El tiempo sellado de Tarkovsky

El tiempo es una interpretación del ser humano, sobre lo duradero, pasajero, efímero y eterno en la vida. El tiempo es percibido como algo que a la par de su fugacidad deja huella a su paso. 

En el arte cinematográfico, nos dice Tarkovsky, "el hombre, por primera vez en la historia del arte y la cultura, había encontrado la posibilidad de fijar de modo inmediato el tiempo, pudiendo reproducirlo todas las veces que quisiera", este es uno de los valores estéticos que el cine nos proporciona, esa oportunidad de contemplar el paso del tiempo de manera retratada una y otra vez. ¿Cuantos cambios  debió de haber creado en la concepción del recuerdo esta facultad?  El cine nos permite sentir una relación con lo real, sin embargo, eso no significa que sea la realidad; el cine es un pretexto para la memoria, para no olvidar y a la par retrata añoranzas, procura a la imaginación, futuriza: "La naturaleza del cine tiene algo que ver con la necesidad del hombre de apropiarse del mundo" y es allí donde nos dice Tarkovsky "se esculpe el tiempo".

¿Cual es el sentido del cine? Según nuestro autor "el colocar al hombre en un espacio ilimitado, el hacer que se funda con una masa inmensamente grande, directamente junto a el, y con hombres que pasan, alejados de si, el ponerle en relación con todo el mundo"; y bien, el cine logra en muchos sentidos abrir en el espectador una idea relacional con lo que el no se imaginaba que pudiera tener algo en común o tener algún acercamiento, religa a los individuos, inclusive hasta lo que le genera repulsión se convierte en una relación, esto en un sentido comparativo, precisamente para poder rechazarlo, por que justo así es como nos relacionamos con el mundo a través del tiempo y el espacio, es en este "conjunto de elementos inconexos que existimos en correlación con el todo"; "el todo esta inmerso en las partes".

Aunque del cine, al igual que de las otras artes, depende la imaginación, sensación, entendimiento o comprensión de otros hacia la vida, ya que incide en tiempo y espacio vivencial, también dependerá de cada ser en contemplación, sublimación y experiencia. Lo interesante y de muchas maneras hermosas es que "el mundo interior" del autor y del espectador por un momento convergen en una totalidad que si bien esta llena de diferencias, a la par esta llena de semejanzas.

"LOS INVISIBLES"

LOS INVISIBLES

(DOCUMENTAL SOBRE INMIGRANTES)

 

Opinión personal-   Invisibles son aquellos que existiendo, no sabemos nada de ellos, o no queremos saber nada. Son las victimas de cientos de conflictos, de salud, sociales, económicos y políticos. Habitan un mundo que al parecer no cuenta para los pocos privilegiados, cuyas vidas transcurren en “otro status”. Los invisibles no despiertan el interés de los gobiernos, ni de las multinacionales, tan sólo de algunas organizaciones sociales y políticas de izquierda, y ONG´s (organizaciones no gubernamentales).

En noviembre de 2013  fue presentado el documental que recrea la vida de un inmigrante centroamericano, su recorrido desde Honduras hasta el desierto de Arizona, subir al tren conocido como "La Bestia", son algunas cosas que el actor Gael García vivió para realizar el documental,  con apoyo de Marc Silver. Con esto pretenden atrapar la atención del espectador sobre el problema de inmigración centroamericana y su paso por territorio mexicano.

Al parecer el suceso que da motivo a la realización de este trabajo, fue el cuerpo de un hombre hondureño encontrado sin vida en el desierto de Arizona, luego de intentar llegar a Estados Unidos. La única pista para identificar al hombre es que tenía tatuado los nombres de Dayani y Cristal en su piel.

 

Dentro del documental encontramos narraciones que dan cuenta de las posibilidades para realizar este trabajo, en un medio hostil y delicado.

