lunes, 28 de septiembre de 2015

ARMAS AL HOMBRO


Es un largometraje escrito, producido, actuado y dirigido por Charles Chaplin ambientada en la primera guerra mundial en la guerra de trincheras, en esta película  Chaplin llega a ser algo critico debido a  que llega a mostrar la condición de vida de los soldados durante la guerra. Este film es capaz de reducir lo crudo con un poco de humor, debido a que la guerra es algo muy crudo y violento. La película al igual que El gran dictador (film que hará en los años 40 del siglo XX que ambientara las dos guerras) tiene un sentido critico por la situación social y política en la que se desarrolla el contexto o la historia del film.

Aquí en esta historia el personaje de Charlot vuelve de las suyas, pero esta vez no como vagabundo sino como un soldado de guerra  y combatiendo a las fuerzas enemigas de Alemania .Durante el transcurso de la guerra muestran la condición de vida de los soldados y lo que hacían al momento de combatir, sino  se encontraban batallando ellos aprovechan el tiempo para comer o refugiarse en sus casas subterráneas. En la película muestra se muestra una escena en general muy satírica sobre la forma de vida de los soldados donde Charlot se va a la casa de unos soldados aliados y se encuentra inundada, pero aun los hombres permanecen tranquilos ante la situación en la que se encuentran. En la película Charlot parece ser un hombre ser un hombre supersticioso porque cree que va te tener algo de mala suerte debido a que rompe un espejo y le toca el numero 13.Pero después resulta que el llega a tener algo de suerte debido a que captura  a un grupo de soldados enemigos y se gana el respeto del general que se sorprendió ante la captura y por esta razón Charlot decide aceptar  una misión especial(toma en un plano general)que le costar caro la vida debido a la situación a la que se enfrenta. Aquí se presenta una de las escenas mas famosas y recordadas de Chaplin, donde Charlot para lograr despistar a los enemigos se disfraza de árbol para poder atacarlos, al momento de que lo ven (La toma comienza con una gran general y un general cuando llega a noquear a los soldados).Después de  eso unos soldados enemigos llegan a capturar a un  soldado americano que intenta comunicarse con  las tropas estadounidenses  por medio de un telégrafo (escena en medio plano)  Y en eso  otros soldados enemigos llegan a atraparlo, cuando intentan fusilarlo, Charlot se encuentra presente y logra salvarlo de nuevo golpeando a los enemigos(escena en general). Pero en eso un hombre lo descubre y Charlot sale corriendo y se dirige a un bosque(toma en gran general), durante la persecución Charlot llega a camuflarse en los arboles  y cuando logra salir de la situación se encuentra con una casa que esta en malas condiciones donde vive una mujer de origen francés que llega a enamorarse de él. Al final de la película Charlot logra capturar al líder de los enemigo disfrazándose del jefe de las fuerzas contrarias .

Armas al hombro o Shoulder Arms como se le conoce originalmente, es una película que llega a mostrar de forma satírica y burlesca las atrocidades de la guerra. Chaplin llega a visualizar la guerra como un medio en el que hombre llega perder todo intelectualismo y lucha por su supervivencia. En la película se llega a ridiculizar a el Káiser y  sus acólitos(Lluis Bonet Mojica,2009).Este film llego a tener demasiada controversia política  que fueron censuradas unas escenas en Alemania y Estados Unidos.






BRESSON Y EL CINEMATOGRAFO


El cineasta debe ser capaz concientizar la realidad para así poder capturarla a través de  su cámara o de su ojo, para que de este modo pueda contar la verdad a través  de sus imágenes  o por de su maquina. El cine  no es solamente es capaz de mostrar una veracidad absoluta, sino que también por medio de sus imágenes o acciones del personaje puede ser capaz de contar o narrar una historia como una novela literaria o un cuento, por esta razón algunos cineastas no solo son capaces de mostrar sus dotes ante el manejo de su cámara, sino que también son unos escritores capaces de contar una historia. Algunos cineastas al parecer tienen dones de ser grandes escritores o novelistas como Charles Chaplin que escribe y dirige sus propias creaciones como la Quimera de Oro(una película muda ,que trata de unos hombres que hace una expedición a Alaska en busca de oro),parece ser una película muy literaria y poética por medio de la narración que utiliza el escritor. Además este director parece tener habilidades de ser un gran literario y compositor de sus propias obras.

El cine mudo parecía  ser capaz de tener ese tipo de dotes de ser grandes escritores de imágenes. Además de integrar los sonidos o las bandas que ayudan ambientar las escenas o la acción del propio personaje, según Jaques Aumont los sonidos deben ser bastante autónomos de las imágenes y pretender usurparse a los poderes recíprocos. (Jaques Aumont cita a Bresson pág. 56).

