DIARIO DE UNA PANDEMIA_FILMOTECA DE LA UNAM

https://www.filmoteca.unam.mx/convocatoria/diario-de-la-pandemia/

Una manera de compartir la experiencia de la época en que se habita corresponde a la utilización de los medios de que se dispone, para dar cuenta de los espacios sensibles.

Como hacedores de imagenes, narraticvas y espacios emotivos. Aquí se abre un espacio que posibilita la multiplicidad de expresiones.

Observen la convocatoria y participen.  Cuídense y cuiden, en este e spacio estamos todos.

MILAGRO EN LA CELDA 7 (PELÍCULA)

Tengo un conflicto con este tipo de historias.

La película trata de una familia, una niña, su padre y su abuela, el padre tiene un tipo de retraso, la abuela es la encargada de todos los miembros de la familia.

La historia de desarrolla cuando el padre con retraso sale a jugar con una de las niñas de la escuela del pueblo. la niña cae al lago y muere, como no hay testigos los primeros que lo ven son los padrea de  la niña, y ven a Memo (el protagonista con retraso) con la niña muerta en brazos, entonces lo culpan de asesinato y lo llevan a prisión.

Me ahorraré toda la sinopsis y ire directo a lo que no me gusta. 

La historia es normal, nada fuera de lo normal, pero es hecha para hacerte llorar, entonces las escenas importantes son aquellas que no tienen mucho que ver con la historia, sino en la relación que hay entre el padre preso y la hija.

lo más interesante de la película es la involucración de un testigo, que a la vez era un desertor del ejército. Como personaje no es muy interesante pero lo que aporta a la historia puede que sea lo que la mantiene en pie y la hace un poco más interesante.

EL HOYO (PELÍCULA)

Una de las películas españolas que salieron este año en Netflix.
La verdad he tenido muy buena experiencia con la mayoría de contenido cinematográfico creado en España. esta película es una de esta lista.
la película se desarrolla en un tipo de prisión donde hay muchísimos pisos, a determinada hora del dia baja una especie de mesa con un banquete donde los más beneficiados con este platilla son los que están en los primeros pisos, ya que los que están en últimos pisos prácticamente no comen nada.
En la película podemos ver al protagonista que parece ser que entró a esta prisión de forma voluntaria, pero parece que no lo recuerda.
me parece que la película es un tipo de crítica/reflexión acerca de la sociedad actual, donde los que están por encima de los demás buscan su beneficio antes se los que estan abajo, aun cuando existe la posibilidad de que ellos también lleguen a estar ahí.
En aspectos técnicos la película maneja colores sombríos, el manejo de escenas grotescas te hace reflexionar y sentir mar real la situación pero sin dejar de relacionarte con todos los niveles de esta prisión.
hay un aspecto importante que es que cada platillo de este banquete es el platillo favorito de cada uno de los presos de este lugar.
Al final de la película hay muchísimas dudas y genera muchisimas teorias acerca de lo que realmente esta película significa, ya que creo que es más una metáfora de la humanidad que una historia de unos presos.

LA ERA POSMEDIA

Transformaciones contemporáneas de la imagen-moviemiento: postfotografía, postcinema, postmedia.

Aquí podemos entender que la época de los medios fue una etapa donde claramente hubo un despertar de pensamientos, se redescubre la imagen y se resignifica el tiempo, podemos pasar 3 minutos viendo 4 años de la vida de una ficción o de un mismo pensamiento. El arte se ve obligado a evolucionar.

En el área de los medios, que me parece es lo mas importante reconocer que el arte ya no tiende a ser un objeto ni a estar en un lugar generalizado, busca por si mismo ser algo intangible y algo que necesita de un lugar particular, que una galería ya no le ofrece las condiciones necesarias para poder ser la obra completa.

Esta parte del arte me emociona mucho, porque es darnos cuenta que vamos mas allá de lo que la propia sociedad común reconoce como arte, 

También hay una parte que habla acerca de que no solamente la obra esta dentro de un medio distinto, sino que la obra también se convierte en el propio medio, entonces el medio en sí es una obra artística.

 Y como bien dice el autor, no se trata de hacer menos a los aspectos técnicos, pero si de entender que está por encima de lo establecido en los medios, ver las herramientas como un canal de expresión, y ver que esto no solo sirve para resolver la obra sino también para comprender mejor el arte.

LA ERA POSMEDIA

Breve (y desordenado) anti glosario o diccionario de tópicos sobre el arte electrónico.

Este parte del texto es un conjunto de conceptos desmentidos que nos llevan a entender de mejor forma cómo es que el arte debe pasar a los medio digitales de la forma correcta.