"Cuando alguien se sube al tren (La Bestia) cualquier diferencia se termina, todos somos iguales, así que yo les explicaba que tratábamos de hacer una película y ellos seguían el juego, me veían como un hondureño, así que hacer este documental se convirtió en una de las experiencias más hermosas de mi vida". Gael García

Este documental no da respuestas ni soluciones, al grave problema de la inmigración, pero es la antesala del análisis individual y grupal, del cuestionamiento colectivo que lleve a plantearse una posible solución, es una denuncia como lo son la mayoría de los cortometrajes de crítica, que en ocasiones buscan poner sobre aviso al público, respecto de fenómenos que acontecen rutinariamente, sin que se atiendan, cada espectador obtendrá sus conclusiones y cada espectador que lo haga, se planteará una posible solución.

Se requiere evitar el individualismo y fomentar la conciencia de grupo, por ello, son necesarios este tipo de documentales, así el espectador tendrá información, para romper con la política individualista.

 

Mineral del Monte. Hidalgo., a 22 de febrero de 2015.

Carmelo Santos López.

No. De Cta. 256778.

7° semestre.

"La Mirada de Ulises" de Theo Angelopoulos

Una película que dura casi tres horas con demasiados enfoques y hecha para reflexionar, hace una reflexion sobre el tiempo y el espacio, sobre la imagen del cine.

El filme trata sobre la vida de un cineasta que regresa a su tierra natal (Grecia) durante la Guerra de Los Balcanes. La mision de este cineasta, el cual no sabemos el nombre es encontrar una película que nunca se ha revelado del año 1905, emprende un viaje acompañado de vario personajes que lo llevara al centro del conflicto bélico mediante barcos, tren y taxi.

A través de este viaje el protagonista se enfrenta con la realidad de su pasado y presente, asistiendo a una vida que es la suya, que nunca fue la suya o que pudo haber sido suya.

DIRECCION: Theo Angelopoulos

PRODUCCION: Coproducción Grecia, Francia, Italia

GUION: Tonino Guerra, Theodoros Angelopoulos, Petros Markaris

MUSICA: Eleni Karaindrou

FOTOGRAFIA: Yorgos Arvanitis

-Anahi Licona P.

 

 

TIEMPOS MODERNOS

(opinion personal)

 

     Película producida en E. U., en 1936., y dirigida por Charles Chaplin, la musicalización también es del director, la fotografía de Ira H. Morgan y Roland Totheroh. El reparto compuesto por: Charles Chaplin (Charlot, obrero); Paulette Godard (Gamine, la huérfana); Chester Conklin (mecánico); Allan García (director de la fábrica); Henry Bergman (propietario del café); Stanley Blystone (sheriff); Stanley J. Sandford, Wilfred Lukas, Edward Kimball y Edward LeSaint (trabajadores de la fábrica)

A esta película de 85 minutos, que en su mayoría se desarrolla en planos generales, Chaplin le añadió efectos de sonido, además de la banda musical, creo sonidos con su voz y con distintos instrumentos musicales combinándolos con la partitura que había compuesto para la cinta., aun siendo una pelicula esencialmente muda, contiene una escena sonora, en la que Charlot interpreta una canción.

 

A pesar del rechazo del público conservador y la crítica estadounidense de la época, TIEMPOS MODERNOS recaudó más de 1.400.000 dólares en EE UU,. La cinta se estrenó el 5 de febrero de 1936 en el Rivoli Theatre de Nueva York, llego a España ese mismo año y se estrenó en Madrid el 4 de marzo, en el cine Capitol, y en Barcelona dos días después, en la sala Tívoli. Fue considerada como propaganda izquierdista. En esta película se retratan los problemas de la clase trabajadora en los E. U. de la gran depresión económica. Decadas más tarde, terminan reconociendo que se trata de una obra maestra del cine.

