LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS

MOVIMIENTOS DE CAMARA

Esta película genera muchas expectativas antes de vela, ya que el principio esperas como una diversidad de dirección y de visiones para cada historia cuando en realidad no es así, hablar del movimiento de la cámara en esta película es algo mucho mas sencillo de explicar pero a la vez largo de pensar, si bien te percatas de esto mucho después ya que realmente te atrapan las historias, el movimiento de cámaras prácticamente es nulo, es evidente que la mayoría de las tomas son con cámara en mano, pero aun así el camarógrafo busca no generar movimiento alguno, solamente podemos encontrar los ZOOM IN y ZOOM OUT en las escenas del libro y cambios de hoja, así como en algunas pocas del mismo tipo encontradas en cada parte de la historia, aun así creo que aunque haya seguimientos de TRAVELING en las secuencias, los encuadres no cambian y también se pudiera decir que los PANEOS en toda la película son tan escasos que pudieran contarse apenas con los dedos de las manos.

·         TITULO: THE BALLAD OF BUSTER SCRUGGS

·         DIRECCIÓN: JOEL COEN, ETHAN COEN

·         AÑO: 2018

·         DURACIÓN: 133 MINUTOS

·         PAIS: ESTADOS UNIDOS

EL HOMBRE QUE NUNCA ESTUVO ALLÍ

DESCRIPCCIÓN DE LOS PERSONAJES

·         Ed Crane: De aproximadamente 40 años, barbero de la Barberia de su cuñado, solo está ahí por cumplir con el salario, no muy alto y fumador, callado y sombrío.

·         Doris Crane: La esposa de Ed, contadora, indiferente frente a su marido, busca la aceptación de su jefe.

·         Frank Raffo: Cuñado de Ed, hermano de Doris, chaparro, algo se sobre peso y demasiado hablador (desde el punto de vista de Ed)

·         Big Dave Brewster: Hombre visionario, egocéntrico y con buena autoestima, alto y con algo de sobre peso.

·         Ann Nirdlinger Brewster: esposa de Big Dave, buena presencia, autónoma y con carácter empresarial.

·         Creighton Tolliver: Un aparente emprendedor, que ha viajado con una idea que generaría buen recurso, extrovertido, de baja estatura y gordinflón, con actitud ciertamente nerviosa y con una forma de hablar como la de un buen vendedor.

·         Rachel «Birdy» Abundas: Joven adolescente, con talento para el piano, introvertida y tímida, delgada y cabello corto, realmente bella.

·         Freddy Riedenschneider: Abogado reconocido, tomado en cuenta como el mejor de todos, profesional, ocupado y convencido de su postura, pensante y con autoridad, convincente, hombre alto y fornido siempre viste decentemente.

·         TITULO: THE MAN WHO WASN'T THERE

·         DIRECCIÓN: JOEL COEN, ETHAN COEN

·         AÑO: 2001

·         DURACIÓN: 116 MINUTOS

·         PAIS: ESTADOS UNIDOS, REINO UNIDO

PASOLINI Y EL REMA

Pier Paolo Pasolini hace una reflexión del cine como una herramienta de expresión, "el cine-lengua" dice que el cine es un lenguaje pero al mismo tiempo no lo es pues no pertenece a ninguna sociedad, los objetos del mundo ya son significantes y tampoco posee una gramática. Para él cine es la expresión de la realidad por la realidad, es una lengua escrita y cuestiona el funcionamiento de el plano secuencia pues al filmar sin cortes se aproxima a la realidad que todos percibimos y le niega el papel de lengua escrita.

ROMPIENDO LAS OLAS

ROMPIENDO LAS OLAS
LARS VON TRIER
DINAMARCA 1996

159 MINUTOS

Esta película, al igual que otras de Von Trier esta dividida en capítulos y nos muestra la desgarradora historia de amor de Bess quien termina siendo destruida por el amor que le tiene a Jan su esposo, nos muestra una parte de la religion y un tema que tambien es del interes del director las enfermedades mentales, el nudo de la historia se desarrolla cuando Jan sufre un accidente que lo lleva al borde de la muerte y siente que ya no puede satisfacer a Bess por lo que le pide que vaya y tenga relaciones con hombres para que el pueda sentirse vivo. Jan muere a causa de uno de estos actos.

