La jetee

Director: chris marker
 1962

secuencia de fotografías acompañadas sonido que forman una narrativa.

la película trata sobre lo que surge a raíz de la tercera guerra mundial, donde parís ha sido una da las ciudades mas dañadas y la gente tiene que vivir debajo de la tierra debido a la radiación que dejaron las bombas. Se narra la vida de un hombre que ha sido marcado en su niñez por la muerte de un hombre, una escena que no entiende pero con el pasar de los años llegara a comprender.
Un prisionero elegido por su obsesión de una imagen del pasado que lo atormenta, es enviado al pasado y al futuro para conseguir alimento, medicinas y energía, para esto tenia que integrase de un modo completo en situaciones pasadas, ya que hubo otras personas que pasaron por lo mismo pero no eran capaces de sobrellevar el peso de convivir con épocas diferentes.
El hombre cada que viaja al pasado se encuentra con una chica y se obsesiona con ella, y cada que tiene una sesión de regresión ve  a la chica y convive con ella de tal forma que se gana su confianza, aunque el este apareciendo y desapareciendo constantemente. Un día es enviado al futuro, al cual es mas difícil acceder, cuando por fin lo logra se encuentra con un grupo de personas que al igual que el habían viajado en el tiempo, ellos eran una sociedad pacifica, pero a primera instancia lo rechazan y lo mandan de  nuevo a su presente, aunque después ellos mismos le piden que se una a su sociedad, pero el en lugar de eso pide que le envíen a la época de cuando el era niño, inmediatamente ya estando en esa época, busca a la mujer de la que se enamoro. La encuentra corre hacia ella, pero también esta el niño, y un hombre que con un arma que le apunta y dispara, el hombre muere.

EL TIEMPO SELLADO

Este apartado del libro de Tarkovski dice que el tiempo es imprescindible para el hombre; el tiempo y el recuerdo están abiertos ele uno para el otro, según el como las caras de una moneda, fuera del tiempo no puede haber un recuerdo.   

El recuerdo es un concepto del interior, un hombre que ha perdido sus recuerdos no tiene memoria según el, esta preso en una existencia ilusoria, cae fuera del tiempo y pierde así su capacidad de quedar vinculado al mundo visible. Lo que quiere decir, que esta condenado a la locura.

El tiempo que hemos vivido queda fijado ene nuestras almas como una experiencia forjada ene el tiempo. 

Las causas y los efectos se condicionan mutuamente en relaciones siempre cambiantes.

Lo que uno produce surge lo otro y lo otro a la vez.

La dirección de una película no comienza ene el momento en que se comenta el guión, ni al empezar el trabajo con los actores; empieza cuando surge a imagen de la película.

Cada arte vive y nace según sus propias leyes.      

Naked Lunch
Por. David Cronenberg
Canada, 1991

Es una adaptación alucinatoria y surrealista de "almuerzo desnudo" de William S. Burroughs, una vez pensado imposible de filmar. Fue dirigida por David Cronenberg, la historia transcurre cuando un exterminador de tiempo parcial y adicto de tiempo completo a las drogas llamado Bill Lee, se sumerge en la llamada Interzona un lugar misterioso y repudiado repleto de gente extraña y bichos gigantes con los que tiene constantes e inusuales conversaciones. En esta travesía Lee tiene alucinaciones por una droga que recibe para dejar de consumir otra droga, que en este caso es el llamado polvo amarillo que utiliza como exterminador, así se le van presentado insectos que le dicen que tiene que hacer un informe, acerca de lo que ocurre en su nueva vida y para descubrir lo que realmente pasa en Interzona. Lee se pasea en un mundo en el que no esta muy seguro de comprender, lo que resulta en una fantasia paranoica y una investigación auto-reflexiva en los misterios del proceso creativo. También podría hablarles sobre la idea  que lleva la historia pero al final, la interpretación personal de lo que sucede en esta extraña película, depende de cada persona. 

EL POETA

Un documental que retara lo que se vivió durante el sexenio de Felipe Calderon, desapariciones, muertes, secuestros entre otras cosas.

El poeta Javier Sicilia cuenta poco a poco como fue la desaparición de su hijo a manos del narcotráfico, al mismo tiempo se intercalan testimonios de personas que también han sufrido la desaparición y muerte de sus seres queridos.  