 

 

     El obrero Charlot ejecuta su labor en una cadena de produccion, apretar tuercas durante horas, le provoca una crisis nerviosa, pierde su trabajo y es iternado en un hospital. Al salir del hospital es arrestado por que lo confunden con un líder comunista. En prisión frustra la fuga de algunos delincuentes, lo premian con una celda individual y otros privilegios. Afuera el desempleo y la miseria ocasionan revueltas sociales.

Gamine, es una joven que sobrevive en medio de la pobreza, durante una manifestación la policía mata a su padre que es un obrero desempleado, sus hermanas menores son enviadas a instituciones del gobierno.

Charlot no quiere su libertad, vivía muy bien en prisión, no encuentra trabajo y decide cometer algún delito para volver a la cárcel, Gamine roba una barra de pan, y Charlot dice a la policía que el ladrón es él.

 

Esta pelicula, por la carga ideológica que le imprime el director, adquiere peso y relevancia, los sectores político y financiero de los años treinta, emprendieron una campaña en su contra, grupos empresariales norteamericanos, utilizaron su influencia en los medios de comunicación para descalificarla.

 

Trabajadores reducidos al rol de simples piezas de un sistema productivo, esto levantó ampollas en muchas corporaciones de industriales, porque se ajustaba a una realidad que todas las empresas trataban de ocultar.

Los obreros no sólo desempeñan un trabajo aburrido, agotador y repetitivo; también son sometidos a vigilancia por el director de la fábrica, que utiliza una especie de circuito cerrado de televisión, para controlar lo que ocurre en cada area de trabajo, y cuando faltan unos minutos para terminar la jornada, ordena acelerar la velocidad de la cadena de montaje, con el fin extraer el máximo esfuerzo sus trabajadores. Los obreros también son utilizados como conejillos de indias, para probar los nuevos artefactos de producción y mejorarlos, como en el caso de la maquina para alimentar a obreros mientras trabajan, y así reducir el tiempo de trabajo perdido durante el almuerzo.

 

Esta película crítica el Taylorismo, doctrina capitalista desarrollada por Frederik Winslow Taylor. Quien consiguió dar uniformidad a los procesos industriales y aumentar la productividad mediante el adiestramiento intensivo de los obreros, reduciéndolos a la condición de máquinas, que sólo sirven para realizar determinadas y específicas tareas. El Taylorismo revolucionó la industria, mejorando y aumentando notablemente la calidad y cantidad de la producción, pero en la práctica significó la deshumanización del trabajo, convirtiendo a los trabajadores en esclavos asalariados de las grandes empresas. En la actualidad todo esto sumado al creciente desempleo, la reducción de salarios y prestaciones obreras, origina que esta película de cine de crítica, cobre vigencia...

 

 Mineral del Monte. Hidalgo., a 15 de febrero de 2015.

Carmelo Santos López

Num. de Cta. 256778

7° semestre

LA CAZA de Thomas Vinterberg

LA CAZA de Thomas Vinterberg

Es una película austera con respecto al escenario y la manera en que se fotografía, incluso las actuaciones son sobrias (pero potentes). El número de personajes es reducido y la historia es simple y lineal; no obstante, la complejidad radica en la temática de la misma.
La historia parte de una premisa universal: “todos los niños dicen la verdad”, lo que más que un dicho popular, parecería una ley atemporal que hemos preservado con toda convicción sin cuestionar qué tanto conocemos el universo emocional infantil y su acelerada evolución época con época.
La caza, precisamente parte de la incuestionable acusación de abuso sexual de una niña a su profesor, al cual acarrea conflictos sociales severos como la pérdida de su empleo en un inicio, sucedida por el escarnio público, que destruye por completo su cotidianidad porque está envuelto en una constante persecución.
Vecinos, policías, vendedores de super mercado lo repudian y al no poder verlo tras las rejas lo acosan, golpean y estigmatizan, de ahí el título de la cinta, a modo de metáfora, ya que el protagonista, cazador por hobbie, conforme avanza la trama se va convirtiendo en presa.
El cuestionamiento que surge con el planteamiento de la historia es cuántos dichos populares rigen nuestras vidas actualmente, qué tanto influyen en nuestro comportamiento y cuál es el peligro que representan para nuestro criterio.
Cuando se apela no sólo a la ingenuidad de un niño, sino también a la de un “borracho” dando por hecho la veracidad de sus palabras, ¿Quién es el ingenuo entonces?.

