenzó como un juego de niños de atrevidos retos, con el tiempo se convierte en un estilo de vida para Sophie y Julien. Llevan ese juego hasta el límite, burlándose de todo y de todos, hasta hacerse daño mutuamente, llegando a un punto casi enfermizo.

Escrito y dirigido por Yann Samuell, este filme está plagado de humanidad, humor mezclado con drama y, sobretodo, sinsentidos.

    - Análisis , movimientos de escena y encuadres.

La película cuenta con un movimiento continuo de cámara y de encuadres en las escenas, puesto que todo el tiempo la película nos muestra un paso del tiempo de la niñez , a la madurez , a la juventud de los protagonistas enamorados.... Que mediante estos viajes de cámara continuos , representa al espectador los grandes contrastes de vidas con el paso del tiempo.
En esta película muy parecida en muchos aspectos a la de Jean - Pierre Jeunet (Amelie) , utilizando efectos más surrealistas , como por ejemplo cuando el protagonista Julien aparece volando en una habitación sobre unas nubes de papel , con una cámara en movimiento panorámica .
Aparecen también planos generales grabados desde arriba en una toma aérea,  con movimientos de zoom , presentando al espectador así las escenas y el misticismo de las mismas.
Utiliza continuos movimientos de travelling pues la film es un constante paso del tiempo en el que se ven a los protagonistas corriendo de un lado a otro , en los que la cámara les va siguiendo como he dicho, en un encuadre generalmente de medio plano.


Alumnos____ATENCIÓN!!

Alumnos de 7º y 8º Semestres___ATENCIÓN!!!
Desde el lunes 11 y hasta el viernes 15 de mayo
El Festival FINI  estará en proceso
Con la finalidad de que asistan a los eventos y talleres.
El día de las entregas se recorre y la fecha final será 
Lunes 18 de mayo.
Compartan el Festival y abran bien los ojos


NOVIEMBRE de Achero Mañas

(La revolución está en la calle)
 NOVIEMBRE de Achero Mañas

Noviembre es una producción del 2003, dirigida por Achero Mañas. En primer lugar, decir que no está basada en hechos reales, la película tiene forma de documental, pero que eso no lleve a engaño.

Sinopsis

 Noviembre es también un film notable, trabajado, inspirado y original, que chocará sin duda a aquellos que esperen una reedición de aquella opera prima. Cuenta la historia de un grupo de teatro independiente y radical, formado por jóvenes actores que rechazan la formación en escuelas, el escenario tradicional y la remuneración por sus trabajos que consisten en montajes de provocación e improvisación interpretados a pie de calle.

                     -   Análisis; Identificación de las escenas donde y cuando

 La película habla de la autenticidad, de la sinceridad y, sobre todo, de la imposibilidad de la utopía y, a través de un arriesgado y, en el fondo, divertido juego estructural, atribuye el punto de vista a los propios protagonistas que cuentan sus recuerdos desde el futuro. La extraña aventura de estos cómicos callejeros, desarrollada en el último tramo de los años 90, adquiere tintes melancólicos y dramáticos por la desaparición de uno de sus integrantes, al que todos reconocen haber sido el motor del grupo, como atestiguarán las imágenes de aquellos hechos lejanos, que modifican subjetivamente en sus testimonios esos compañeros con los que compartió intereses, ilusiones, amores o rencillas. Ese es el personaje interpretado por Óscar Jaenada con tanto entusiasmo como versatilidad: es el alma del grupo y también el alma de la película. El resto de los personajes no componen un coro desdibujado, sino que están tratados con el mismo amor que el protagonista, a pesar de la dificultad de su desarrollo por el extenso arco temporal elegido para la narración. Entre ellos destacan los interpretados por Ingrid Rubio y Javier Ríos y muy especialmente el de Juan Díaz. Los compañeros viejecitos seducen al espectador desde sus difíciles bustos parlantes. Y el gran Héctor Alterio se adueña de la película en un par de secuencias magistrales. Para aquellos que se planteen que la utopía es posible.
Se sitúa en la españa de los 90 en concreto en la capital de Madrid, donde cada vez más se puede apreciar una sociedad elevadamente capitalista, donde todo absolutamente todo lo mueve el dinero, de ahí que este grupo de artistas intenten acercar al mundo y crear conciencia de que para muchos el dinero no lo es todo, viviendo de un modo alternativo a la realidad de la mayor parte de la sociedad , sin materializar sus vidas llevadas a un estilo pobre pero creativo.
 A pesar de todo y de esta lucha porque crear este grupo individualista y alejado del capitalismo mediante actuaciones callejeras; Performance, happenings...etc el grupo no consigue salir adelante ya que tanto poderes superiores , políticos y económicos consiguen una vez más derrotar a ese anticapitalismo, y la esperanza de un lugar sin el... Un deseo de cambio, renovación y revolución, hacer algo alternativo relacionado con el teatro, como él lo define: "arte más libre, hecho con el corazón, capaz de hacer que la gente viva con ellos el espectáculo"