PASOLINI Y EL "REMA"

LAS TEORÍAS DE LOS CINEASTAS

Pasolini y el "rema"

Para Pasolini el rema es el plano que se observa en la realidad. Pues estos planos tiene características que ayudaran a la mejor comprensión con lo que quiere decirnos el director.

Concuerdo con la idea principal que mención el autor el "cine no es una película: una teoría del cine..." (Aumont, 2004, p.34)  porque va más allá de solo observar, es comprender cada cuadro, secuencia e historia que hay detrás de esta y haciendo una comparativa con la manera en la que se nos presenta la realidad, un ejemplo de ello es un comentario que surgió en el aula de clases, donde se analizaba Rabbits (2002) de David Lynch en ella podríamos pensar que fue muy descabellado y perturbadora la cinta por los diálogos, las escenas y el ambiente que se nos presentan en la cinta pero si extraemos a esta realidad la cinta estaría mostrando a una familia que vive dentro del capitalismo, mostrando su vida como si fuera un reality show.

Rabbits/David Lynch/2002/Estados Unidos/minutos

The Million Dollar Hotel, Wim Wenders

Comenzamos la trama con la carrera de un muchacho hacia el vacío. Una taza rompiéndose en el piso y los pies descalzos de una mujer. Él la veía pero ella parecía ida, moviéndose sin voluntad propia.
Ya dentro del hotel conocemos al agente encargado de investigar la realidad de la muerte de un inquilino del hotel ¿Por qué tanta importancia con su muerte, si el también es un vagabundo como los demás?, ¿cierto?
La investigación sigue pero nada pareciera ser resuelto, ¿por qué todos buscan solucionarlo pero nadie quiere hacerse responsable? Él la quiere cuidar, ella no quiere que él sea el conejillo de indias de los demás. Las cosas que hacemos por amor.
-Me folle a la nada- fueron las palabras suficientes para soltarlo y dejarlo caer. Ahora él es el que experimentara la caída de su mejor amigo. Ahora ella se quedara en su cuarto recordándolo.

The million dollar hotel, Wim Wenders, Suiza, 2000, 132 minutos.

Pasolini y el rema

¿Se puede entender la realidad con ayuda del cine?

El cine tiene su propio lenguaje y es el medio que lo representa mejor ya que la representa como mejor le agrade al director. Aun cuando no lo hemos vivido todo podemos comprender lo que sucede dento de la trama de la película pero para ello se utilizan los cortes como el paso del tiempo, pero ¿qué sucede cuando no existen estos cortes? El plano secuencial provoca que la experiencia pueda sentirse falsa después de no mostrar aquellos errores tan comunes que en la vida se nos presenta. La realidad no sucede en un solo instante, cuesta el tiempo que sea necesario.

Eisenstein y el montaje intelectual

Cuando estamos viendo una película debemos estar atentos a varios elementos e esta. Hoy en día esas partes terminan siendo demasiadas pero en aquella época Eisenstein comenzó la valoración de la música como herramienta para vincular la parte emocional.

Lo que vamos viendo en la película es la representación de la realidad que el director deseo mostrarnos. Al momento de agregarle el elemento sonoro conjuntar emociones que pueden evocar recuerdos y hacer de la experiencia aun mejor.

El Sabor de las Cerezas (1997), Irán

El Sabor de las Cerezas (1997) Abbas Kiarostami, Irán

Un hombre maneja una camioneta buscando a alguien que lo ayude con un trabajo. El hombre asegura que será un trabajo bien pagado y rápido, relativamente "sencillo", pero no revela exactamente de qué se trata. 

La película es una reflexión sobre la vida y la muerte, entre distintas perspectivas enriquecidas por cada candidato al trabajo, nos habla sobre la soledad, la moral y da lugar a eventos fortuitos que pueden regresarnos el amor a la vida, cuando nuestras intenciones son otras. 

La cámara es estática en la mayoría de la película, contemplativa, se toma su tiempo. Vemos el perfil del hombre desde el lado izquierdo mientras conduce con la ciudad en su ventana, hablando sobre el trabajo, considerando que podría estar pidiéndonos a nosotros, los espectadores hacer el trabajo. La mayoría del tiempo tenemos colores cálidos y cierta lejanía, misma que es alimentada por el protagonista y su personalidad distante, misteriosa e introvertida, y por los diálogos off screen. 
Aún así, la película es íntima, grandiosa, sin caer en lo patético. 
El final es abierto y muy bien construido, podríamos decir que la interacción racional / reflexiva del espectador es la pieza final que deja en segundo plano la historia principal para convertirse en algo que obra en nosotros. 