-Daniel Jácome H. No. Cuenta: 263695

Aguirre, La ira de Dios de Werner Herzog

Es una película muy padre, muy recomendable y una aventura que, como la búsqueda del Dorado, tendrá su eco en las generaciones que vendrán, el dorado era una de las leyendas más afamadas dentro de los conquistadores españoles es por eso que un grupo de hombres se internaron en su búsqueda en medio de la selva. A medida que avanzaban enla selva en búsqueda del oro, iban muriendo los nativos que llevaban y cada vez se iba haciendo más difícil avanzar, además no encontraban nada, por eso Pizarro, cuando logran armar un campamento,decidió dividir la expedición en dos grupos, uno se quedaría en el campamento y el otro debía ir en balsas que construirían a recorrer el lugar. La expedición que debía recorrer el lugar, quedo a cargo de Urzua, quien es acompañado por su mujer, una mujer fuerte que defendió hasta el final a su esposo, y Aguirre como segundo al mando, pero en realidad es él quiendirige del grupo con intereses personales, el va con su hija e intenta en todo momento deshacerse de Urzua para tener definitivamente el poder, también va un sacerdote para llevar a los salvajes lapalabra de Dios y representar a la iglesia católica, pero realmente tiene intereses materiales de fondo y se deja guiar por ellos, van otros hombres como Fernando de Guzmán y nativos esclavos, dentro deellos tenían un traductor que podía hablar con los indios, con el fin de que les dijeran donde estaba “el Dorado”.
 La película muestra parte del proceso de conquista de américa con la expedición de la empresa de Pizarro que avanzan por la selva. El grupo de Pizarro estaba compuesta de españoles, mujeres, nativos que eran utilizados para morir! osea para la guerra

TÍTULO: Aguirre, la ira de Dios

AÑO: 1972

DURACIÓN: 94 minutos

DIRECTOR: Werner Herzog

GUIÓN: Werner Herzog

MÚSICA: Popol Vuh

FOTOGRAFÍA: Thomas Mauch

REPARTO: Klaus Kinski, Helena Rojo, Del Negro, Ruy Guerra, Peter Berling, Cecilia Rivera, Dany Ades, Armando Polanah

EL GRAN DICTADOR

EL GRAN DICTADOR

(Opinión personal)

     Película escrita, producida y dirigida en 1940 por: Charles Chaplin; la musicalización estuvo a cargo de Meredith Willson, la fotografía bajo la responsabilidad de los fotógrafos: Roland Totheroh y Karl Struss. Los principales actores en la cinta son: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Maurice Moscovich, Billy Gilbert, Henry Daniell, Grace Hayle, Carter de Haven, y Emma Dunn. 

Participaron en el desarrollo de la historia de un barbero judío que es perseguido por el régimen de Hynkel, un dictador que se ha apoderado del país y ha iniciado una campaña antisemita para distraer la atención del pueblo de sus problemas económicos. En una cacería de judios, Hynkel sufre un accidente y es confundido con el barbero, y el barbero es tomado por Hynkel y este ultimo es llevado a un campo de concentración.

     El dictador Hynkel se propone conquistar el mundo, iniciando con un ataque al gueto judío, cuando da la orden de ataque, el coronel encargado de cumplir la orden se niega.

Cuando todo el ejército está listo para atacar, otro dictador llega con su ejército con el mismo objetivo que Hynkel. Hynkel lo recibe y le convence de que no ataque.

