Hola buenas noches... Mañana no podremos asistir a clase, tendremos que salir temprano para ir a montar la exposición porque el transporte aue teniamos programado para hoy nos cancelo. Muchas gracias nos vemos el miércoles.

Stroszek

Stroszek
Werner Herzog
1977
1´47´´

El uso de cámara fija es un elemento primordial en este filme. Las tomas en planos gran generales son uno de los recursos técnicos que mas se destacan en la película, sin embargo también se hace uso de cámaras en primeros y medios planos. La línea de acción se centra en el sujeto. Aunque hay tomas en exteriores las acciones de los personajes son principalmente en interiores. La trama que se desarrolla es desalentadora.
La temática de la película hace referencia al fenómeno migratorio que se lleva a cabo hacia Estados Unidos. Los actores primarios van en busca de cumplir su utopía partiendo de Berlin, sin embargo los ambientes que encuentran al llegar a ese país son completamente distintos a lo que ellos esperaban.

Titulo: Week-end

Director: Jean-Luc Godard

Año: 1967

Duración: 1h 45m

Esta película se centra en historias relacionadas con la vida diaria, se ocupa de personajes comunes, rueda a campo abierto en escenarios naturales apenas retocados, se sirve de la iluminación natural y construye las obras como una secuencia de historias yuxtapuestas a la manera de un "collage". Ademas, se ve un color muy saturado en las escenas.

Los episodios vienen marcados por la descortesía, el lenguaje grueso, la hipocresía y la violencia verbal y física, que usan en sus relaciones habituales los personajes de la película. A ello se añaden accidentes de coches, el asesinato a sangre fría y la presencia de unos extraños revolucionarios.

A Godard lo que le interesa es mostrar un retablo artístico que sirva como plataforma para expresar sus ideas, para que luego sea el espectador el que decida o no asimilarlas.

La primera secuencia ya es una buena muestra de los intereses que refleja el filme. En ella vemos a una pareja de burgueses contar sus intimidades. La conversación que mantienen va subiendo de tono y ahí Godard pretende escandalizar al espectador.

Los visibles movimientos de la cámara, un travelling paralelo a los coches del atasco, o el movimiento en círculo, en un ángulo de 360 grados, son parte de una consciente voluntad de Godard por hacer ver al espectador la artificialidad del lenguaje cinematográfico.

La historia narra el viaje atormentado de una pareja de burgueses, Roland y Corinne, desde la miseria moral de su vida cotidiana hasta un paraíso muy peculiar. El propósito mezquino de su aventura es visitar a los padres de Corinne para arrancarles parte de la herencia. La hipocresía de la moral burguesa queda puesta de manifiesto en el plan que elaboran para asesinarlos.

Titulo: Adieu au Langage (Adiós al lenguaje)
Director: Jean-Luc Godard
Año: 2014
Duración: 1h 10m

El lenguaje es necesario, pero Godard quiere romper con él, tal y como lo conocemos. En su caso con el cinematográfico. Ha optado por la libertad más plena y para ello se ha desprendido por completo de las ataduras. No deja espacio a la continuidad, ni a los personajes, y tanto el montaje como el sonido circulan a su libre albedrío.

Ha utilizado a dos figuras humanas, un hombre y una mujer, que se encuentran, se aman, se pelean y ya no se soportan. También para ellos el lenguaje se ha evaporado. 

Entretanto, un perro omnipresente, nos recuerda que el perro es el único ser vivo que es capaz de amarte más que el amor que tiene por sí mismo. Él también piensa, pero su lenguaje es corporal.

Aparece una voz en off filosófica, como el mayoría de sus películas, que aporta la intelectualidad del lenguaje, las palabras en sonido, que conllevan ideas y conceptos

Aquí no hay historia, sino imágenes y sonidos entrecortados, yuxtapuestos, diálogos en voz alta o susurrados. Lo que se busca aquí es que los planos tengan verdadera profundidad no para aportar elementos narrativos sino sencillamente con la intención de sublimar la imagen. Mejores son aquellos segmentos en los que se abusa del contrapicado para forzar la tridimensionalidad. con colores saturados y una profundidad de campo

Se mezclan imágenes visualmente portentosas, y otras en las que hace uso de la saturación, en las que predomina el color rojo.