Crudo, pero no nos podemos hacer de la vista gorda ante esta situación que se vive día a día en nuestro país, y mas ahora no ser hipócritas y sorprendernos y sentir pena por lo que pasa en Europa cuando en México también hay muertos, también hay desaparecidos, también hay balaceras.

Visualmente este documental es muy bueno, limpieza en las tomas y encuadres, primeros planos bien definidos, entrevistas con cámara fija y tomas aéreas y panorámicas de distintos paisajes; muestra imágenes fuertes, pero son imágenes que lo hacen muy especial a diferencia de otros documentales.      

8 mujeres (8 femmes)

Una película de François Ozon

Francia, 2001

La noche de ayer vi 8 mujeres, esta película de Francois tiene desde la primer secuencia una narrativa y escenografía muy de obra de teatro, con muy pocas secuencias en exteriores, todo el argumento ocurre en el mismo espacio, es hay donde los 8 personajes se desenvuelven, vista y realizada como una adaptación de una obra de teatro, respeta "8 mujeres" a la comedia de situación familiar, con unos personajes cari-caturescos, discrepantes y diferentes en la que se nos descubre el lado obscuro y salvaje de la clase burguesa. 

La trama transcurre en los preparativos  para la Navidad, en  una casa de campo francesa donde  asesinan    al dueño y único hombre de la mansión. De  entre  ocho  mujeres relacionadas entre si, una de ellas es la culpable. Desde ese momento se inicia una larga  y  dura  jornada de  investigación, salpicada de discusiones,  peleas   y revelaciones, en la que se demuestra que todas guardan  ocultos secretos   que las convierten en sospechosas. 

8 mujeres proviene de una obra de teatro que ha sido libremente adaptada,  pero no oculta en ningún   momento su naturaleza. Es más, cuando al final se presentan las ocho actrices en un mismo plano, uno espera que hagan una reverencia y caiga el telón. No sucede así (spoiler),  pero  la  consciente  artificialidad  de  los  decorados, el vestuario y del maquillaje,  dan a este  filme una estética  casi de dibujo animado, así como los pocos escenarios en los que transcurre la trama. 

Mi Refugio

Dirección: François Ozon.
Guión: Mathieu Hippeau y François Ozon.
Fotografía: Mathias Raaflaub.
Música: Louis-Ronan Choisy.
Intérpretes: Isabelle Carré, Louis-Ronan Choisy, Melvil Poupaud, Pierre Louis-Calixte, Claire Vernet, Marie Rivière.

Película que trata sobre dos enamorados parisinos, Mousse y Louis; pero un dia se ven sumergidos en el ambito de las drogas, alcohol y fiestas, un día muere Louis de una sobredosis, y mas tarde Mousse se da cuenta de que esta esperando un bebe y se refugia en una casa a alas afueras de Paris.

Los planos recurrentes en la filmografía de Ozon es filmar a sus protagonistas mirándose en él. Interrogándose, buscándose a través de su reflejo. Da los apuntes justos y exactos para que la emoción fluya y el drama permanezca como un subtexto que dé consistencia al fluctuante estado emocional de Mousse.

Ozon no puede contenerse con el esbozo o con el retrato femenino y debe articular su narración para dar coherencia a los personajes. Cuando el relato se impone, la película empieza a ofrecer sus contradicciones.

Un relato bello y sensible, no exento de momentos de emoción y lirismo. 

EL ARTE COMO ANSIA DE LO DE IDEAL

¿Para que existe el arte? ¿A quien le hace falta? ¿Hay alguien a quien le haga falta?, con estas preguntas empieza este capitulo, y según Tarkovski no solo el artista se plantea ese tipo de preguntas, Acorde a lo que menciona este capitulo, la función del arte se enlaza con la idea del conocimiento, como una especie de catarsis.
Menciona al arte y a la ciencia como formas de apropiarse del mundo, formas de apropiarse del conocimiento del hombre en camino hacia la verdad absoluta; en el arte el hombre se apropia de la realidad por sus vivencias subjetivas, en cambio la ciencia siempre hay conocimientos nuevos sobre el mundo que sustituyen a los antiguos, una escalera interminable. Si una persona quiere acercarse a un sistema científico tiene que activar su pensamiento lógico y dominar un determinado sistema de formación; en cambio el arte se dirige a todos con la finalidad de causar una impresión que pueda ser entendida ante todos, quiere transmitir una energía espiritual.    
Habla sobre la creación artística, la cual le exige al artista una entrega completamente de si mismo.
El artista concentra su intención en ilustrar una idea, una concepción especulativa de su trabajo.   

EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO

La trama de la historia gira en torno de la vida de cristo, un filme completamente  basado en textos épicos pues sabemos que Pasolini fue un poeta con tendencias religiosas, tales que denotaba en los personajes de sus películas. En general sus temáticas son historicistas pero esta en especial, aparte de ser un hecho “histórico” suele ser un hecho lleno de fetiches sociales de la época.

Obviamente no es una critica de la historia, simplemente es un punto de vista desde su perspectiva y creencia de la misma religión. Aunque al ser llevada a la pantalla grande, deja al libre albedrío la decisión de lo bueno o lo malo en los hechos.

Nos presenta una vida dura. La situación social que posiblemente se vivió en la época decorándola con paisajes desolados de las mismas tierras en donde creció el supuesto Cristo. Y también es detonante la manera en la que muestra la violencia que se maneja concorde a la historia.

Las tomas que utiliza por lo general son las mismas en todos sus filmes, los medios encuadres con nivelados desde abajo o desde arriba como jerarquizando a los personajes y el papel que juegan en la historia y los paneos de los planos generales mostrando el entorno completo en el que gira todo. Es bastante interesante ese tipo de lenguaje que utiliza con las tomas, que es una característica cualitativa de el.

Dirección y Guion: Pier Paolo Pasolini

Año: 1964

Tiempo: 137 min

EASY STREET

Easy Street es considerado como uno de los mejores cortos del actor, director y escritor Charles Chaplin al parecer este film muestra una solución que todos quisiéramos conseguir por medio de una ciudad, la película muestra  un final  que todos soñamos por el final que todos quisiéramos , sobre la propia paz y tranquilidad de la ciudad de Londres, al parecer es una película que muestra una idea muy romántica del propio director y actor porque veremos  que la propia violencia es resuelta en un solo momento . Joss Oliver considera este film como: “una parábola optimista, a tono con el periodo, cuyo escenario de violencia  y miseria –que  evoca  las calles del barrio natal de Chaplin en Londres”(Mojica Bonet, pág. 130).Es un film que muestra  un mundo un final donde las calles donde la paz y la armonía reinan y triunfan ante la propia violencia. Esta no es la versión típica glorificado Hollywood, sino una, deprimente, visión honesta realmente sucio. Durante esos años estaba apunto de acabar la primera guerra mundial (1917)  y  Chaplin mostraba  un mensaje de paz a toda la humanidad. Esto recuerda uno de los mensajes que dejara durante su película de los años 40  El gran dictador (The Great Dictador ) que dice.

Soldados no luchéis por la esclavitud, sino por la libertad. En el capítulo 17 de San Lucas se lee: "El Reino de Dios no está en un hombre, ni en un grupo de hombres, sino en todos los hombres..." Vosotros los hombres tenéis el poder. El poder de crear máquinas, el poder de crear felicidad, el poder de hacer esta vida libre y hermosa y convertirla en una maravillosa aventura. En nombre de la democracia, utilicemos ese poder actuando todos unidos. Luchemos por un mundo nuevo, digno y noble que garantice a los hombres un trabajo, a la juventud un futuro y a la vejez seguridad(Chaplin, El gran dictador)

Easy Street Comienza con Charlot como el pequeño vagabundo(Charlot) y durmiendo en un banco del parque, cuando de repente al momento en que entra a una iglesia cono conoce a una mujer que lo cautiva (interpretado por la actriz  Edna Pruviance) y para poder impresionarla Charlot consigue un trabajo como policía(en este film Chaplin hace un papel de policía pero la mayoría de sus películas parece burlase de ellos como la de El Chico) .Al parece estaba dominada por un gigante que amenazaba a todo mundo y dejaba  a la mayoría de la ciudad de un modo inconsciente, al parecer nadie podía con el y toda la ciudad parecer temblar ante el .Al momento de que Charlot decide enfrentarlo aparece uno de los gags mas graciosos del cortometraje (Plano general),el maleante le muestra su verdadera fuerza doblando un poste de luz pero antes de eso Charlot intenta pedir refuerzos por medio de una cabina telefónico pero aun así el malhechor  se da cuenta e intenta golpear a Charlot. Después de eso Charlot logra atraparlo con su ingenio atorando su cabeza a través del poste, mientras que el gigante malvado le muestra su verdadera fuerza y llama a los oficiales para avisar les acerca de su captura. Al lograr vencer el maleante Charlot  llega a ser uno de los nuevos mas temidos de la ciudad de Easy Street. Pero no solo sino que al final consigue la atención de Edna y lo lleva a su casa donde se encuentran varios niños (escena en general).Mientras tanto el maleante logra escapar de  a ley logrando golpear a todos los policías y va en busca de Charlot ,en ese momento entra a la casa de la herma de Edna y comienza a golpearla, en eso Charlot va al rescate a enfrentar al maleante. En las escenas finales Edna es capturada, pero es salvada por Chaplin. Después de  eso vemos un final donde la paz reina y el malhechor convive en paz en la ciudad.