Bresson es enemigo de la “imagen bella” es decir que llama la atención por su apariencia artificial y su metáfora  y que deja de un lado los medios narrativos, que ayudan a la comunicación  del entendimiento de la película o film.

El cineasta debe ser capaz de utilizar todos los recursos que ayuden a contar su historia cinematográfica, es por eso que las imágenes deben estar apoyadas de un dialogo o argumento que les ayude a transmitir el mensaje al espectador. Por esta razón el montaje debe ayudar al desarrollo de la historia, ya que si una imagen no llega a decir un todo, el montaje parece ser un apoya para el desarrollo del film. Este parece ser la parte técnica mas importante de los cineastas, es igual que el manejo de la mancha y el color  en la pintura o la línea en el dibujo, el montaje ayuda al desarrollo y manejo de la historia.

“El cineasta es descrito como un maestro de los signos según su ideal clásico y que sabe reconocer cualidades morales como :coraje, rigor, nobleza(Aumont J, 2004).Pero también puede identificar otro tipo de cualidades si el mismo trata de identificarse con el personaje por medio de la agudeza de la mirada puede tener alguna especie de empatía con él.

Para el cineasta Bresson es importante el manejo del azar  durante el rodaje de la cámara; es decir que el cineasta debe dejar  que los hechos o sucesos pasen por medio de la cámara, para que de este modo se pueda reinventar una historia. Este cineasta sigue los principios básicos del pintor Corot: ”No hay que buscar, hay que esperar”, es decir que si dejamos que los hechos pasen  seremos capaces de crear una nueva historia. Para Bresson el cineasta debe dejarse llevar por la sorpresa y actuar como si fuera un ignorante de su entorno. El cineasta establece algunos puntos que debemos seguir durante el rodaje como:

-lo imprevisto, lo instintivo, lo inesperado: Con esto se refiere a que la cámara debe ser capaz de capturar algún evento imprevisto

-la emocionalidad, la creencia, la absorción del espectador: es decir que el espectador debe sentir empatía con el personaje, para que de este modo pueda generar conciencia y hacer creíble la historia.

-el rechazo del intelecto, la intención de verdad, lo real: el cineasta debe ser consiente de lo que ve a través de su ojo y dejar de un lado la mente

-el poder original del cinematógrafo: un poder que le confiere a los cineastas es el hecho de manejar la escritura y la cámara; es decir que el cineasta es como una maquina que escribe  historias por medio de las imágenes o algunos de ellos se llegan a inspirar en otros escritores para realizar sus films.









domingo, 27 de septiembre de 2015


SEÑORA VENGANZA 














Una película que nos recuerda un poco a lo que hizo Quentin Tarantino con su ya famosa Kill Bill, una mujer que busca vengarse de alguien que le hizo daño en el pasado. Aunque tiene cierto parecido con la historia y algunas cosas en cuestión de filmación con el trabajo de Tarantino, Señora Venganza tiene lo suyo.
El director Chang Wook-Park hace que las secuencias sean muy bonitas y con un toque de diversión; la mayor parte de las tomas son en planos cerrados y cuando tiene que mostrar alguna secuencia larga ocupa el travelling haciendo tomas aéreas y un poco rápidos los movimientos, sin embargo los encuadres cerrados los ocupa mucho para personajes importantes haciendo un close up y quiero pensar que utiliza un ojo de pez algunas ocaciones.
Las escenas de larga duración son interesantes, la composición de estas es muy bonita y no cansa la vista del espectador; también los colores son importantes, son colores cálidos, hay algunos tonos pastel y penumbras.  
Una buena película visualmente, buena historia al igual que buena música.

DIRECTOR: Chang Wook-Park
AÑO: 2005
PAIS: Corea del Sur










jueves, 24 de septiembre de 2015


 


AMOR

Una película que se sitúa en Paris, el amor se ve reflejado en esta historia ligado a la vejez y  a la soledad, enfermedad, sufrimiento y la muerte.  
Los largos planos, la propagación de la narratividad y el minimalismo escénico ayudan a abrir un recorrido con el melodram, sin renunciar a los luminosos toques de ternura, pero a partir de determinado momento Haneke se recrea más de la cuenta en el sufrimiento, el dolor y la agonía.
Haneke, de quien sólo he visto esta película, trata la historia de una manera clara precisa, tal vez de una forma vanal. Pone la cámara donde tiene que ponerla, sin ningún tipo de elementos innecesarios al servicio de una historia íntima y universal. Los actores, están sublimes, mostrándonos la crudeza de lo vivido, y el amor que se profesan.
    Director: Michael Haneke
    Fotografia:  Darius Khondji
    Año: 2012

