Las teorías de los cineastas

 

Vertov y el encuentro

Desde pequeños, nuestros padres nos obligan a decir siempre la verdad. Cuando mentimos, la mayoría puede notarlo. Pero ¿en el cine como podemos saber que nos están mostrando una realidad? ¿Es necesario estar en tiempo real para poder decir que un suceso fue verdad?

Este cineasta soviético, Dziga Vertov, entiende al cine a partir del concepto kinoglaz, como algo que debe mostrar y hacer comprender al mundo en el que vivimos. Esta reproducción de lo real tiene que estar lejos de una subjetividad, dando prioridad a lo cívico en lugar de lo artístico. 

Sobre una base ideológica y conceptual, Vertov inventa el concepto de intervalo, que da apertura al montaje cinematográfico. Es lo que separa dos fragmentos de una misma película: en un movimiento entre las imágenes. Crea un cine de discontinuidad visual, donde cada momento d la película debe proporcionar una parte del mensaje total. Con esta definición quería también fundamentar un tipo de cinematografía no narrativa. Organiza los fragmentos filmados de la vida real, creando un orden rítmico, lleno de sentido en relación los unos con los otros. 

La originalidad de Vertov reluce en la no ficción de sus rodajes. 

Estando en tiempo real frente a los sucesos, solo seremos capaces de mostrar un fragmento de esa realidad, pues algunas cosas siempre serán invisibles ante nuestros ojos, pasando desapercibidos. Incluso en la vida cotidiana, queriendo mostrarnos tal cual somos, siempre estaremos sujetos al impedimento de algunos aspectos.

Los comienzos

El cine es una de las herramientas mas fieles que tiene el Arte, es capaz de reproducir la  verdad y contarnos una historia que puede ser grabada por medio de una cámara y llevada a la pantalla grande (convirtiéndolo en una película o un cortometraje).Es una de las principales artes que pueden copiar la vida de la manera mas exacta posible, debido a que puede captar  imágenes en movimiento.

Un verdadero director de cine debe saber como planificar una escena y llevarla en el tiempo y en el lugar que desea realizarla, tiene que saber donde colocar a sus actores en medio del entorno que les tiene rodeado. El director tiene que saber el equilibrio entre el guión y la de su propio film. Según Andrei Tarkovsky “En el cine la puesta en escena está destinada a emocionarnos a afectarnos vitalmente por la probabilidad de las acciones que se nos presentan por la belleza y profundidad de sus imágenes” (pág. 44). El cine debe ser capaz de contarnos una verdad absoluta, es por esta razón que el guión, los actores, la escena o el ambiente en que se encuentran rodeados deben actuar entre si. Es una de las artes que debe captar las emociones y sentimientos  de los  seres humanos profundamente, es por eso que es una de las Artes que puede captar la vida de manera perfecta o fiel a diferencia de otras artes.

Andrei Tarkovski menciona que debemos ver el cine y la literatura de forma distinta, pero aun así hay veces que estas dos se llegan a apoyar para la realización de una obra. Las partes que podríamos diferenciar de la literatura y el cine; es que la literatura trata de narrar una historia de manera concisa al espectador o al lector y hacer que éste se la  imagine, mientras que el cine es capaz de llevar esta historia a la propia realidad. Para elaborar un guión cinematográfico de la manera más fiel posible, el autor o director cuenta con dos opciones posibles: basarse en la novela literaria o contar con sus propias experiencias. La historia que es narrada, debe ser contada de principio a fin y conmover  al espectador.

En el libro “Esculpir el tiempo”, Tarkovski  pone de ejemplo una película que realizó en base a una novela que se llama Iván del autor Bogomolov titulada  “La infancia de Ivan” que según él autor expresa que le pareció una novela indiferente debido  a que el personaje se encuentra ambientado en una situación de guerra, pero en esta obra fue de gran ayuda para el propio Tarkovski debido a que pudo poner a prueba sus propias habilidades como cineastas, separando la literatura del cine y enseñándonos la diferencia entre una obra  cinematográfica y una obra literaria. En las obras literarias es necesario que el propio espectador imagine el lugar y el tipo de ambiente que se encuentran los propios personajes, mientras que en el cine el propio director debe interactuar con ellos para darles una sensación de vida .Tarkovski quiere dar entender al separar estas dos vertientes de cine y literatura que hay obras específicamente para serlas llevada a cabo a  una función cinematográfica, mientras que hay otro  tipo de obras que solo deberían permanecer como obra literaria, según  el  expresa lo siguiente en su libro.