ENCUADRES Y MOVIMIENTOS DE CÁMARA

Este film parece tener toda la cámara fija, y los encuadre que suelen dominar son los gran generales y generales, solo llegan a mostrar medios cuando el personaje muestra una gran expresión. En los Generales se pueden ver algunas escenas importantes como cuando Charlot se enfrenta al maleante y dobla  el poste o cuando entra a la casas de Edna  y se ve la escena con varios de sus hijos.

ENTRE CINE Y PINTURA

El cine es un arte que se requiere de  varias habilidades técnicas como saber montar o escribir una historia, etc. Es por eso que es considerado como una máxima expresión grafica al igual que otras artes. En  la pintura se tiene la expresividad a través del color, pero ¿Cómo puede ser considerado el cine como un grado pictórico?, esto tal vez no se vea en el montaje realizado por los cineastas o en la historia que interpretan sino en su manera en que se utiliza la iluminación en las escenas o cuando se piensa en la composición en que están los personajes o los objetos.

Rohmer ofrece a los cineastas a una imitación pictórica por ejemplo existen obras cinematográficas que se basan en una composición pictórica para la realización de sus escenas como la de  El Exorcista dirigida por William Friedkin en 1973, basada en una pintura de Rene Magritte llamada The Empire of Light(El imperio de la luz).

Las pinturas al igual que las películas pueden contarnos muchas historias si ponemos atención a los personajes o a los símbolos que se presentan en ellos como en la película de origen francés Amelie(2001) en el transcurso de la película se puede ver como la protagonista intenta contar  una historia por medio de una pintura de Renoir. En el cine mudo de Chaplin también se pueden apreciar algunas escenas que pueden ser consideradas pictóricas o teatrales como la escena de la película de  El Chico, donde el personaje cree estar en el cielo, al final se puede ver una toma de un ángel muerto. Rohmer ofrece al cine a una imitación pictórica

Para la realización de una pintura es necesaria la utilización de un lienzo, colores  y pinceles, en el cine podría  decirse que  el pincel es la cámara con la que se capturan las imágenes  y los movimientos que va a realizar con ella (esto serán las pinceladas) , el lienzo es lo que va a grabar el cineasta y los actores y el color será el entorno que lo rodea. Cuando se comienza una pintura se tiene una página y un lienzo en blanco, cuando se graba el cineasta suele prepararse colocando los actores en posición, para que la cámara pueda pintarlos con la luz que se genera. No obstante este es un tipo de arte que ofrece vida al dibujo como a la fotografía. “El cine es más tridimensional que el teatro, que no obstante posee la superioridad de un espacio cinematográfico, que no obstante posee la superioridad de un espacio concreto, realmente profundo. Sin embargo (esta dialéctica rohmeriana),el cine también es un arte bidimensional-enmarcado”(Aumont J., pág.  65)

El cine requiere de un análisis no solo teórico  sino también requiere de uno técnico, como lo son la mayoría de las obras de arte cómo  son: la luz, la profundidad  y el volumen o el contraste. ”Las transposición de  los  volúmenes en superficie, la selección de valores  con frecuencia nos ofrecen, tanto un caso como en otro, el espectáculo de una verdad nada verosímil”. 

“El cine confluye con la pintura en cuanto arte del espacio; sin embargo, lo es de manera mas compleja y diversa. La expresión plástica en un filme puede ser o bien pictórica o bien arquitectónica o bien fílmica” (Aumont, pág.66).Es por eso que existen tres tipos de espacios: el pictórico, el fílmico y el arquitectónico (Aumont J, 2008). 