En ocasiones se cambia de una cámara fija, a una que parece subjetiva, en la que no tiene una estabilidad controlada.

Las teorías de los cineastas

Eisenstein, creador de sistemas

En cuanto a teoría del cine, Eisenstein es uno de los mas sistemáticos: abordó es su totalidad a los problemas cinematográficos. Su pensamiento va de acuerdo a las corrientes ideológicas y artísticas de su tiempo. El desarrollo de sus teorías se divide en tres periodos:

1.-Da fundamento a la aproximación del espectador por medio del choque y la manipulación. 

2.-Significación de la imagen; aquí la imagen ahora significara con mayor inmediatez.

3.-Es el retorno al deseo de modelización, pero con esquemas menos mecánicos.

Así, todos los periodos se vieron marcados por aquella obligación de pensar muy bien la forma, el material y el espectador.

En la lectura se habla sobre el concepto de "monologo interior", que para Eisenstein representa una posible solución a la contradicción principal del cine, que es el pensar correctamente. Este concepto, sin embargo, primero apareció como una forma para representar (en la novela) los estados anímicos y los pensamientos de la conciencia de ficción, de un personaje.

El mencionado "monologo interior" genera problemas vinculados al cine, lo que a Eisenstein interesa mucho:

-Lenguaje vs. imagen: se muestra que el elemento de discurso cinematográfico es la asociación de ideas basadas en conexiones lingüísticas. 

-Lenguaje y pensamiento: se obliga a que el discurso cinematográfico se conforme al paso del pensamiento pero sin hacer de él un instrumento de pensamiento.

-Lenguaje, pensamiento, sujeto: se concibe el pensamiento como un cognitivista y la emoción como reflexlógo. Esto según esquemas mecánicos de acción y reacción.

Promover sistemas

Promover sistemas 
Eisenstein, creador de sistemas
Las teorías de los cineastas / Jaques Aumont

Eisenstein más que ser uno de lo mas grandes cineastas de su época a la par desarrollo teorías que ayudaron a comprender el lenguaje cinematográfico. Para comprender este capitulo creo que es necesario resumir los principales aportes de este cineasta.

Las teorías de este director se desarrollan principalmente en tres periodos:

-Durante los años veinte: que refiere a "la modelización y la búsqueda de reglas para la forma fílmica"

-Los años treinta: se centra en el tema de la significación de la imagen

-Los años cuarenta: retorna al deseo de la modelización. 
la base de su actividad teórica obliga a pensar en conjunto en la forma, el material y el espectador.
A partir de sus etapas como teórico enfrenta conceptos primordiales es sus postulados como:
>El lenguaje vs la imagen; "el lenguaje es el vehículo obligado del sentido y la imagen representa la manifestación sensorial de la abstracción del lenguaje que debe modelarse a partir del discurso verbal"
>Lenguaje y pensamiento; la base del pensamiento radica más en la imagen que en el lenguaje. 
>Lenguaje, pensamiento y sujeto; Einsenstein no dispone de teorías sobre el sujeto. "Concibe el pensamiento como un cognoticista  avant la lettre y la emoción como un  behaviorista, según esquemas puramente mecánicos de acción y reacción"
Aunque plantea a el sujeto, su teoría es deficiente sobre este concepto.
Sus aportes sobre la imagen en movimiento, a mi criterio se centra en uno de los elementos de la comunicación, el mensaje, y la manera en la que se debe de interpretar debe ser a partir de la forma en que se transmite comprendiendo el entorno del que se parte.