Lo vemos en todos lados, usan el arte como una forma de presentar una "obra" pero lo único que están haciendo es utilizar las herramientas para hacer algo que ya se hizo antes. Y es que estos medios no son una herramienta a elegir, sino que ña obra misma debe exigirnos la herramienta, el concepto de nuestra obra debe necesitar el medio, no se trata de adaptar una idea a la era digital sino de que nuestro pensamiento y nuestro concepto artístico de vea obligado a usar el medio, si no, es mejor no usarlo.

VIDEOS

VIDEOS PENDIENTES
https://youtu.be/zeqbkFkg_tY
https://youtu.be/cH9jYVJc1So

Outbreak, 1995 Wolfgang Petersen

La película trata sobre una pandemia en Estados Unidos de un virus que tiene el cien por ciento de mortalidad.
Se me hizo una película interesante por la situación actual en la que estamos viviendo, de repente sobre actuada, pero eran los noventas, está muy bien.
Lo que más me interesó fue la forma en la que el poder se ejerce sobre las masas, como las decisiones de los políticos justifican los medios, básicamente es perverso.
Al poder no le interesa sacrificar a algunos indefensos por salvar a otros, incluso si hay posibilidades de salvarlos. La película más que nada muestra el poder ejercido para mantener el control, incluso para tener armas biológicas listas para cualquier movimiento político. La producción y dirección de arte me pareció acertada, bastante bien presupuestada.
El maquillaje me pareció destacable, las personas infectadas se veían bastante bien trabajadas, me metió mucha tensión con la cuarentena en la que estamos hoy, me pareció que faltó ahondar un poco en la histeria colectiva.

Epstein: El tiempo creado

Epstein: El tiempo creado

Epstein contribuyo con la nueva formulación del tiempo en el cine ya que es la construcción de lugares que son realidades pero que no están dentro de ese espacio solo es una representación del lugar, así mismo se pueden crear el tiempos, yo me quiero imaginar que es como esos videos o películas en los que están en una escena donde llueve pero en realidad es la creación de esa lluvia, igual me imagino que los filtros ayudan a la interpretación de una época o de un espacio.

El tiempo esculpido: La tarea del cineasta

El tiempo esculpido: La tarea del cineasta

En tiempo esculpido a lo que pude entender es el tiempo que debe de ser real pero que al mismo tiempo puedes ir modificando, pero es más importante un tiempo en el que está pasando en ese momento, en este apartado habla de Bresson, lo que él hace es que modifica ese tiempo lo va transformando no toma el momento sino lo crea y en cambio Tarkovski solo dejar fluir el momento debe de haber un ritmo que funcione dentro de la película. Encontrar el momento adecuado para grabar. Y no hacerlo rápido porque así no funcionaria la película.

El tiempo sellado: El tiempo de la naturaleza del plano

El tiempo sellado: El tiempo es la naturaleza del plano

En este apartado el autor nos habla de cual es tiempo al que debemos seguir, que es al tiempo real, el tiempo que es verdadero, el cine es una de las artes en las que refleja un momento, pero ese momento no volverá a pasar solo se queda así en el vídeo como una acontecimiento.

Historia de Lisboa (1994)

Título: Historia de Lisboa

Director: Wim Wenders

Lugar: Lisboa, Portugal

Año: 1994

Duración: 1hr 43m

Historia de Lisboa 

La película estuvo muy interesante, ya que es un poco de comedia ya que al protagonista sufre de algunos momentos desafortunados, también tiene una trama muy buena ya que el protagonista busca a su amigo para ayudarle a hacer el sonido de la película.

En lo que es la técnica o el manejo de la cámara hay muchos cuadros en los que esta el enfoque en la cámara fija, pero también tiene algunas escenas en donde va de un detalle ha expandirse, a mi parecer es uno de los encuadres que normalmente se usan para las películas. 

La estética del discurso - Las Flores del Cerezo (2008)

La estética del discurso

Las Flores del Cerezo (2008)

Doris Dörrie

Las flores del cerezo es una película que apela directamente al sentimiento del espectador, lo logra a través de su narrativa, sin embargo la estética de la imagen también juega un papel importante en esa intención. Primero se relata la soledad y pasividad de Trudi, que tiene una gran pasión por la cultura Japonesa aunque está de cierto modo reprimida, tras su muerte, comienza la historia de Rudi en la búsqueda de quien es el sin ella. 

La cámara en está película destaca por sus planos de paisajes, encuadres clásicos pero bien cuidados que dan lugar a conectarnos con el espacio-tiempo, planos detalles que destacan sutiles elementos de la narración, como objetos que se mezclan entre culturas, de ese modo genera empatía con los personajes. Si a esto le sumamos el gran uso del tratamiento del color que produce un ambiente pasivo, entonces nos envuelve en el ritmo de la película, un ritmo lento y suave, como las flores de los cerezos, o la danza Butoh.. 

