Sobre la responsabilidad del artista

Stalker

Director: Andrei Tarkovsky

Año: 1979

Duración: 161 minutos

El cine es una segunda realidad, a la par de la literatura que puede originar historias y mundos de la nada. Con la diferencia de que el cine deja menos espacio a la subjetividad pues establece imágenes ya visualizadas por alguien más, con características de los personajes ya establecidas. Por ese lado, yo pienso, la literatura deja más libertad a la imaginación y a la interpretación personal. Mientras el cine origina experiencias más vívidas, inmediatas. 

La cultura de masas “con ese efecto suyo especialmente adormecedor e irresistible” (Tarkovsky, 2002: 207) crea sujetos de mal gusto que demandan productos de mal gusto. Es la explicación de Tarkovsky de por qué hay tanta producción de malas películas Me recuerda al texto La violencia de mundo de Jean Baudrillard en el que explica que hay grupos de personas que están en el poder, que establecen los gustos y lo que el común de las personas debe consumir, éstas lo aceptan sin saber que es impuesto para después demandarlo ellos mismos.

Podemos ver como sucede en la televisión con programas como Laura, Sabadazo, La Rosa de Guadalupe, etc. Algunos nos hemos preguntado cómo diablos pueden existir estos programas, pero si volteamos a un lado vemos a personas que les gustan estos programas y los tienen como su máximo entretenimiento. Es en realidad un tema muy complejo.

Lo más positivo que me deja esta lectura son las ideas que Tarkovsky tiene acerca de la libertad y de la espiritualidad. Da su punto de vista de lo que para él es un artista consciente de su labor, de su papel en el mundo y no sólo de sí mismo. De esto tenía ya algunas ideas y nociones previas, nunca me lo había explicado con palabras pero al hacer mi obra lo planteaba inconscientemente.

Éste libro a la par que habla del cine habla de la vida, quizás por eso me resulte tan valioso al verme reflejada en sus páginas. Sin duda Tarkovsky hizo con este libro lo que explica al principio del capítulo que pasa con la literatura, que a través las palabras el escritor penetra en el lector y este ultimo hace suyo ese escrito desde su subjetividad.

Por último y para resumir este capítulo: la responsabilidad del artista es ser fiel y honesto consigo mismo.

Sobre la relación entre el artista y el público

Película El sacrificio. Equipo esperando clima nublado.

Director: Andrei Tarkovsky

Año: 1986

Duración: 145 minutos

El cine desde el principio, en la planeación, está sujeto a factores económicos. No es una ramificación del arte como las otras. La producción de una película es tan larga y requiere de tantas personas que es difícil hablar de una gran producción que tenga nulo presupuesto.

Como ya se había comentado en capítulos anteriores, no todo el cine es arte y el espectador indirectamente influye a que no lo sea. No en base a sus opiniones y que él diga si es arte o no, sino que algunos cineastas al pensar en su público, buscan solamente agradarle a una mayoría con la idea de que venda. El espectador con sus gustos y demandas da la pauta para que se produzcan en masa una clase de películas que de antemano los cineastas saben que funcionarán. Con este juicio no se hace algo de calidad sino algo comercial con poco contenido.

La producción del cine, y del arte en general, conllevan una responsabilidad para con el público. Este es un punto que personalmente me he planteado porque yo considero que al hacer arte si se debe pensar en los espectadores. Pensar en que los hace similares. Dice Tarkovsky que el artista no debe preocuparse por ser comprensible pero yo opino que si debe tener en cuenta quien es el público, qué lo rodea, quién verá lo que hace. Más adelante dice que “sólo se llega a un dialogo verdadera entre el artista y su público cuando las dos partes se mueven al mismo nivel de comprensión” (2002: 200) .

Me parecen ridículos los argumentos de algunos artistas que dicen “no me importa lo que piense el espectador o si entiende lo que hago”. Entonces ¿qué caso tiene hacerlo? Si se hace para un mismo será mejor no sacarlo nunca a la luz o dejar los planteamientos que nos hagamos en idea, para que sólo sean para nosotros. 