“Hay obras de las que se le ocurrirías hacer una película  a quien despreciaría por igual el cine y  la literatura .Me estoy refiriendo a aquellas obras maestras que demuestran  que su autor es absolutamente  único: por la unidad  de todos sus elementos, por la precisión  y la independencia de sus imágenes” (Tarkovski, A. pág. 34)

“AGUIRRE LA IRA DE DIOS”.

De Werner Herzog

Es una película dirigida por Werner Herzog, que narra la historia de unos hombres montando una expedición hacia a Américas y llevando a su alrededor a cientos de esclavos indígenas (la historia se remonta en el año de 1560) bajo las órdenes de Gonzalo  Pizarro, para  ir en busca del Dorado. En el día de Nochevieja, la expedición agota sus recursos, lo que les dificulta continuar su trayectoria. Para esto Pizarro invoca a sus mejores hombres entre ellos a Pedro de Ursúa (Ruy Guerra) como comandante del convoy, a Lope de Aguirre (Klaus Kinski) como su segundo al mando, al representante de la familia real española Fernando de Guzmán (Peter Berling) y al hermano Gaspar de Carvajal (Del Negro) para extender la palabra de Dios. También acompañan a la expedición, en contra de la opinión de Pizarro, la prometida de Ursúa, Inés de Atienza (Helena Rojo), y la hija adolescente de Aguirre, Flores (Cecilia Rivera). Durante el trayecto este grupo de hombres se encontraran con varios problemas, como el primero que fue cuando se le deshabilita un de sus balsas en un remolino y quedan  ante la imposibilidad del resto del grupo de rescatar a sus pasajeros. A la mañana siguiente, la embarcación aparece con su tripulación muerta y con dos desaparecidos. Ursúa propone rescatar los cadáveres para un entierro apropiado.

Al momento de que sus balsas quedan totalmente destruidas. Ursúa decide volver con Pizarro,  pero Aguirre  decide no seguir las órdenes y les ordena a sus hombres a construir otras balsas dice a sus hombres que intenten conquistar  el Dorado, tal como lo hizo Hernán Cortéz con México.

Durante toda la historia que se desarrolla durante el film veremos cómo los hombres desatan su propia ira al pronunciar la palabra de Dios y veremos algunas atrocidades que cometerán los soldados contra los indios y contra ellos mismos poco a poco, hasta quedarse Aguirre sólo. En la película veremos cómo se desata una batalla entre los seres humanos entre los indios y los españoles.

También los soldados saquearán las tierras de los  indígenas,  pero en una de ellas saldrán corriendo debido a que encontrarán restos de cuerpos humanos y supusieron que había caníbales en esa isla. A medida de que avanzan los soldados se quedan sin provisiones y echan al único caballo que tenían al río que les estorbaba

Cuando los soldados  continúan su expedición se encuentran, con un grupo de indígenas que van a bordo de una canoa y uno de los indios que iba con ellos andaba  traduciendo todo lo que decían los indios. Uno de los que andaba con él observó que tenía un collar de oro y le preguntaron de dónde lo había sacado. En esta escena hace recordar un poco a la evangelización debido a que Carvajal  le enseña una biblia al indio diciéndole que tenía todas las respuestas, el indio como respuesta de burla se pone el libro entre las orejas y le dice que no dice absolutamente nada y lo mandan ejecutar por decir esa clase de blasfemia. Al final veremos Aguirre solo en la expedición y con sus hombres muertos.

La película está grabada con luz natural y la mayoría de las tomas que utilizan, se encuentran en un encuadre de gran general, cuando el grupo hace su expedición, algunos de medio plano llaman la atención, por ejemplo cuando se muere la hija de Aguirre  o el final  cuando viaja con los monos. La historia de la película no conmueve mucho, lo que creo que llama la atención es la música del grupo Popol Vuh de Alemania,  que le ayuda a componer la música de sus películas y la actuación seria de Klaus Kinski. También llama la atención la escena principal donde se ve la expedición de los indios.

Las teorías de los cineastas

Las teorias de los cineastas - Jaques Aumont

Bresson y el encuentro

En su libro, Notas sobre el cinematógrafo, aborda una de sus nociones mas célebres, la de modelo, que en el campo de las artes visuales se comprende como la figuración. 

A partir de esta teoría Bresson afirma que el actor es un modelo que y que al estar frente a una cámara produce figuras. Esto gracias a la labor del cinematógrafo, que a través de su trabajo modela esa figuracion mediante la invención de la imagen y el montaje. A partir de mi experiencia la figuracion en el cine es posible, ees válido el uso de cualquier recurso para lograr un efecto. Creo que de ahi deviene este apartado en el que el director modela. Los cambios son posibles cientos de veces.