Final Cut Ladies And Gentlemen (2012) György Pálfi , Hungría. 

Esta película es un homenaje a la historia del cine. Es una historia contada con fragmentos de las películas más icónicas del cine, pasando por distintos años y lugares.

La historia narra una historia de amor, iniciando con un hombre que repentinamente se encuentra con una mujer y decide buscarla. 

Lo interesante de esta película es que nos muestra cómo las imágenes y sus secuencias son significadas por el espectador, mismo que les dota el sentido narrativo. En realidad lo único que nosotros vemos son manchas de luz en un proyector, recortes de personas, como un collage. 

La significación y la narrativa son tan falsas como las imágenes, pero capaces de conducirnos por una historia que nos emociona y nos identifica. Los personajes aquí son cambiantes, existen muy pocos(y a la vez muchísimos), los principales son dos, hombre y mujer. El hombre ha sido casi todos los hombres del cine que han despertado, se han lavado la cara, han tomado una caminata, un cruce con una persona, que se enamora, que decide conocer a una mujer, que tiene sexo, que lucha con otro hombre y está enamorado. Así mismo la mujer es la mujer que en el cine ha despertado, bailado, comido, caminado, cantado, reído, tiene sexo y está enamorada. 

Todo a través de pequeños fragmentos construye la idea de un personaje e incluso define su personalidad, pero a la vez el recorte es tan específico que el espectador puede seguir el hilo narrativo con el fragmento adecuado, incluso puede pensar hacerse una idea sobre los pensamientos e intenciones de los personajes. 

Esta película me hace reflexionar sobre el cine y su significación por parte del espectador, por su cualidad narrativa de "imágenes en movimiento" y de un gran trabajo de edición. 

EL GRAN SALTO

ENCUADRES

Esta película tiene una composición muy marcada desde el inicio hasta el final, busca una seña característica que hiciera énfasis en buscar ver más allá de lo que hay frente. Las composiciones pueden verse simples a la vista, pero sin duda alguna lo que siempre se busca es centrar la imagen para que nuestra mirada lea del centro hacia afuera, la gran mayoría de las veces el punto de interés se direccionaba al centro, tanto en planos generales como en planos medios y primeros, los paneos en gran mayoría de las veces eran verticales y estos mantenían su composición centrada. Cabe destacar que los puntos de fuga eran evidentes, tanto en el centro como ligeramente recargados hacia la derecha o izquierda pero siempre en un margen como si hubiese un circulo dentro del encuadre el cual se tenia que respetar para componer los planos y los fondos, porque siempre se tenia que buscar una mirada hacia el centro.

·         TITULO: EL GRAN SALTO (THE HUDSUCKER)

·         DIRECCIÓN: JOEL COEN, ETHAN COEN

·         AÑO: 1994

·         DURACIÓN: 111 MINUTOS

·         PAÍS: ESTADOS UNIDOS.

MELANCOLIA

MELANCOLIA
LARS VON TRIER
DINAMARCA 2011

135 MINUTOS

Lars Von Trier hace una reflexión hacia las enfermedades mentales, una muy común pero que le restamos importancia, la depresión a través de la historia de dos hermanas mostrando dos partes de la depresión Justine quien la padece y Claire quien trata de sacarla de este estado poniendo en juego su propia estabilidad.

MANDERLAY

MANDERLAY
LARS VON TRIER
DINAMARCA 2005

139 MINUTOS

Manderlay es la continuación

de Dogville y contiene los mismos elementos, un narrador, pocos elementos en la escenografía, pero en esta se hace una fuerte critica no solo a la sociedad estado unidense sino al lado racista de esta, Grace el personaje principal se encuentra con este grupo de personas sumidas en la esclavitud, y trata con todo su ahínco de sacarlos de este estado, pero al final se da cuenta de que ellos mismos se han sumido en la esclavitud y que les gusta vivir así lo que la hace huir decepcionada al igual que en Dogville. 