Dos opiniones opuestas :

“POR AMOR AL ARTE”

Vivimos alienados por muchas cosas pero el trabajo representa, probablemente, el elemento alienante más implacable y humillante de nuestra triste existencia. Y aunque sé perfectamente que –por cuestiones de mera supervivencia- resulta mucho peor estar en el puto paro que ir a currar cada día, el trabajo es –en pocas palabras- una especie de castigo bíblico que consiste en dejarse dar por culo (en sentido figurado, of course) a cambio de un plato de lentejas.

Quizás por eso me sorprende y me satisface al mismo tiempo constatar –aunque sea a través de la ficción cinematográfica- que gente como Alfredo y su grupo de teatro puedan plantearse en estos tiempos que corren, trabajar por amor al arte. Renunciando a cobrar ni un puto duro a cambio de trabajar en la más absoluta libertad. Sin rendirle cuentas a nada ni a nadie. Y digo trabajar porque –que nadie se equivoque- Alfredo y su peña no están practicando ningún hobby. Están ofreciendo un espectáculo repletito de arte, compromiso y denuncia social destinado a un público (el de la calle) de la forma más digna y profesional posible.

¿Qué son provocativos y transgresores? Pues claro ¿Qué se pasan las leyes por el forro? Pues claro ¿Qué su ideario es ingenuo y utópico? Pues claro. Pero que nadie diga que no sería maravilloso poder dedicarse a lo que a uno le apetezca, con toda la pasión y el entusiasmo del mundo, sin verse presionado o supeditado a las férreas directrices de jefes o clientes. Como Alfredo y “Noviembre”.

Mi más sincera enhorabuena, pues, al Sr. Mañas. Un tipo que ha tenido el valor de saltar a la palestra para demostrar que no todos los okupas son una pandilla de niños de papá, fumetas, borrachos y vaguetes y que, tras esos grupos antisistema, también hay gente con ideales, talento y conciencia social.

Y poco más. Tan sólo añadir que, más que ‘grandilocuente y pedante’, a mi ese final me parece ÉPICO.

“EL ARTE A MUERTO”

Una película que trata el tema del teatro callejero desde un punto superfluo e idealista. Identifica a los artistas que viven del propio arte como ladrones y "vendidos", mientras que lo auténtico es hacer teatro improvisado en la calle (a veces incluso con consecuencias peligrosas para el público que no ha elegido serlo).
Pretende ser moralista y hacerte reflexionar acerca del mundo del arte con una pedantería extrema y con unos personajes muy poco creíbles. Además, tiene algunos errores de cohesión porque las obras que realizan son más elaboradas (a nivel de material, vestuario, maquillaje) de lo que su presupuesto '0' les debería permitir.
Todo eso sumado a un constante insulto hacia las artes tradicionales hacen que esta película cause cierta repulsión. Es excesivamente pretenciosa.

Sin embargo, si te gusta el tema y quieres una visión que coloque a los artistas de calle por encima de cualquier otro tipo de persona, encontrarás una película ideal, pues a nivel técnico no falla.

Eso sí, si tienes un conocimiento más amplio del arte, esta película te resultará un insulto y una falta de respeto y tras verla lo más probable es que, como yo, pienses por unos momentos: "El arte ha muerto".

Desde  mi punto de vista, la película noviembre puede ser vista y analizada de manera muy diferente. Objetivamente podemos todos analizarla y hablar de la película de manera muy similar, por su contenido técnico, pero subjetivamente dependiendo de los ideales de cada uno la película puede tener criticas muy diferentes como las que observamos anteriormente.