Bresson también afirma que la verdad sólo es atribuible a la misma realidad, quien debe hablar es lo real y no un personaje, un guión o un escritor. Sin embargo considero que a pesar de que trata de transmitir una realidad, el espectador se encuentra sometido a la percepción del cinematógrafo pues  solo muestra su propia percepción y no olvidemos que ante todo hay un encuadre de por medio que limita la realidad. Fuera de el no existe nada mas. 

En el escrito nos encontramos con la afirmación de que el trabajo del cineasta consiste en provocar, identificar y comunicar, la cuál considero asertiva. Quiero suponer que a partir de esto es como el cine se equipara como una disciplina artistica. Va mas allá de una tecnica, pues su finalidad es la de provocar emociones.

Bresson enfatiza mucho en mostrar la realidad, pero solo es su realidad. No es una realidad absoluta.

Las teorías de los cineastas - Jaques Amount

Vertov y el intervalo

Dziga Vertov forjó el concepto de intervalo, alejandose del concepto de distancia. Para él significa solo lo que separa dos fragmentos de una misma película, mejor dicho que cada momento de la película debe proporcionar una parte del mensaje total y de su verdad . El intervalo es una fuerza de diferenciación.

En este intervalo es importante abordar un nuevo concepto el cine - ojo que es una herramienta para ver el mundo tal y como es realmente con vistas a la construcción del comunismo. Vertov propone un cine de los intervalos basado no ya en el movimiento por el espacio sino en la cualidad pura del movimiento.

Como socialista propone que el cine sirve para comprender el mundo en el que vivimos y debe mostrarlo todo de manera explicita. Pero para hacer ver cómo uno quiere se debe recurrir al montaje.

Algo muy importante que propone Vertov es que para organizar lo real visible al espectador eso real debe ser visto realmente, es decir, que el director debe mostrar las cosas tal y como son sin estar sujeto a prejuicios de cualquier índole. 

Vertov postula que el cine debe hacer ver lo real pero de igual manera que Bresson no se da cuenta que todo esta sujeto a un encuadre y su percepción. Presenta lo que para él significa verdadero. Y así como lo menciona el autor tal vez su propuesta sólo se trata de una utopía. Para mi es difícil que alguien se atreva a presentar una realidad cien por ciento veridica, siempre hay de por medio una limitacion.

Libertarias

LIBERTARIAS 

                                                                                          

 

    Director: Vicente Aranda

    Duración: 125 minutos 

                 País: España                

Esta película me la recomendó una persona, la cual se dedica a recolectar botellas de plástico y a la venta y compra de chatarra, su nombre es Felipe Soriano.

La historia comienza en un convento de monjas, donde una de ellas escapa de las guerrilleras anarquistas pertenecientes al producto de la Guerra civil Española, y rescatada por ellas, tras ser víctima de un intento de violación por parte del sacerdote de ese convento. 

A partir de este suceso la monja se vuelve parte de ese movimiento; ayudando en cuestiones de su alimentación y atendiendo a los caídos. 

Por otra parte transcurren diversos percances por lo que se ven inmersos en combates, de donde las guerrilleras salen victoriosas.

Después de grandes triunfos e ir por la última batalla, son emboscadas por el ejército contrario, tras ser interrogadas y no decir nada son asesinadas brutalmente. 

Lo rescata-ble de esta película es que para el tiempo en el que se sitúa, el papel que jugaba la mujer era totalmente opuesto a los ideales de las mujeres anarquistas, ya que su ideología era en contra la iglesia, el poder que ejercía el hombre sobre ellas y contra aquellas mujeres que tenían una actitud sumisa, a quienes trataban de persuadir. 

Esto se puede observar con los dos tipos de mujeres que se presentan dentro de película, la primera es la monja que representar a la mujer sujeta, reprimida y que tras el trascurso de la historia comienza a liberarse y el otro tipo de mujeres las libertarias, mujeres decididas, sin temor a defender sus ideales hasta el punto de poner su vida en riesgo, 

Algo que comenta el Sr. Felipe con respecto a la película es que hacia referencia a que esas eran mujeres valientes, entregadas y no como en la actualidad donde lo que le preocupa algunas mujeres solo es verse bien y dejan a un lado su libertad. 