lunes, 21 de septiembre de 2015




La pocilga. (Porcile)
Piere Paolo Pasolini

Esta es una película realizada en el año 1969, bajo un contexto de guerra y pensamientos sociales que se disuelven en la cotidianidad de las personas reflejando la sustancialidad del ser humano bajo comportamientos traumáticos y de rechazo hacia ciertas ideas familiares dadas.
Bajo el lente de Pasolini, se muestran dos historias empalmadas. Una sobre la historia de Julián, quien después de estar en contra de casarse con su novia la cual tiene una mente idealizada sobre la rebeldía Nazi se envuelven las tomas con destiempo para denotar que detrás de esto hay una vida de un caníbal solitario que vive en las afueras de algún lugar perseguido entre montañas, lleno de una confusión y preocupaciones de la existencia del ser a las que vive Julián en el contexto social y familiar.
En esta trama se reflejan elementos simbólicos en los cuales de reta la existencia de Dios y esa idea del retorno, trasladándolo a la revelación del ser mismo a través de los cuestionamientos humanos que nos hace vivir tal cual unos cerdos confinados.
La parte técnica en la que se nos presenta este filme es mostrándonos aspectos importantes de la arquitectura para contextualizarnos en el entorno por así decirlo. Trabajando con cámaras no fijas, pone nuestra vista en extrema tensión y nos hace fijarnos en las jerarquías momentáneas de los personajes al posicionar las cámaras en ciertas direcciones; por ejemplo, algunas vistas de los personajes con cierta carga significativa alzada de muestra la toma desde abajo para denotar su grandeza y unas más son vistas desde arriba para denotar su simpleza. Y es algo que tiene por lo regular en sus películas, por así decirlo, se convierte en un estilo de el.

País: Francia Italia
Año: 1969
Género: Drama
Duración: 94 minutos
EISEINSTEIN CREADOR DE SISTEMAS

Una imagen de una película puede ofrecernos gran variedad de mensajes, con el simple hecho de utilizar unas imágenes en movimiento, podemos saber lo que expresan los personajes con sus emociones, o podemos saber lo que ocurre alrededor de una escena  con el simple hecho de obsérvala. Pero qué pasa cuando la imagen suele contradecirse con la expresión del lenguaje. Eiseinstein ofrece unas teorías contradictorias en las que se oponen no solo la imagen sino también la razón y la emoción y las esferas sensoriomotriz e intelectual. Enseguida se explican los puntos que ofrece el cineasta, que parecen ser contradictorios.

Lenguaje vs imagen
Muchas veces una imagen puede comunicarnos mas que un lenguajes escrito o hablado, pero en el cine muchas veces una escena tiene que estar acompañada de un diálogo, que determina lo que van a decir o expresar los personajes y sobre todo para lograr captar el mensaje que ofrece la película o el film. La imagen suele ofrecer una  manifestación sensorial de la  abstracción del lenguaje y si éste ha de contener un pensamiento, el discurso fílmico debe modelarse con un lenguaje verbal (Aumont J,2004). Las escenas ofrecen una conexión lingüística que aseguran un encadenamiento semántico(Aumont J,2004). Eiseinsten ofrece un pensamiento prelógico que significa que las imágenes o metáforas y el lenguaje ofrecen una relación equivalente.

Lenguaje y pensamiento
El cine es una herramienta o máquina que hace pensar al ser humano acerca del entorno. Sin embargo debemos determinar que el cine es una máquina y por lo tanto no es capaz de pensar o sentir, por lo tanto el cine no es el que ofrece el mensaje sino el cineasta a partir de una imagen. En esta parte Eiseinsten ofrece una contradicción entre el lenguaje que debería ofrecer un mensaje, cuando en realidad en el cine la imagen es la que ofrece una reflexión acerca del suceso. El cine es una máquina que ofrece una reflexión al ser humano.
Lenguaje, pensamiento y sujeto
Cuando vemos una película nos suele causar una cierta emoción que nos hace adentrarnos en ella, ya sea por medio de la escena o por el diálogo y la expresión que maneja un cierto personaje. El  cine es capaz de realizar una acción o una escena que cause una reacción a los espectadores o al público. La enunciación subjetiva en el lenguaje y el afecto espectatorial llegan al ámbito del espectador (Aumont J, 2004). El cine debe ser capaz de crear un pensamiento cognoscitivo; es decir que debe ser capaz de reflexionar o conocer el entorno que le rodea, pero también es capaz de provocar emociones al público o sujeto. ”El monólogo interior remite a una experiencia subjetiva”(Aumont J, pág.53)

CONCLUSIÓN
Eisenstein el creador del montaje intelectual, hace una reflexión acerca de unas contradicciones que se pueden encontrar al momento de que nosotros vemos una película o un film. Estas teorías  a pesar de ser algo contradictorias, parecen tener una cierta conexión como la imagen y el sonido o la acción y la emoción. Para que una imagen cinematográfica no carezca de sentido o de significado, necesariamente debe estar sujeta a un diálogo. Los monólogos aparecieron como una forma de presentar una  novela de los estados anímicos y los pensamientos de una conciencia de ficción(Aumont J, pág. 50)
 El cine es capaz de causar  una cierta emoción al espectador o al sujeto. El cine no piensa no es de crear sensaciones o emociones. Sin embargo si es capaz de provocarlas a través de sus imágenes o escenas cinematográficas. El cine parece tener una manifestación sensorial, es capaz de crear emociones o sensaciones, sin embargo el cineasta debe ser capaz de reflexionar ante estos casos emocionales que se presentan y tomar en cuenta la calidad de las imágenes cinematográficas.