Las teorías de los cineastas

Entre visión y visión: Brakhage

Una fotografía sin el relieve de las cosas, es lo que seria el cine si no se doblega ante la realidad, pues una imagen es el patrimonio tanto del arte como del artista. El cine es un ojo, pero tiene relación también con el ojo interior (visión). Tal como lo propone Stanley Brakhage sobre la visión interior; para él una utopía es una visión pura, una visión liberada del lenguaje. Una visión libre de prejuicios, algo como cuando nacemos. No sabemos nada sobre el mundo. 

El cine no ha podido desprenderse  de la concepción que se tenia de la visión exterior ya desde las imágenes en Occidente.

-Para que la imagen sea transformada en el tiempo debe contener una idea. 

-Para llegar a una visión interior primero se necesita una ascesis de la visión exterior.

"...es verlo siempre todo por primera vez, como un permanente nacimiento. Solo entonces la película sera una verdadera visión poética."

Las teorías de los cineastas

Entre naturaleza y absoluto: Tarkovski

El detesto de Tarkovski hacia el montaje analítico, propuesto por Eisenstein, lo llevó a buscar una dimensión natural en sus imágenes. Esto en el ámbito de la puesta en escena, es decir, que en la película nada es mas importante que el mensaje que se quiere transmitir.

Lo que importa es que se creé una experiencia a partir de la primera impresión.

La imagen artística (cinematográfica) nace del querer y no querer; pues será una imagen justa cuando ajuste la naturaleza de lo que muestra. Esto es a lo que Tarkovski llamó "naturalismo"; la existencia de la naturaleza en el cine. Y entre mayor existencia, mayor su nobleza.

Cada obra de arte debe crear leyes que correspondan a a la forma, inclusive realizar su procedimientos correspondientes, y todo esto para llegar a conocer la relación que se tiene con la realidad.

Toda imagen, debe tener una unificación entre idea y forma, pues sin alguno de estos esa unidad se rompería y sería una imagen sin contenido.

La teta y la luna

La teta y la luna

Director: Bigas Luna

Año: 1994

Duración: 90 minutos

En la película, gran parte de las escenas se desarrollan con cámaras fijas en escenarios interiores y exteriores. También las hay dentro de un auto o de una motocicleta, filmando su movimiento como si fuera la visión del vehículo (aunque quizás nada tenga que ver con la cámara subjetiva).

Hay panorámicas que recorren de un punto a otro para dar una visión amplia, como cuando se forma la torre de humanos y la cámara va de la base a la punta.

También hay unos zoom que empiezan siendo cámaras panorámicas y después se cierra la toma para encuadrar al sujeto.

Los travellings siguen vehículos y movimientos de los personajes que no son tan prolongados.

En cuanto a los encuadres, al inicio y al final de la película hay un par de planos generales y de vista aérea de la multitud, a la vez moviéndose como una cámara panorámica. También hay planos generales y grandes planos generales de los caminos y los paisajes del mar mediterráneo. Planos medios y americanos de los personajes. Primeros planos de rostros y senos. Detalles de algunos pezones y de niños mamando.

Le scaphandre et le papillon

Le scaphandre et le papillon

Director: Julian Schnabel

Año: 2007

Duración: 112 minutos

Gran parte del inicio y casi la mitad de la película se desarrolla en cámara subjetiva porque es la visión del sujeto y su voz interna a las que se les da prioridad en la historia. Pareciera que con la misma visión del sujeto se desarrollan algunas cámaras panorámicas, que al igual que la subjetiva, aparecen desenfocadas en casi todo el cuadro, enfocando sólo el centro de la toma.

Hay travellings cortos del movimiento de sujetos, sillas de ruedas y de los autos.

También hubo una secuencia de escenas con movimientos de cámara inestables que me resultaron algo molestos. Por ejemplo unas panorámicas (donde además la cámara se movía porque iba sobre un vehículo), primero se tomaba el cielo y enmarcaban el encuadre las copas de los árboles, después la cámara giraba rápidamente hacia la izquierda y tomaba al sujeto conduciendo, después iba al frente del auto o volvía a la toma del cielo.

