LA REALIDAD AUTOESCRITA DE PASOLINI

El  cineasta debe estar consciente de lo que ve y su propio entorno, debe ser capaz de capturar la realidad para reproducir imágenes de una forma más fiel. Esto parece ser muy importante para los creadores del cine. Pues ésta es su manera de conocer al mundo, de otro modo el cine no existiría, las imágenes parecen ser su modo de representar, recrear o simbolizar la vida. Sin embargo el cine es una de las herramientas  visuales  que parece ir más allá de todo, ya que las imágenes parecen darle un movimiento. Como se  había dicho anteriormente el cineasta necesita del entorno para poder crear una obra cinematográfica (necesita de la visualización del mundo para hacer una película), este es el modo en que el cineasta puede estar consciente de lo que hace para crear nuevas imágenes, de otro modo caerá en un cliché mal elaborado. Las  imágenes  parecen ser un modo de pensar tanto para los que hacen cine, como para los artistas, es su modo de seducir e informar al espectador, con ellas son capaces de crear símbolos o signos que le ayuden al cineasta o al artista a interpretar su obra, cuando nosotros vemos una película o una pintura y tratamos de analizar cada uno de los símbolos que se encuentran en la pintura, parece como si  contáramos una historia al momento de intentar interpretarlos. El  mundo parece ser su gran apoyo visual, su gran herramienta de trabajo y su  manera de retratar a la vida, con él es capaz de recrear nuevos símbolos. “Pasolini  declara que las imágenes fabricadas, significantes, son signos- imágenes, insignios que compara los signos lingüísticos o linsignos”(Aumont J, pág. 75) .

La semiología es una de las ciencias utilizadas por la mayoría de los artistas, pues esto les ayuda a crear símbolos o interpretar obras de otros artistas o de ellos mismos. Pasolini hace una división de lo que vemos en la realidad con lo que intentamos reinterpretar en la obra cinematográfica, llamándoles encuentros naturales (los que percibimos en la realidad) y encuentros simbólicos, estos a su vez parten de dos clases de estrategias de interpretación, el primero se basa en lo que vemos alrededor del mundo, los segundos, es una estrategia para comunicar. Cuando nosotros analizamos una obra de arte, primero vemos lo que contiene la obra, las imágenes que solemos reconocer, no intentamos actuar como un experto que sabe acerca de la obra; es  decir, sólo decimos lo que está en la pieza. Las segundas partes son las  que intentan analizar la obra y de lo que podría decirnos. En una obra cinematográfica suele ser más laborioso analizarlo, no solo porque son varias imágenes que se enlazan para crear una sola obra, sino porque la obra suele estar montada de diálogo y música que le ayuda a su ambiente.

Las imágenes le ayudan a los cineastas a crear historias y a poder escribir sobre ellas. “Pasolini define el cine como la semiología en naturaleza de la realidad: de entrada, simple reproducción de la realidad visual, el  cine se convierte luego en una lengua escrita (Aumont Pág. 76), para Pasolini el cineasta es un gran escritor que sabe enlazar imágenes para darles sentido, no sólo es capaz de recrear la realidad, sino también es capaz de apuntarla, está consciente de su entorno y de su ser.  ”El cine es esa paradoja, la de una escritura cuya distancia simbólica con lo que escribe, no  acarrea consecuencias ontológicas: la realidad escrita no sólo queda intacta sino  que, si así puede decirse, es todavía más ella misma, puesto que es expresada. Las imágenes les ayudan a los artistas y a los cineastas a crear poesía visual.

DÍA DE PAGA

Es un cortometraje mudo dirigido por Charles Chaplin(1922) que muestra al hombre con sus típicas condiciones de trabajo. Este es uno de los cortometrajes que realiza una crítica al propio capitalismo y que muestra las situaciones en que se encontraban los ciudadanos estadounidenses antes de la llamada Gran Depresión de 1929. La película muestra una crítica hacia al capitalismo, al igual en que lo va ser en Tiempos Modernos en 1936, solo que en este film no muestra  a unos hombres trabajando en una gran industria, sino a unos típicos hombres holgazanes que se encuentran en muy malas condiciones, que son dirigidos por un jefe o un capataz que no les suele pagar muy bien. Este film esta lleno de escenas graciosas(denominados Gags), como cuando a Charlotte lo deja  su transporte y no pueda entrar por el motivo de que se llena el tranvía, en muchas ocasiones al final vemos que Charlotte no llega a alcanzar ningún tranvía e incluso confunde un transporte con un carro que vende salchichas. Al final, el famoso  personaje de Chaplin llega a rendirse y termina yéndose a pie (toma en gran general y general).