El dictador verdadero es apresado y encarcelado en un campo de concentración al ser confundido con el barbero. El ejército conquista el pequeño país, pero el barbero, creído dictador, en un discurso proclama la libertad de todo su imperio y la eliminación de la ideología hynkeliana. En una de las más significativas escenas de la película. El dictador tiene el mundo en sus manos y juega con él. Al intentar dominarlo y lanzarlo como una pelota que termina estallando. Una persona nunca puede dominar el mundo imperiosamente él solo. El mundo puede estallar, las revoluciones sociales, son un estallido.

Chaplin representa a dos personajes a un mismo tiempo.  El joven barbero que luchó por su país y que ahora se encuentra con un orden del mundo completamente nuevo; el segundo personaje representado es un dictador, Hynkel, que ambiciona conquistar el mundo por medio de la guerra.

El barbero defiende sus ideas y sus posesiones (lucha para que no le pinten la barbería.) Es un personaje idealista que representa la libertad y la esperanza de cambio político para sus amigos y patriotas.

Hynkel es un personaje grotesco que simboliza la mano opresora y la dictadura. Es un tirano que se apoyó en el ejército para incitar miedo a la población. Hynkel no tiene escrúpulos. En su discurso inicial critica a los judíos, más tarde necesita crédito y lo solicita a un banquero judío.

Chaplin en esta cinta defiende ante todo la solidaridad, critíca y rechaza las ideas de Hynkel. Esta comedia sátira tiene plena vigencia en la actualidad. No hemos logrado la igualdad entre los pueblos, persiste la discriminación, la marginación social y económica.

    En la actualidad se incrementó la velocidad de información y comunicación. Pero estamos encerrados dentro de ello, y somos más individualistas. La maquinaria, que pregonaba abundancia, nos ha dejado en la indigencia. Nuestra ciencia no da solución a los problemas sociales y económicos de siempre. La técnica y la modernidad están al servicio del sistema de explotación y acumulación de riqueza que gobierna al mundo, solo la solidaridad internacional de los pueblos podrá hacer frente a este sistema de explotación desmedida, y guerras que sirven a los dictadores modernos para mantener el control político y económico a nivel terráqueo. La fraternidad universal, la unidad de los pueblos y un programa político que surja de las necesidades sociales y se anteponga a la política del imperio norteamericano es la salida.

Esta película es un esfuerzo de solidaridad, este discurso anti-nazista es el discurso actual, contra E.U. y las multinacionales, quienes a través de sus instituciones como la ONU (Organización de las Naciones Unidas,  el BM (Banco Mundial) y el FMI (Fondo Monetario Internacional) imponen la política de destrucción de los pueblos en todo el mundo.

La película me gusto, no solo es entretenida. Está llena de contenido político, sátiro y crítico. Estoy de acuerdo con la crítica que el autor hace a las ideologías de su época principalmente el nazismo, esta crítica debe estar presente en el régimen dictatorial actual.

Mineral del Monte, Hidalgo., a 3 de febrero de 2015.

Carmelo Santos López.

Núm. De Cta. 256778.

7º semestre.

Paris, Texas

"Un lugar dentro de un lugar"

PARIS, TEXAS Film de 1984, dirigida por Wim Wemders ..
No es una de las películas más reconocidas de él, pero me decidí a verla por el título, algo muy importante para cualquier film, al hablar de sitios tan diferentes; pero me lleve la sorpresa de que no eran dos lugares diferentes, sino que existe un lugar en Texas llamado Paris, un lugar dentro de un lugar. El guión es como un bucle simple.
La película dura más de dos horas, es una película que avanza lento, y tiene un inicio muy enigmático, causa que alguien desee quitarla a los pocos minutos, tal vez.
En éste fil se hacen secuencias largas y los cortes son sólo para enfatizar miradas, o lugares.
El personaje principal parece ser "Travis", aunque en algunas portadas aparece Jane.
Travis es un personaje retraído, serio y lleno de culpa, lo único que busca es un lugar: Paris, Texas
Tal sitio es un sueño para él porque coloco esperanzas de familia y un futuro que nunca llego.
El film inicia con la aparición de Travis, después de 4 años de no saber nada de él, abandonando a su hijo de 4 años, dejándolo al cuidado de su hermano y su esposa, quienes lo adoptan y lo tratan como hijo propio. Para Travis, quién no muestra señales de agradecimiento o arrepentimiento, ésto le ocaciona buscar a su joven esposa perdida: Jane; así es como Travis busca un lugar dentro de un lugar, si su hijo ya estaba bien con ellos, quienes le daban todo lo que necesitaba, sabía que su hijo no pertenecía ahí, al igual que él. "Si él los separó, él debía unirlos" y así termina, se unen de nuevo, peroTravis desaparece, de nuevo..
Una vez que terminó no pude dejar de analizar la historia, éste tipo de películas, donde el guión no es sencillo, son muy recomendables.