EISENSTEIN Y EL MONTAJE INTELECTUAL

Bresson y Vertov nos han hablado del rodaje y sus estudios se centran en este mientras que Eisenstein reflexiona sobre el montaje, es decir en el proceso utilizado para organizar los planos y secuencias de una película, dice que esta es una actividad de orden temporal que tiene lugar en la cuarta dimensión, la del tiempo y distingue cinco clases de montaje, métrico, rítmico, tonal, armónico, e intelectual. Para él, el montaje un segmento de película equivale a un elevado numero de datos sensoriales y conceptuales así como es para el un recurso la metáfora musical para racionalizar la parte emocional de la película.

Nightwatching

Nightwatching

Peter Greenaway/2007/Reino Unido/134 minutos

La cinta se centra en Holanda al rededor del siglo XVII, mostrando una época difícil de la vida de Rembrant; este es protagonizado por un hombre de mediana estatura, cabello castaño y chino, con bigote y barba, de tez clara, su vestimentas es pantalón y camisa holgada, el personaje muestra ser un hombre creativo, pensativo, que le gusta conversar, claro que no fue fácil ser así ya que la muerte de su esposa e hijos lo dejo con un poco de depresión.

Los planos que más se observan son los generales quizá esto sea porque al estar ligada esta cinta con un cuadro famoso de Rembrant deben seguir ciertas pautas por la posición horizontal de dicha pieza, ademas de que es muy importante el fondo porque nos narra aun más lo que involucro todo el cuadro "La Ronda de noche".

FRANTZ

FRANTZ

Francois Ozon/2016/Francia y Alemania/113 minutos

La película esta ambientada en el año 1918, narrando la historia de la familia de Frantz; Frantz era un soldado de la Primera Guerra Mundial, quien es asesinado en el campo de batalla por un francés, este al sentirse culpable por haberlo asesinado va hasta Alemania para llevarle flores a su tumba, sin saber que se vería involucrado con la familia de Frantz.

La mayoría de los encuadres que utiliza es el plano medio pues se centran en los gestos de los actores, ademas de que existe cierta tensión por el secreto que se revela a la mitad de la cinta.

Eisenstein y el montaje intelectual

LAS TEORÍAS DE LOS CINEASTAS

Eisenstein y el montaje intelectual

Para Eisenstein, Bresson y Vertov la puesta en escena no tiene validez alguna, ya que para elaborar una cinta cinematográfica todo el rodaje debe ser a elaborado por el autor.

Eisenstein menciona 5 clases de montaje, que, a mi parecer se van conjuntando para realizar un buen montaje. Cada montaje debe obedecer a lo que el autor quiera; ejemplo, si el autor quiere una duración experimentada este se guiara por el montaje rítmico porque este se enfoca más en la experiencia vivida por el personaje que el tiempo tan estricto del cronometro. La mezcla de todos estos montajes es el intelectual donde tiene presente cada plano, duración, detalles, tiene que pensar y analizar bien que es lo que quiere mostrarle al espectador y mediante "que" o "como" lo hará sentir las emociones que el autor tiene planeado.

"Eisenstein concibe la emoción... como la base del pensamiento y lo pensable" (Aumont, 2004, p.30)

Pienso que analizando las emociones del publico se generara un buen filme a su manera del autor.

DOGVILLE LARS VON TRIER

DOGVILLE
LARS VON TRIER
DINAMARCA 2003

177 MINUTOS 

Dogville se desarrolla en un escenario minimalista mas característico de teatro, también tiene un elemento muy parecido a un cuento pues la voz de un narrador es una constante en la película. La historia consta de nueve capítulos y un prologo los cuales no esconden nada, describen justo lo que pasa pero sin hacer que el espectador pierda el interés. 

Una joven que huye, busca refugio en Dogville donde le es permitido permanecer a cambio de trabajar con cada habitante de la población, quienes al principio parecen no necesitarla pero al pasar el tiempo no solo quieren que haga cosas por ellos sino que abusan incluso sexualmente de la joven mujer, la historia tiene un dramático final en que la protagonista termina con todas la personas que le hicieron daño de una forma muy cruel. 

Eraserhead - David Lynch

Comenzamos con la presentación del personaje principal y su llegada a donde vive, con una pequeña conversación con su vecina. Una chica lo habia llamado buscándolo para invitarlo a cenar junto con sus padres. Accediendo se entera de que estaba embarazada y el bebe era prematuro. Con sus problemas maritales generados por el desgaste gracias al bebe termina teniendo pesadillas sobre la fertilidad y lo que ser padre conlleva. Sin poder superarlo termina abriendo al bebe para librarse de la peor manera.