También tiene algunas escenas poéticas y coreográficas, como es la escena final cuando llega con su mujer y se duerme en una bañera (General)  y cuando le avientan unos ladrillos para acomodarlos. En esta película muestran claramente el  clásico humor que tenia el actor o director para poder burlarse de las típicas condiciones sociales. Al parecer las escenas mas importantes de Chaplin se encuentran en un gran general, pero cuando el personaje presenta  una situación emocional, la toma suele estar en un plano medio.

El film comienza con un gran general, unos albañiles trabajando con muy poco entusiasmo dirigidos por su jefe o capataz. Cuando de repente llega Charlotte un poco tarde  y se disculpa con su patrón entregándole una flor  y comienza  a cavar, pero de una forma lenta, y en eso le dicen “Trabajas por hora, no por gramos”, esto hace que el jefe quiera cambiarlo de puesto y además para que trabaje a mayor velocidad. Al parecer Charlotte  hace todo lo posible por llevarse bien con su jefe pero le sale todo mal al principio, e incluso llega a huir de él, por ejemplo existe una escena donde Charlotte intenta escapar de su jefe, y se enamora de su hija.

Uno de los gags más largos que tiene la película es cuando los obreros están descansando y Charlotte  se llega a comer el almuerzo de la mayoría de los empleados y del jefe, debido a que lo dejan en el elevador, Charlotte toma un plátano del jefe y un pan de otro empleado, que le introduce una salchicha como si fuese un saca corchos(tomas en plano general).

Mas adelante vemos que al final de todo, Charlotte llega con el jefe y  le reclama las horas no pagadas. Aquí vemos un Charlotte diferente a las demás películas, debido a que en éste, el personaje no parece estar en un nivel económico bajo (como en otras  películas como El Chico o Vida de perros), sino que se presenta como un personaje de status medio con un clásico problema de la vida cotidiana. Sin embargo el personaje de Chaplin ha tenido varios oficios como: bombero, barrendero, boxeador, etc. y en este caso lo vemos como un peón. Sin duda esta es una de las películas mas divertidas que ha realizado el director (Charles Chaplin)

CONCLUSIÓN

Esta es sin duda una de las películas mas graciosas y humorísticas que tienen Charles Chaplin, llena de gags  que se burlan de la vida cotidiana como cuando Charlotte llega tarde al trabajo, o cuando es corrido por su  esposa. La cámara de este cortometraje, permanece fija y los famosos Gags están en un plano gran general.

Entre naturaleza y absoluto

La imagen puede decirnos muchas cosas una vez que nosotros la vemos. Es un lenguaje mudo que se llega a transmitir por medio de la experiencia visual que tiene cada uno, gracias a la imagen podemos revivir experiencias o podemos  contarlas a través de la memoria.

 Los artistas saben cómo utilizar la imagen para transmitir un mensaje de protesta  o hacer una metáfora visual, son los que se encargan de dar un mensaje al público a través de su obra utilizando varios medios: pintura, escultura, instalación, intervención, etc.

Los cineastas son como una especie de artistas narrativos, saben de qué manera utilizar la imagen para contar sus experiencias que tienen a su alrededor, encapsulan el mundo a través de su cámara. Los cineastas como los artistas son  poetas visuales, deben saber cómo reconstruir una imagen y saberla contar. También pueden transmitir un mensaje y hacer una crítica o realizar historias. La imagen es una poesía para los artistas, se pueden convertir en símbolos o alegorías por medio de lo que observan.

El arte al igual que el cine no solo ofrece poesía visual, también es una prueba de que nosotros existimos en este mundo, por eso entre las artes, el cine es una de las más fieles  y superiores a  cualquier otra, ya que ofrece realismo y  naturalismo a la imagen, es  capaz de darle vida y forma. Según Tarkovsky.

 “El naturalismo es la forma de existencia de la naturaleza en el cine” (Aumont J, pág. 69). La imagen cinematográfica está conectada con la realidad, da a entender como es el mundo en el que vivimos y es una evidencia de ello.