Es por eso que llegó a la conclusión que a pesar de la etapa en la que nos encontramos de aparentemente más libertad, creo que la mujer a disminuido su actividad y se a dejado envolver por un mundo de vanidad

Auf Wiedersehen Ramón... (Guten Tag Ramón)

 

Director: Jorge Ramírez Suárez

Año: 2014

Duración: 133 minutos

 Recientemente tuve la osadía de ver Guten Tag Ramón, una película realizada en locaciones como Alemania y México y con actores también de ambas nacionalidades. Resultó ser que me fueron robadas poco más de dos horas de mi vida.
Recuerdo que cuando esta película estaba en cines me llamó la atención por su portada y el nombre de la película y hasta quise entrar a verla. Ahora que la vi, puedo decir que es una película con una idea gastada, nada propositiva, reiterativa, predecible y cursi. Lo único diferente a la mayoría de películas de migrantes, es que Ramón se va a Alemania con la idea de hacer dinero. Después de una serie de desventuras y aventuras en un país extranjero en donde no conoce el idioma, tiene el final más feliz de todos volviéndose rico por la caridad de una anciana que conoció en su breve estadío en el país europeo. ¡Y además él se pone feliz!, yo no podría aceptar tal suma de dinero sabiendo que no hice nada para merecerlo, todavía la lotería me parece más justa. Así mismo hay escenas que no tienen razón de ser y pudieron ser omitidas pues no enriquecieron la película. Una de ellas es cuando Ramón rayaba zanahoria y Ruth, la anciana, lo confunde con que se masturbaba, y por caridad lo lleva a una “casa de citas”.
Las actuaciones son otro punto malo pues no son lo suficientemente buenas por parte de los actores mexicanos. Los diálogos forzados y las frases repetitivas la vuelven tediosa. Además está la participación del protagonista, que si no está sonriendo, está llorando. Como espectadora no me sentí empática hacia él, hasta logró caerme mal.
Las imágenes del film se quedaron dentro del estándar en lo normal, no son malas ni sorprendentes.
Como muchas películas mexicanas, resultó ser, para mí, una telenovela larga.

Los comienzos

El cine es una de las herramientas mas fieles que tiene el Arte, es capaz de reproducir la  verdad y contarnos una historia que puede ser grabada por medio de una cámara y llevada a la pantalla grande (convirtiéndolo en una película o un cortometraje).Es una de las principales artes que pueden copiar la vida de la manera mas exacta posible, debido a que puede captar  imágenes en movimiento.

Un verdadero director de cine debe saber como planificar una escena y llevarla en el tiempo y en el lugar que desea realizarla, tiene que saber donde colocar a sus actores en medio del entorno que les tiene rodeado. El director tiene que saber el equilibrio entre el guión y la de su propio film. Según Andrei Tarkovsky “En el cine la puesta en esta destinada a emocionarnos a afectarnos visualmente por la probabilidad de las acciones que se nos presentan por la belleza y profundidad de sus imágenes” (pág. 44).El cine debe ser capaz de contarnos una verdad absoluta, es por esta razón que el guión, los actores, la escena o el ambiente en que se encuentran rodeados deben actuar entre si. Es una de las artes que debe captar las emociones y sentimientos  de los  seres humanos profundamente, es por eso que es una de las Artes que puede captar la vida de manera perfecta o fiel a diferencia de otras artes.

Andrei Tarkovski menciona que debemos ver el cine y la literatura de forma distinta, pero aun así hay veces que estas dos se llegan apoyar para la realización de una obra. Las partes que podríamos diferenciar de la literatura y el cine; es que la literatura trata de narrar una historia de manera concisa al espectador o al lector y hacer que este se la  imagine, mientras que el cine es capaz de llevar esta historia a la propia realidad. Para elaborar un guión cinematográfico de la manera más fiel posible el autor o director cuenta con dos opciones posibles basarse en la novela literaria o contar con sus propias experiencias. La historia que es narrada debe ser contada de principio a fin y conmover  al espectador.

En el libro “Esculpir el tiempo”, Tarkovski  pone de ejemplo una película que realizo en base a una novela que se llama Iván del autor Bogomolov titulada  “La infancia de Ivan” que según él autor expresa que le pareció una novela indiferente debido  a que el personaje se encuentra ambientado en una situación de guerra, pero en esta obra fue de gran ayuda para el propio Tarkovski debido a que pudo poner a prueba sus propias habilidades como cineastas, separando la literatura del cine y enseñándonos la diferencia entre una obra  cinematográfica y una obra literaria. En las obras literarias es necesario que el propio espectador imagine el lugar y el tipo de ambiente que se encuentran los propios personajes, mientras que en el cine el propio director debe interactuar con ellos para darles una sensación de vida .Tarkovski quiere dar entender al separar estas dos vertientes de cine y literatura que hay obras específicamente para serlas llevada a cabo a  una función cinematográfica, mientras que hay otro  tipo de obras que solo deberían permanecer como obra literaria, según  el  expresa lo siguiente en su libro.

“Hay obras de las que se le ocurrirías hacer una película  a quien despreciaría por igual el cine y  la literatura .Me estoy refiriendo a aquellas obras maestras que demuestran  que su autor es absolutamente  único: por la unidad  de todos sus elementos, por la precisión  y la independencia de sus imágenes” (Tarkovski, A. pág. 34)