El tiempo sellado: El tiempo es la naturaleza del plano.

El tiempo sellado: El tiempo es la naturaleza del plano.

Las Teorías de los Cineastas

Jacques Aumont

Continuando con la premisa del tiempo en el cine, y habiendo postulado a esté como la esencia del mismo, es entonces que se propone al cine no solo como contenedor del tiempo sino como el aparato que lo captura para inmortalizarlo para la posteridad.  

¿Es este arte, el cine, la utopía de la expresividad artística? Para el autor, sí lo es. Podríamos entrar en discusión sobre esto, pues algunos otros dirían que la poesía es por excelencia el arte mas puro, sin afán de desmentir o no la postura del autor, me atrevo a afirmar, que si bien el cine puede ser o no el arte mas puro, sí que este tiene la infinita posibilidad de interaccionar con todos ellos, incluso al mismo tiempo. Así es como el cine puede inmortalizarlos y volverlos parte de su propio discurso, esto es posible gracias a que se desenvuelve no solo en la cuarta dimensión sino que la inmortaliza, se la apropia, la modifica y la reproduce cuantas veces sea necesario.

El Tiempo Empírico: La Experiencia Temporal del Espectador

El Tiempo Empírico: La Experiencia Temporal del Espectador

La Teorías de los Cineastas

Jacques Aumont

"Recuperar el tiempo durante la proyección cinematográfica equivale a establecer una simultanea relación con la memoria y con la experiencia del tiempo: con el tiempo pasado y el tiempo que pasa."

Tarkovski postula en esta primera etapa el tiempo empírico, tiempo que desde su postura está inscrito en la película e influye en el tiempo del espectador. Jacques Aumont partiendo del supuesto del análisis filosófico del sentido del tiempo, concluye que para el hombre es esencial el tiempo pues este es finito a el, de este modo se propone, en yuxtaposición con la postura de Tarkovsky, que el cine se trata de tiempo. 

El postulado me hace pensar en la percepción del cine como evasión de la realidad pues en cierto modo logra que nos olvidemos de ella, y que hagamos un paréntesis existencial para introducirnos en la historia, los personajes, o la trama. Así, en definitiva, el tiempo inscrito en la película influye en el nuestro, podemos viajar el espacio, al viejo oeste, Nueva York, Londres, Tokio, todo en cuestión de minutos, podemos en unos segundos pasar de la era primitiva a la modernidad. Entonces, si el tiempo influye en el nuestro, el papel del espectador frente al cine tendrá dos vertientes, ser solo espectadores y perdernos en el tiempo empírico o ser participes de lo que vemos.

Importar Problemas

Importar Problemas

La Teorías de los Cineastas

Jacques Aumont

Supone la búsqueda de lo real en el cine a través de la practicidad, al concluir que ninguna de las propuestas del sentido y la verdad terminan por resolver la duda; propone una búsqueda mas natural por medio de las expresiones básicas de la filosofía, concluyendo que el concepto del encuentro es directamente una respuesta a lo real, sumando que el concepto del intervalo desarrolla la cuestión de lo dinámico y lo diferencial. 

Es por esto que Eisenstein y Pasolini son las respuestas al problema de la acepción y fabricación.

Tarkovski: Escultura en el timpo y El tiempo empírico

Tarkovski: Escultura en el tiempo

De la pregunta que se hacía anteriormente Jacques Aumont se responde un poco con lo que Tarkovski ya que en este capítulo te habla del arte del tiempo, que Tarkovski lo divide en tres niveles uno de ellos es:

El tiempo empírico: La experiencia temporal del espectador

En donde nos habla de cómo el hombre se distrae con el cine aprovechando el tiempo libre que tiene, para permitirse ver algo que es de su interés, que lo llaman con “El tiempo perdido” que es el tiempo de los recuerdos a través de la memoria ya sea del pasado, del presente o del futuro pero que para Tarkovski el tiempo del pasado es más real y  el que está presente en el espectador porque son sucesos que ya paso el espectador. Lo que a Tarkocki le interesa esa conexión que puede tener un momento real de la vida y como se trasladado a una película pero que puede ser modificado en distintos tiempos.

"Importar problemas"

Importar problemas

Jacques Aumont se pone a reflexionar sobre las teorías de Bresson, Veton, Eisenstein, sobre el cine y se hace una pregunta del como una imagen en movimiento pueda producir y decir algo real de la vida o suceso, a eso le responde que el cine es una lengua, un lenguaje con el que te puedes relacionar con la vida real, pero hay algunas películas no muestran esa realidad.

La Strada (1954)

Título: La Strada

Director: Federico Felllini

Lugar: Italia

Año: 1954

Duración: 103 min.