FITZCARRALDO

Esta película narra la historia de un hombre llamado Fitzgerald, mejor conocido como Fitzcarraldo un hombre que acaba de regresar de las indias para seguir su sueño de hacer una  opera .La película inicia con una panorámica mostrando un escenario con arboles destruidos y con un mensaje diciendo que a esas tierras los indios la llaman Cary Yaku por que son obras inacabadas de Dios y solo serán terminadas si el hombre deja de existir. En la película podemos  ver una crítica de como el hombre arrasa con la naturaleza para poder realizar su propia obra  y de esta forma beneficiarse el mismo.”La tenacidad humana se enfrentará a la agresividad de la naturaleza, haciendo saltar, si es necesario, un barco por encima de una colina, para hacerlo pasar de un río a otro” (Aloha Criticón).

 Esta película  recuerda un poco “Aguirre la ira de Dios” y “Cobra Verde”, debido a que estas tres (junto con el film de Fitzcarraldo), narra la historia de una expedición que hacen estos personajes interpretados por el actor Klaus Kinski, lo que tienen en común estas tres películas son la situación que dejan los seres humanos  para esclavizarse a si mismos y poder realizar obras que les beneficie y al perecer esta película, lo tiene bien marcado debido a que cuando Fitzgerald hace su expedición en barco y esclavice a los indios, para hacerle destruir sus tierras  y construir su obra de teatro . Herzog  quiere mostrar en estas obras (Aguirre la ira de Dios, Cobra Verde y Fitzgerald)  como el hombre es capaz de iniciar una batalla y destruir todo a su paso y esclavizar a otros hombres solo para poder beneficiarse de él mismo.También se llega a parecer un poco la trama de la historia de Aguirre por el sentido de que son atacados por los indios.

Fitzcarraldo hara todo lo posible por poner su obra  de teatro desde tratar de negociarcon un hombre llamado Don Alquilino, y hasta cerrara una iglesia, pero aun así la gente lo tomara como un loco por seguir sus sueño de hacer una obra de teatro y conseguirá un barco para armar su expedición.

La pelicula de herzog es sorpredente en la imagen, haciendo uso de sus planos en gran general para mostrar sus paisajes o escenarios e incluso los planos medios para  enseñarnos la situación emocional que tiene el personaje, las escenas que  se consideran mas importantes son: cuando Fitzgerald (Klaus Kinski) cierra la iglesia para poder hacer su obra teatro-escena en plano medio, cuando llegan a una fiesta(Molly y Fitzgerald) y Fitzgerald se le ocurre poner una música de opera, pero se va porque  no “según no saben apreciar su talento”-escena en plano general- y medio cuando reclama Fitzgerald. También en el momento en el que toman a los indios para realizar su obra-escenas en plano gran general y destruyen sus tierras. Otras de las escenas que tiene mayor importancia para la película  y que inicia todo el proceso de la expedición –plano general- es cuando Molly negocia Fitzgerald y le dice que se olvide del hielo que tanto lo había pensado y que mejor consiga un barco para la expedición. Esta escena es magnifica por el manejo de la luz natural y por el manejo del guión esto es una de las cosas que mas agradan del director Werner Herzog el manejo de su luz en exteriores y su guión que parece ser muy poético, puede tener  importancia o no. Por ejemplo en la película-medio plano-  cuando Molly y Fitzgerald están hablando de crear un teatro en el Amazonas, Molly menciona que Fitz es capaz  de mover una montaña debido a que es un soñador. Aunque no sabemos si se refería  a  destruir el Amazonas para crear a su obra. Esta película tiene mayor importancia para Herzog, no solo porque haya ganado en tres festivales, sino porque engloba esa parte de la destrucción de los hombres hacia los  medios naturales y hacia ellos mismos. Fitzcarraldo es un hombre que quiso mover una montaña para poder construir su mayor obra, por esta razón se le ocurrió  hacer una  expedición y explotar a los indios, solo por el motivo de construir su mayor obra (su opera).