  

"RICOTTA" LARGOMETRAJE DE PAOLO PASOLINI

Pasolini, hace una mofa a la pintura religiosa de retablo que pretendía denotar grandeza, humildad, unión y una serie de virtudes eclesiásticas ¿? que en algún momento de la historia cristiana-catolica ¿QUE PERIODO? religiosa se manejo como discurso visual,  pero que,  en la realidad fueron no mas que falsedades de la Iglesia y de los artistas plásticos (¿CUALES?), que consciente o inconscientemente ayudaron a crear la mentira. En su largometraje, mientras ocurren las escenas que se están filmando teatralmente, hay una realidad, obviamente actuada, (PUESTA ESCENA)  en algunos de sus personajes ¿QUIENES? que manifiestan hambre, un deseo por satisfacer esa necesidad, como un sueño que se anhela pueda cumplirse, sobre todo en el personaje que representa al ladrón bueno, que es crucificado a un costado de Jesucristo: Dimas.

¿Hay alguna semejanza con la realidad?, ¿podríamos responder esa pregunta con nuestro contexto social actual no tan religioso? Pienso que la respuesta es: podríamos morir crucificados por no poder cumplir  la sentencia, que algunos mas dictaminaron  sobre nosotros: la pobreza (pobreza como un termino de distintas índoles, alimentaria, económica, intelectual, humana, etcétera), una pobreza determinada a ciertas clases sociales y bajo parámetros establecidos de lo que es ser pobre, valores que encasillan a los individuos para generar creencias, deseos inalcanzables, insatisfacciones constantes,  situaciones suficientemente existenciales que no hacen otra cosa mas que degenerar al ser, pero también la realidad es que existen un montón de necesidades básicas no cubiertas, la alimentación es una de ellas, la pobreza es algo que se genera a través de las clases de poder, ya que, todos sabemos que el mundo esta abastecido para poder alimentar a  toda esta cantidad de seres vivos.

Ahora bien, la pobreza como al seudo-ladrón se castiga. A través del párrafo anterior quisiera sugerir un par de preguntas:  ¿que es robar? ¿que se roba un ladrón? ¿quien es o quienes son los ladrones?; como al ladrón bueno que fue condenado a la crucifixión, a todos se nos imponen distintas condenas para alcanzar a cubrir distintos puntos de la idea de pobreza.

Sin embargo, es interesante saber que al final de su vida Dimas reconoció a Jesús como su Dios eterno, cosa contraria en la película de Pasolini, Dimas muere antes de hacer este gesto dentro del filme, muere de hambre sin reconocer la existencia de un ser cristiano-catolico que jamas le dio nada, pero lo que si hace el actor es la petición hacia el cielo que  Dimas el ladrón bueno le pidio a Cristo en la cruz "Señor recuerdame cuando este en el reino de los cielos"como enfatizando su olvido en la tierra.

Dimas ante  un escenario, ante el publico burgués que se detiene a contemplar la desgracia de los mas pobres, un pobre que no alcanza a reconocer a su Dios ante toda esa falsedad, esa ficciòn,  que lo ha llevado a la muerte.