Eraderhead, David Lynch, EUA, 1977, 89 minutos.

Vertov y el intervalo

Cuando se habla de la verdad e el cine ¿se trata de la verdad del mundo? o ¿la verdad que el director decidira ponernos a nosotros? Ya sea una herramienta o una forma para mostrar el mundo, no podemos darle la completa razón sin primero conocer todo los puntos de vista. Tal vez pueda servir como un instrumento de comprensión pero debemos ser consientes como utilizarla, ¿se buscaría un bien o un mal?
El intervalo terminaria siendo, en la vida real, el espacio que existe entre recuerdo y recuerdo. No lo podemos recordar todo (y en una pelicula mostar cada segundo) solo veremos lo que mas nos importa de ella.

Bresson y el encuentro

La idea del creador al moldear la realidad en la obra cinematográfica es interesante pero al momento de incluir las ideas de la verdad o la realidad crea una confusión. Dentro de este ámbito sabemos que es el director quien decide que mostrar al publico pero todo termina convirtiéndose en ficción al no ser algo que realmente pudo suceder en la realidad.
En el cine existe una forma perfecta de hacer las cosas y más cuando se muestra al espectador el resultado final (la película). Puede que el guión se base en la vida real pero, ¿termina siendo todo una mentira?

Rabbit - David Lynch

Personajes:
Conejo hombre - Utiliza traje negro con corbata. Su desplazamiento va de la puerta hacia el sillón. Se escuchan aplausos a cada entrada. Tiene diálogos con los otros personajes pero sin sentido. Tiene un monologo.
Conejo mujer (sillón) - Usa vestido y siempre esta sentada en el sillón del lado de la lampara. El único desplazamiento es cuando tiene su monologo y es de la puerta hacia el sillón.
Conejo mujer - Utiliza una bata como vestimenta. Realiza varias actividades como: planchar, desplazarse hacia el sillón, sale de la escena por atras, llevar linternas y tiene conversaciones sin sentido con los otros personajes.

Rabbits, David Lynch, EUA, 2002, 50 minutos

VERTOV Y EL INTERVALO

Para Vertov al igual que Bresson el cine debe hacer ver lo real, él va en contra del cine de ficción diciendo que el espectador sólo ve un mundo irreal, por lo que usa el término kinoglaz, una mirada diferente del cine al "improvisto" caracterizado por la espontaneidad, ausencia de decorados, de actores profesionales, maquillaje y efectos especiales. La práctica propuesta se aleja del simple cine relegado como subproducto de un arte burgués.

BRESSON Y EL ENCUENTRO

Robert Bresson hace uso del termino encuentro refiriéndose a esos pequeños momentos de la verdad en lo real en el cine. Dice que al filmar hay algo que encontrar que no proviene de ningún personaje, un guion, o un escritor sino de esta misma realidad, en estos encuentros hay realidad a un nivel mas profundo y la tarea del cineasta es mostrar al espectador dichos encuentros.

VERTOV Y EL ENCUENTRO

Las teorías de los cineastas

Vertov y el encuentro

Para Vertov era importante unir la visión del cinematógrafo con la lente de la cámara para crear una capacidad superior.

Vertov utilizaría el termino kinoglaz para unificar al cine mostrando la realidad de este mundo, capturando las imágenes en total improvisación, con esto me lleva a pensar que lo idóneo es capturar las personas con total naturalidad sin forzar a mostrar una faceta artificial.

Viene a mi mente un fotógrafo que retrata a las personas de una manera poco usual y espontanea cuando caminan por las calles que es Bruce Gilden, este puede ser un ejemplo de lo quizá buscaba Vertov.

Bruce Gilden. USA. New York City. 1986.

BRESSON Y EL ENCUENTRO

Las teorías de los cineastas

Bresson y el encuentro

El cinematógrafo busca dar a conocer la realidad tal cual es, sin recurrir necesariamente al montaje, el cinematógrafo debe crear con su cámara el escenario adecuado para contar la realidad que este escribió anteriormente y así generar en el espectador una conexión con la cinta. 