Espacio pictórico: la pintura es un medio en el cual algunos cineastas se han basado para realizar sus diferentes films, ya sea retomándolos (como en el caso de “El Exorcista” que retomo El imperio de la luz de Magritte) o realizándolos. “La pintura ha cerrado un circulo en su historia al apropiarse del color, pero esta fue formada a partir de un dibujo. Por medio de la pintura y el cine podemos interpretar formas  o movimientos para darles una belleza estética 

“Espacio arquitectónico: es el espacio “profilmico” (en el sentido de la filmología=organizado con vistas de rodaje), pero en cuanto ya una arquitectura  y es  susceptible en si un juicio estético” (Aumont J pág.67)

Espacio fílmico: ni pictórico, ni arquitectónico, no por ello se desarrolla simplemente por la proyección en  pantalla ni por su existencia. Este tipo de espacio constituye básicamente en  los movimientos de cámara que cambian puntos de vistas o enfoques.

Entre Visión y Visión

La imagen es lo que da sentido a las artes, con ella los artistas resuelven una manera de  darle sentido a sus objetos o productos. Es una forma de resolver un mensaje que le quieren comunicar o reinterpretar al espectador. “La imagen es patrimonio del arte y del artista, y la realidad debe doblegarse ante ella; si no, el cine será una mera fotografía sin relieve de las cosas” (Aumont, J pág. 71).También es una manera de ver el mundo que tenemos a nuestro alrededor.

“La postura de Tarkovski  guarda un ejemplar equilibrio entre el amor por la imagen y el amor por la realidad” (Aumont, J pág. 71). El cine es arte que conecta las imágenes, una con la otra para poder  reinterpretar una historia, debe ser capaz de capturar lo que  ve a través de su ojo. Las imágenes deben ser una manera de pensar de todos los artistas, ya que ésta es una herramienta de lenguaje para ellos, por esta razón el cine  la utiliza como un medio para escribir una historia y formar una película. “El cine ordinario no es, a su juicio, mas que una máquina que no ilumina en nada en el mundo y ni siquiera lo reproduce verdaderamente: Lo que produce es un lenguaje visual y en eso es tan lingüístico como puede serlo una máquina de escribir” (Aumont, J pág. 71) .Para Tarkovski el cine no es una nueva de manera de ver el mundo que tenemos a nuestro alrededor. Si no una forma de reproducir la realidad. El  cine es un arte capaz de tener una visión natural del mundo, capaz de capturar imágenes y de darles  vida; es un lugar donde podemos contemplar lo que tenemos a nuestro alrededor. El cine es la única herramienta mas fiel capaz de crear movimiento a las imágenes. Por esta razón el cineasta antes de recrear una historia debe basarse en todo lo que observa de esta forma, se harán varias posibilidades de recrear el mundo y poder capturar con su tercer ojo (la cámara). ”Solo hay imagen en visón, en su doble sentido, y la visión interior se alcanza mediante una ascesis de visión exterior”(Aumont, J pág. 72). Pero mas que nada el cineasta/artista debe preocuparse por el mensaje que va transmitir en dicha película, una vez que las imágenes  de su obra estén creadas, están listas para unificarse y crear una historia que le de sentido a esa obra que estamos viendo.

La imagen cinematográfica no es algo que sea completamente sola, como una simple  escultura  de manera estática,  sino que se acompaña de varias imágenes ambientadas con un poco de música etc. para darle sentido y seguimiento a la historia, de este modo se nos hará mas fácil entenderlos, ya que si nosotros como espectadores u observadores vemos una sola imagen, se nos hará mas difícil entender el mensaje que quería transmitir el cineasta. El cine se apoya de las imágenes que están en el mundo, de esa forma recrea sus obras, forma historias, las reescribe y las interpreta, si no se quedaría vacío ante  nuestros ojos. Para Backhage “Una película realmente lograda, por ejemplo, podrá ser vista en dispositivos distintos; imagen a imagen (en un proyecto de diapositivas), o en marcha atrás, o al ralentí, seguirá siendo interesante y conmovedor” (Aumont, J pág. 72). Cuando un cineasta aprende a observar  lo que tiene a su alrededor, no es solo capaz de capturar imágenes sino de crear poesías  o metáforas con ellas, en ese entonces el artista/cineasta le dará la posibilidad de recrear una imagen fiel y le de un pensamiento incrementado del Yo(Aumont J,2008).