La sal de la tierra

(Documental) 

Dirección: Win Wender 

                   Juliano Ribeiro Salgado 

Este documental narra la vida y obra del fotógrafo brasileño Sebastian Salgado, 40 años de la vida y obra  en diferentes  continentes y proyectos, a lo largo del filme Win Wenders nos permite apreciar las fotografías de Sebastian Salgado  y al mismo tiempo nos enlaza con una narrativa poética, sobre las vivencias de  un fotógrafo social, tratando de plasmar en sus fotografías una realidad fría y muchas veces desoladora, de la vida de seres humanos que comparten nuestro tiempo y nuestro espacio. Viajando por todo el mundo  y por largas temporadas,  Sebastian S. recrea de sus memorias cada uno de sus exitosos  proyectos  y al mismo tiempo nos habla de su ausencia en la vida familiar y de la manera en  que su lado humano es afectado, sintiéndose  avergonzado, indignado, sin esperanza para la humanidad,  por lo que ha vivido y documentado a través  del lente de su cámara,  situación que lo obliga a dar un giro radical de ser  un fotógrafo del horror, a un fotógrafo de la belleza de la naturaleza.

En algunos encuadres del film puedes tener  la sensación de estar observando una fotografía y al siguiente segundo la escena corre, dejando ver el gran trabajo de Win Wender, quien es participe del mismo film, hablando de la experiencia de seguir el paso a este gran fotógrafo viajero.

 La recopilación fotográfica que Sebastian Salgado comparte en   "La sal de la tierra"  y la dirección del filme ofrecen una  gran riqueza de imágenes, sin competir entre ellas, cohabitan de una manera excepcional  dejando brillar el trabajo de los dos artistas. 

ALIENTO

DIRECTOR: kIM KI-DUK
AÑO: 2007

Kim Ki-Duk continúa con las tramas que se acercan a las relaciones humanas llenas de sensualidad, donde explota los sentidos de los protagonistas. En Aliento, el director nos adentra a una relación fallida donde el esposo le fue infiel a su esposa y ella desesperada por tener que vivir con las infidelidades y malos tratos; por otra parte hay un hombre recluido y con muchos años de por medio el encuentro se da para que dos personas solitarias construyan más que una relación de amistad, hasta el punto en el que su esposo se entera de todo. La película se dirige más hacia la necesidad humana, muy parecido a Hierro 3, la muerte, ausencia y soledad.

EL ARCO

DIRECTOR: KIM KI-DUK
AÑO: 2005

La historia se desarrolla en medio del mar, un bote y un hombre que tiene bajo su cuidado a una niña que adoptó desde muy pequeña, para que al crecer pueda casarse con ella. Durante la trama el hombre se protege de ataques o algún acercamiento de alguna extraña embarcación que quisiera pescar o estar cerca de la chica. En la historia hay un elemento muy particular que está en manos del hombre, un arco que sirve para ahuyentar a las embarcaciones cuando se siente amenazado, como instrumento para hacer música y como objeto que adivina el futuro. Todo se complica cuando la chica quieres conocer más del mundo y el hombre cae en crisis cuando llega al barco un grupo de hombres en el que se encuentra uno en particular que queda enamorado de la chica, de la misma manera que ella queda de él. 

PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO, INVIERNO Y PRIMAVERA OTRA VEZ

DIRECTOR: KIM KI-DUK
AÑO: 2003

Al igual que en Hierro 3, el director opta, en su mayoría por la cámara fija. Los encuadres utilizados en la cinta van desde el gran plano general, plano general que nos muestran el ambiente donde se desarrolla la trama que en este caso parte de una casa flotan, en medio de un lago que lo rodea un bosque, es por ello que los grandes planos funcionan para que conozcamos el contexto que va de la mano con los protagonistas. Los primeros planos sólo son mostrados para enfatizar las características, gestos y acciones de los personajes o para enfatizar alguna actividad que realizan. También el uso del travelling está presente pero en una mínima cantidad. El director mantiene la simetría de las escenas.

HIERRO 3

DIRECTOR: KIM KI-DUK 
AÑO:2005

En ésta cinta los encuadres hacen juego con la interacción de los personajes, los movimientos corporales son seguidos por planos medios o primeros planos. Los planos generales sólo están presentes cuando nos introducen al contexto de la escena, y los movimientos de la cámara, en menor medida travelling y la cámara fija queda muy presente, es así porque el directo desea que el espectador no deje pasar ningún detalle del contexto así como de las características de los personajes, y logre descifrar la psicología de cada una de ellos. 

EISENSTEIN Y EL MONTAJE

Las teorías de los cineastas Jacques Aumont



Eisenstein piensa en cómo organizará las imágenes que se encuentran dentro del rodaje y más allá del rodaje, el montaje es su principal preocupación, donde la imagen de autor y lo que existe a su alrededor tiene más peso y llevan consigo un sentido intencional más que social. Para él, el montaje se encuentra en la dimensión del tiempo y al mismo lo distingue en montajes métricos, rítmicos, tonales, armónicos e intelectuales, donde el tiempo (música), la forma en cómo se interprete intelectualmente y los sentimientos que produzcan son bases fundamentales.

El montaje no significa sólo ver sino tener en cuenta datos sensoriales y conceptuales, la música que influirá en el espectador haciendo énfasis en puntos específicos de la cinta y de ésta manera esta particular herramienta funciona en lo emocional y en lo intelectual. A partir de aquí, éste autor no ve el cine como el medio para mostrar la realidad, sino que el intelecto es el medio para hacerlo.

VERTOV Y EL INTERVALO

Las teorías de los cineastas Jacques Aumont

Vertov se encuentra dentro de la Vanguardia Rusa y es por ello que la manera en que observa el cine es muy particular y a la manera del mundo soviético que existía en ese entonces, todo con tintes sociales y con nuevo medios de los que los rusos fueron precursores del siglo pasado, es por ello que lo diferencía de los anteriores teóricos. 

Vertov sacó provecho de la cámara dejando que ésta hiciera el trabajo de capturar la realidad, así el cineasta ve el cine no como una herramienta del imaginario sino como una herramienta para mostrar la realidad. 

Hace énfasis en un concepto llamado intervalo que se refiere al espacio, tiempo y música y al conjunto de éstos siempre se verá al cine de una manera social y para la sociedad.