No tiene que recurrir a profesionales para que representen a sus personajes, si no que puedan utilizar su improvisación natural, quizá pueda servir de ejemplo al actor Heath Andrew con el papel del jocker (no estoy diciendo que la cinta donde aparece este personaje quede como ejemplo, solo hago referencia a el personaje que este interpreta) donde utilizo su improvisación para algunas escenas y lo hizo natural que hasta el día de hoy es recordado por su trabajo.

Un modelo de personajes

Las maletas de Tulse Luper: La historia de Moab / Peter Greenawey / 2003 / Reino Unido / 127 minutos

En los primeros minutos de la historia toma como contexto a un vecindario de los veinte aproximadamente, donde niños juegan a la guerra y se aprecia al par encuadres de campos de batalla de la primera Guerra Mundial.

El personaje principal que es Luper va creciendo y a su paso el contexto va siendo diferente llegando al desierto de Moab, donde se vera involucrado como prisionero con una familia religiosa por suponer que ira a robar Uranio de ese lugar.

Como ya lo dije antes las guerras y encarcelamientos son el principal foco de este episodio, al igual que conocer el contenido de cada una de las 92 maletas de Luper con ayuda de los "historiadores".

La Imagen y Lo Visible

El Tema de "La imagen y lo visible" en el libro "Las teorías de los cineastas" de Jacques Aumont, habla sobre la relación que tienen las imágenes cinematográficas para entenderse en sí mismas, con una conexión a la concepción dominante para mantenerse fiel, como un espejo.
Menciona que por más fuerte que sea la impresión en el cine, lo único que hacemos es someternos a un "flujo perceptivo" de manchas de luz que salen de un proyector.

Estas menciones son un inicio para entender que el cine no sucede nunca en la pantalla, sino en la consciencia del receptor, a través de una mentira evidente que decide creer y vivir porque sabe que puede crear una experiencia, a través de la contemplación y reflexión de ello, todo gracias al principio de verosimilitud que se crea en la relación de la imagen y nuestra realidad inmediata con manchas de luz en un proyector, en el cual la narrativa es construida, el contenido descifrado y la forma contemplada por nuestra consciencia.

Melancholia (2011) Lars von Trier

Melancholia (2011)
Lars von Trier

Es una película estrenada en el 2011 dirigida, escrita y producida por Lars Von Trier que nos muestra las distintas formas de enfrentar el fin del mundo, al ser conscientes de él.

Analizando la fotografía nos encontramos con muchos elementos interesantes que logran crear un aura de tensión y dramatismo. El principal elemento de ellos es la cámara en mano. La cámara se mantiene con un encuadre fijo pero nunca se mantiene completamente quieta, Lars von Trier se vale de zoom in, zoom out para crear un dinamismo natural que se acopla con el drama y tensión de las actuaciones. Estos zooms enfatizan la tensión de la situación y la relación de los personajes con la historia. La cámara fija siempre mantiene un dinamismo, con paneos mínimos que casi instantáneamente son cortados por otra secuencia; creando en el espectador una frágil y falsa estabilidad que fácilmente puede romperse con cualquier Cut to A (como sucede en varias escenas), pues cualquier momento en la historia queda vulnerable a cambios abruptos.
Así mismo, Lars también utiliza distancia con los personajes y la cámara en los momentos íntimos, para hacernos sentir algo de culpa por mirar, nos muestra ajenos a la situación, pero con tanto realismo y naturalidad que al encontrarnos con retrasos en una boda nos sentimos apenados.

Los planos detalle de los rostros de los personajes y las voces Off screen nos muestran actuaciones que gradualmente se intensifican, acompañadas del sonido directo que en su mayoría consta de silencios para crear una atmósfera escandalosa de suspenso.

La desesperación en esta película se da por la in-acción y la sobre acción de los personajes. ¿Qué hacer cuando de un momento a otro el mundo terminará?. ¿Deprimirse y no poder ni disfrutar la comida, negar la certeza de nuestra muerte, o tratar de correr a algún lugar seguro, queriendo escapar del fatalismo, confiar en algo y depositar en eso toda nuestra esperanza, para que cuando esto falle la muerte llegue por nuestras manos?. Podemos subir a una pequeña loma, crear una cueva y aguantar.

Construir algo y esperar la muerte es lo mejor que podemos hacer.