LA QUIMERA DEL ORO

Esta vez Charles Chaplin  hace una mezcla entre literatura y cine. Esta película (la Quimera del oro también conocida en inglés como The Gold Rush) parece tener la impresión o idea de ser una novela mas que un film por la forma en que se cuenta y por la utilización de los títulos o diálogos que llega a usar ésta película de carácter mudo. Parece que el director (Charles Chaplin), llega a mostrar sus dotes para la escritura. Las primeras escenas de la película comienzan con un gran general narrando la historia de unos migrantes que viajan o emigran a Alaska en busca de oro, pero ignoran todas las condiciones de vida a las que se enfrentan como la falta de recursos para poder sobrevivir (comida y agua). Algunos hombres consiguen quedarse a pesar de las malas condiciones a las que se enfrentan y otros simplemente se marchan.

Mientras tanto Charlot, el simpático vagabundo que interpreta Chaplin, va en busca de un buen hogar en  donde quedarse y también aparece otro personaje Jim Big Mckey(Mack Swain) que esta obsesionado por encontrar oro y volverse rico. Cuando Charlot está en camino sobre la montaña  en una escena (plano general ) aparece de forma dramática un oso que camina atrás de él, pero Charlot al no darse cuenta de esto sigue caminando  en busca de un lugar en donde  refugiarse y en eso encuentra una cabaña habitada por un maleante llamado Black Larsen, que intenta correr a Charlot por la puerta y al momento de abrirla e intenta hacer que Charlot se marche, él no puede salir debido a que la  tormenta llega a ser tan fuerte (plano general) que el vagabundo (Charlot) no llega  a sostenerse. Mientras tanto Big Jim Mckey entra en la escena arrastrado por la corriente y Black Larsen ahora intenta expulsar a los individuos de su hogar , pero Jim decide retar a Black Larsen y logra que los tres se queden en la  cabaña.

Esta película llega a tener gags psicológicos, en donde se llegan a jugar la mentalidad del personaje ante la situación en la que se presentan. Un gag según el crítico francés George Charensol es un efecto imaginado frecuentemente por especialistas, el cual provoca una risa en el espectador (Lluis Bonjet Mojica,2006). Como la escena en un plano general, donde Mckey se imagina a Charlot como una gallina gigante debido  a que está muerto de hambre. Los personajes incluso llegan a realizar acciones extrañas debido al hambre como comerse sus zapatos .

Otra de las escenas que parece ser de las mas recordadas es cuando Charlot al parecer invita a una mujer llamada Georgia(Lita Grey) que se encontró en un bar nocturno, la invita a su cabaña a la cena de año nuevo, pero al no llegar Georgia, Charlot cae en un sueño, donde aparece la mujer, con la mesa puesta y en ese momento en una escena de medio plano Charlot agarra dos  panecillos que los pone en unos tenedores y hace una imitación algo caricaturesca de un bailarín que interpreta al Oceano Roll.

Otra de las escenas que llega  a utilizar demasiada imaginación y creatividad, es cuando la cabaña de los dos migrantes, se encuentra  a la orilla de un borde en una toma de gran general. Ésta escena llega a causar una sensación de risa, pero también de impacto por la situación  peligrosa en la que se encuentran los personajes que van moviendo la cabaña en plano general, dando la sensación que esta chueca , debido a que se va caer hacia al vacío.

Ésta película de Chaplin es muy literaria por el sentido que utiliza textos muy narrativos que describen la acción de los personajes. También  hay escenas que son muy simbólicas que llegan a jugar con la forma de pensar de cierto personaje,lo cual lo hace muy imaginativo y llega a desafiar la lógica . La película muestra personajes algo humanistas, en el sentido que llegan a mostrar algo de crudeza como Jim Mckey un personaje obsesionado por encontrar algo de oro y volverse rico, Black Larsen un maleante que intenta escapar de la ley  y sobre todo Charlot el simpático vagabundo que hará todo lo posible por estar con Georgia. Una bella bailarina con una personalidad algo independiente. También otro personaje llamado Jack que resulta ser un patán  y un mujeriego. La película llega a mezclar la crudeza con la realidad.