En los encuadres hay muchos planos medios y primeros porque el sujeto protagonista ve a las personas que se le acercan. También hay planos generales donde se ven paisajes con personas deambulando o de vistas muy amplias de sucesos importantes dentro de la narración. 

ENEMIGOS ÍNTIMOS

En este documental Herzog nos contará acerca de sus experiencias y vivencias con Klaus Kinski actor que ha colaborado en  variedad de sus películas como Nosferatu,  Fitzcarraldo, Cobra Verde, Aguirre la ira de Dios, etc. Un actor que ha a pesar de tener un mal temperamento, fue capaz de hacer equipo con este famoso director y realizar estas grandes obras que fueron premiadas y le dio un gran reconocimiento al autor. Veremos que sucedía atrás de todo esto, mientras estas grandes obras fueron filmadas, descubriremos la verdadera identidad del actor y la estrecha relación que mantenía con este director. Durante  el film veremos el comportamiento que tuvo este actor al momento de colaborar con su equipo y también se notarán numerosas discusiones y desacuerdos que tuvieron estos dos grandes hombres, una relación de conflicto pero a la vez de gran amistad. En el film veremos cómo Herzog describe a este gran hombre como un cobarde pero a la vez disfrazado como una gran bestia. Kinski al parecer era una persona difícil de mantener un gran control, uno de los hombres que trabajaba con Herzog cuenta que durante la filmación de Aguirre la ira de Dios casi le vuela la cabeza (sentido literal) por su reacción agresiva que tenía y durante la filmación de Fitzcarraldo tuvo una tremenda discusión con Herzog. Pero aun así esta cinta nos hace cuestionar, ¿Cómo le hizo Herzog para lidiar con este hombre que parecía tener un mal carácter y que casi quería matar a todo mundo?. A pesar de su mal carácter no podía juzgar el buen talento que tenía como actor, es por esta razón que Herzog decidía lidiar con él. En ocasiones Kinski no era la persona agresiva que solía ser siempre, a veces se llegaba a portar demasiado amable con sus compañeros, principalmente actrices, entre ellas Eva Mattes en la película Woyzec y Claudie Cardinale  en Fitzcarraldo. Herzog mantenía una relación de amor odio con, Klaus Kinski e incluso este  actor escribió algo sobre él(Werner Herzog) describiéndolo como una persona con muy poco talento y algo ambicioso, las palabras de Kinski  son las siguientes:

«Es un individuo miserable, se me pega como una mosca cojonera, rencoroso, envidioso, apestoso a ambición y codicia, maligno, sádico, traidor, chantajista, cobarde y un farsante de la cabeza a los pies. Su supuesto “talento” consiste únicamente en torturar criaturas indefensas y, si hace falta, matarlas de cansancio o asesinarlas. Nadie ni nada le interesa, a excepción de su penosa carrera de supuesto cineasta. Impulsado por un ansia patológica de causar sensación, provoca él mismo las más absurdas dificultades y peligros y pone en juego la seguridad e incluso la vida de otros, sólo para después poder decir que él, Herzog, ha domeñado fuerzas aparentemente insuperables. Para sus películas echa mano de personas poco desarrolladas mentalmente y de diletantes, a los que puede manejar a su antojo (¡y, supuestamente, hipnotizar!), y a los que paga un salario de hambre, y eso si les paga. El resto son tullidos y abortos de todo tipo, a fin de parecer interesante. No tiene la menor idea de cómo se hace una película. Ya ni intenta darme instrucciones. Hace tiempo que ha renunciado a preguntarme si estoy dispuesto a llevar a cabo sus aburridas chorradas, ya que le tengo prohibido hablarme». (Klaus Kinski)

Las escenas en donde Herzog aparece contando la historia de Klaus Kinski se ven en medio plano y las escenas donde aparece el conflicto generado durante estos dos hombres serán vistas en un plano gran general y general. Al principio del film veremos a Kinski reclamando y gritando al público –cámara en contrapicada-. En esta película no solo se analiza la vida del director, sino la obra maestra del director.