Los cineastas deben utilizar sus experiencias vividas para poder hacer una narrativa o un poema, debe captar el mundo tal y como es  y debe revivir sus historias para filmarlas, cada cineasta ofrece una mirada y una percepción distinta a lo que es la vida por lo tanto ofrecen una filosofía distinta en su imagen. “Cada obra debe ofrecer sus propias leyes y procedimientos para formular de manera adecuada la relación que mantiene con la realidad” (Aumont J pág. 69). El cineasta siente empatía con la vida, sabe cómo darlo a conocer y poder reinterpretarlo.

”Tarkovski parte de una tradición de la imagen cuyo origen se remonta a la teoría del ícono. La imagen siempre se concibe bifronte: una vertiente representativa, que la impulsa hacia el mundo (y construye su garantía referencial)” (Aumont J, pág. 69-70). La imagen debe ser verdadera, debe mostrar la vida en la que estamos presentes, por medio de ella podemos revivir historias y experiencias. ”La imagen crece por si misma, vive por una vida propia, “tiende al infinito”, por medio de ésta se forma un pensamiento autónomo distinto a lo verbal (Aumont J, 2008)  

Para que una imagen cinematográfica pueda comunicar el mensaje que se genera, necesita apoyarse  de otros medios como es la música  o el diálogo, para darle un sentido a la imagen. Los cineastas deben crear sus propias imágenes y tratar de ser originales, no tratar de hacer plagios o usar otras imágenes para poder crear las suyas, sino se llegaran a convertir en un cliché. El artista o en este caso el cineasta debe ser capaz de pensar en las imágenes que tiene en su contexto, en la vida nosotros estamos rodeados de imágenes que determinan cómo es nuestro mundo y es un deber del cineasta poder reinterpretarlo con su cámara, debe contar o simbolizar la verdad que tiene a su alrededor.” La imagen artística es única e indivisible, y aparece en un plano distinto, no intelectual”.

ENTRE IMAGEN E IMAGEN

La imagen es algo con lo que trabajan los artistas, puede ser modificada, intervenida, modulada o afectada, según el espacio que se genera en dicho campo. Esta es la parte esencial que tienen los artistas, ya que con ellas  imaginan, sueñan o crean sus pensamientos más profundos para después plasmarlos sobre sus obras. La imagen también es un modo para recrear o representar la propia realidad que tenemos presente. Los artistas son más conocidos por ser poetas de la imagen y el cineasta está consciente de esto, debido a que con esto escribe sus historias para enlazar sus imágenes. Según Hollis Frampton “el cineasta no trabaja con el contenido de las imágenes sino con la imagen misma, con el arte de hacer imágenes. El objeto de su arte es, para el cineasta, el arte de las imágenes en movimiento y nada más” (Aumont J, pág. 73) a diferencia de otros cineastas como Bresson que les importa el encuentro o el azar que dependen principalmente de la observación para poder crear, a Frampton parece importarle lo que parece ser el manejo de la imagen. Sin embargo no podemos rechazar el contenido de que el cineasta debe estar consciente de la realidad en la que vive para poder generar o crear una obra.

El cine es una de las artes encargadas de darles vida y movimiento a las  imágenes, es por eso que es una de las artes más fieles en cuanto se trata de representar la propia realidad o incluso poder modificarla o intervenirla como es el caso de  los  Letristas de Isodure Isoue, cuando crearon la película de “Tratado de baba y eternidad” que no fue bien recibida por la crítica por  hacer una obra no tan convencional en el cine donde rayan algunos films. Esto deja cuestionar a veces sobre la propia fidelidad que tiene el cine. Para Frampton el cine es un registro de la vida, es algo encargado de dejar una huella fiel a los lugares donde existió y no existió. La luz es algo que le funciona a los artistas para modificar una imagen, nuestro haz luminoso permite gestionar el vacío (Aumont J, 2008). Frampton entronca el  cine con el arte Pop y el Arte conceptual por la unión de las imágenes-palabras y por la visión moderna que tiene del mundo. Sin embargo la visión del cineasta Peter Kubelka parece recordar a  una visión más del movimiento futurista (encabezado por Fillipo Tomasso Marineti) o al Op Art debido a que postula lo siguiente: “El cine no es movimiento. El cine es una proyección de imágenes fijas […] a un ritmo muy rápido. Y desde luego, uno  puede provocar una ilusión del movimiento, pero se trata de un caso concreto, y el cine fue originalmente inventado para dicho caso concreto”-sí recordamos esas vanguardias veremos qué su intención era representar o aparentar el movimiento. Entonces si los vemos de la siguiente forma, el cine tanto puede ser algo fiel por reproducir la realidad, pero también puede llegar a ser una ilusión de movimiento, si lo pensamos de la siguiente forma esto es cierto,  el cine es la unión de varios fotogramas unidos para crear una película como es el caso de Muybridge uno de los fotógrafos que logró captar el movimiento de un caballo en cada fotograma. Últimamente se realiza lo que parece ser los stopmotion, es un tipo de animación creada a base de varias fotografías que intentan crear una historia a partir de un movimiento, podría decirse que Muybridge es uno de los primeros en crear algo parecido.