Me gusto la película, refiriéndome al trama que tienen la película es muy interesante ya que contiene escenas del contexto en el que se vivía antes en donde, los padres tenían que vender por así decirlo a sus hijas para tener algo de dinero y eso tiene de referencia la película, también se muestra el machismo que existía y sigue pero de acuerdo con la película la manera de ese machismo es fuerte, controladora, pero en donde se ve que a pesar de eso la mujer se mantenía ahí.

En cuestión del manejo de la cámara es muy sutil cada vez que mueve la cámara para acercarse a un objeto o a los personajes en específico y en el momento de expandirse, al igual se nota la cámara fija por momentos.  

El cine y lo sublime - Gasherbrum, la montaña luminosa (1985)

El Cine y lo Sublime

Gasherbrum, La Montaña Luminosa (1985)

Werner Herzog

Las escenas de los exploradores llegando a la cima y las historias al rededor de ellos me remitían una y otra vez a la celebre pintura de David Friedrich, "Caminante sobre el mar de nubes" y el discurso romántico del paisaje "lo sublime", las fuerzas de la naturaleza: tormenta, viento, lluvia, nieve, Gasherbrum… 

"Caminante sobre el mar de nubes", David Friedrich

La filosofía de lo sublime propuesta de William Turner se define como una paradójica fuerza de atracción/repulsión, es decir, el agradable horror. Herzog con este documental parece darle vida esta postura, los dos alpinistas que realizan está exploración son el punto clave de la película, es en ellos y su visión del mundo en quienes Herzog se centra durante el documental, subir el Gasherbrum es la excusa para poner entender el pensamiento detrás de estos dos hombres. 

El celebre escalador británico George Mallory dijo alguna vez: ¿Por qué subir montañas- Porque están ahí. Esto lo reproducen los escaladores en el documental, uno de ellos dice que no se trata de subir montañas sino de seguir caminando hasta donde la vida de. Desde un punto muy negativo es como el can que persigue su cola sin alcanzarla pero desde una perspectiva romántica es la búsqueda constante de situarse en el universo, pues frente a lo sublime somos indefensos, así, lo sublime nos agita y mueve el espíritu. Siguiendo esta exploración, Herzog construye este documental y traslada la sensación de los escaladores frente a la imponente naturaleza al espectador, que desde su asiento puede vivir con ellos la experiencia y sentir empatía con su historia.

La Mirada del Autor - Encuentros en el Fin del Mundo (2007)

La Mirada del Autor

Encuentros en el Fin del Mundo (2007)

Werner Herzog

Es un documental exquisito, lleno de una visión prácticamente filosófica detrás de la imagen, Herzog lo vuelve a hacer, con una exploración constante sobre la naturaleza y el hombre, genera en el espectador empatía alternando impresionantes localizaciones y auto-reflexión con los testimonios y reflexiones de los biólogos, físicos, fontaneros y conductores de camiones, que han dejado todo atrás para formar parte de esta comunidad que vive en la Antártida

Esta es una meditación mas sobre la naturaleza por parte de Herzog, quien explora con su cámara y su director de foto Peter Zeitlinger, aspectos de las personas sobre la razón de su estancia en este lugar tan remoto. Nos encontramos con una película donde no hay un limite en la narración del autor pues lo que muestra es a el mismo contando su visión sobre este lugar. 

Herzog se lanza a la aventura extrema capturando todo en imágenes en movimiento, el avance en el manejo de la técnica y la narrativa respecto a películas como "Fata Morgana" o "Gasherbrum, la montaña luminosa" es evidente, vemos imágenes mas precisas, ángulos mejor trabajados, de este modo cada imagen cuenta, no sobra nada y cada cuadro tiene una historia que mostrar. 

Las primeras escenas, si no es que la mitad del documental, transcurre en McMurdo, la base de la Antártida donde la presencia humana es mayor, aquí vemos primeros planos, detalles y planos americanos de las diferentes personas narrando su historia. Fuera de McMurdo las escenas comienzan a ser diferentes, panorámicas y mas panorámicas ponen en evidencia el afinado y atinado ojo del director, capturar un paisaje no es cosa fácil, a pesar de estar ahí listo para ser capturado hace falta saber "ver" y Herzog ya lo hace muy bien, desde las escenas de los glaciares desde un barco, imágenes del cráter de un volcán, focas y pinguinos hasta el reto de las grabaciones submarinas presentan una narrativa propia, posible por la precisa mirada del autor. 

Herzog construye un documental que se mete en el espectador, gracias a una banda sonora que va a la perfección del guion cuyo ingenio es de la misma magnitud, y porque en este momento de su carrera sabe introducir momentos sublimes y sencillos en el momento preciso.