Los cineastas están unidos con las imágenes pues el único medio en el que pueden comunicarle al espectador sobre la vida y su manera de pensar,  perece tener un poder religioso sobre ellos. Sin embargo hay que poner de un lado la imagen como la realidad. 

EL INMIGRANTE

Cuando los europeos estuvieron en guerra -la primera guerra mundial-, hubo la necesidad de inmigrar a la tierra prometida o el “lugar donde los sueños se hacen realidad”, Estados Unidos(New York). Después de París este país, fue uno de los grandes promotores del arte  y se encontraban varios artistas de vanguardia que  se desarrollaron  en este lugar como los Dadaístas  o los surrealistas (1920). La película de Chaplin se ubica en el año de 1917 en esta época en que los Estados Unidos le declararon la guerra a los imperios centrales, lo que le dio a la contienda el carácter mundial. No obstante, sus efectos no se sentirían sino hasta 1918. El hecho que motivó el ingreso de Estados Unidos en la guerra fue el hundimiento del Lusitania el 7 de mayo de 1915, donde murieron 128 estadounidenses, por un submarino alemán. Este hecho provocó un fuerte rechazo en Estados Unidos, que se preparó para entrar oficialmente en guerra al lado de los aliados” (Wikipedia). La película demuestra una postura anti americanista. En Estados Unidos Charles Chaplin fue acusado de ser comunista, aunque muchas veces él declaraba lo contrario, ya que él decía que  defendía al ser humano, por esa razón decidieron hacerle un juicio.

La película comienza con un gran general mostrando un barco que va directo hacia Nueva York  y muestra a Charlotte (el vagabundo noble), agarrándose del barco como si estuviese mareado, pero después de unos segundos -en la mayoría de las escenas de la película muestra como si el barco se tambaleara de un lado al otro-, nos damos cuenta que estaba pescando. En ese momento tira al pez -por estarse moviendo-, hacia los otros inmigrantes que se encuentran dormidos. Después de eso aparece un hombre barbudo que se encuentra mareado y  en el momento de que se sienta con Charlotte (plano general) comienza a tener hipo, la escena parece estar coordinada con la  música como si fuese una coreografía. Luego de  eso llaman a todos los inmigrantes a comer (plano general). Al momento en que se sientan, el barco sigue tambaleándose de un lado a otro, lo que provoca que Charlotte se tropiece con una señora y que  cuando sirvan los platos se dirijan de una persona a otra, es ahí cuando Charlotte (el vagabundo) conoce a una mujer (Edna Pruviance) que se encuentra en un problema económico.

Charlotte para ganar un poco de dinero  hace unas apuestas con unos pasajeros del barco y llega a tener mucha suerte que llega a ganar una y otra vez. –esto lo hace ganar mucho dinero- Pero cuando ve la situación en la que se encuentra la mujer (Edna Pruviance), Charlotte decide ayudarla entregándole un poco de dinero mientras no se da cuenta. En ese momento uno de los marinos se da cuenta de lo que hace y llama a Charlotte y a la dama para que se dé  cuenta de lo que hizo Charlotte.

Al final cuando los migrantes llegan a la tierra prometida (Estados Unidos), son  detenidos por una cuerda para que salga uno por uno, primero sale la mujer y después Charlotte. En ese momento Charlotte se va  a ver involucrado en un lío cuando decide entrar a un restaurante, después de reencontrarse  con la mujer del barco. Hay un hombre desconocido que no quiere pagar la cuenta, así que los empleados del bar deciden darle una tremenda paliza. Eso hace que Charlotte  se quede preocupado por la situación económica en la que se encuentra. Charlotte hace todo lo posible para evitar el problema, desde pedirle un café a la mujer (Edna Pruviance), hasta agarrar una moneda que se le cae al malvado mesero.

Está película es algo atrevida debido a que maneja una crítica  a uno de los países más poderos  del mundo (Estados Unidos),ya que  es un descontento de Chaplin hacia ese país por haberlo expulsado y haberlo denominado comunista.