Para Vertov al igual que Bresson el cine debe hacer ver lo real, él va en contra del cine de ficción diciendo que el espectador sólo ve un mundo irreal, por lo que usa el término kinoglaz, una mirada diferente del cine al "improvisto" caracterizado por la espontaneidad, ausencia de decorados, de actores profesionales, maquillaje y efectos especiales. La práctica propuesta se aleja del simple cine relegado como subproducto de un arte burgués.
domingo, 11 de agosto de 2019
BRESSON Y EL ENCUENTRO
Robert Bresson hace uso del termino encuentro refiriéndose a esos pequeños momentos de la verdad en lo real en el cine. Dice que al filmar hay algo que encontrar que no proviene de ningún personaje, un guion, o un escritor sino de esta misma realidad, en estos encuentros hay realidad a un nivel mas profundo y la tarea del cineasta es mostrar al espectador dichos encuentros.
VERTOV Y EL ENCUENTRO
Las teorías de los cineastas
Vertov y el encuentro
Para Vertov era importante unir la visión del cinematógrafo con la lente de la cámara para crear una capacidad superior.
Vertov utilizaría el termino kinoglaz para unificar al cine mostrando la realidad de este mundo, capturando las imágenes en total improvisación, con esto me lleva a pensar que lo idóneo es capturar las personas con total naturalidad sin forzar a mostrar una faceta artificial.
Viene a mi mente un fotógrafo que retrata a las personas de una manera poco usual y espontanea cuando caminan por las calles que es Bruce Gilden, este puede ser un ejemplo de lo quizá buscaba Vertov.
Bruce Gilden. USA. New York City. 1986.
BRESSON Y EL ENCUENTRO
Las teorías de los cineastas
Bresson y el encuentro
El cinematógrafo busca dar a conocer la realidad tal cual es, sin recurrir necesariamente al montaje, el cinematógrafo debe crear con su cámara el escenario adecuado para contar la realidad que este escribió anteriormente y así generar en el espectador una conexión con la cinta.
No tiene que recurrir a profesionales para que representen a sus personajes, si no que puedan utilizar su improvisación natural, quizá pueda servir de ejemplo al actor Heath Andrew con el papel del jocker (no estoy diciendo que la cinta donde aparece este personaje quede como ejemplo, solo hago referencia a el personaje que este interpreta) donde utilizo su improvisación para algunas escenas y lo hizo natural que hasta el día de hoy es recordado por su trabajo.
miércoles, 7 de agosto de 2019
Un modelo de personajes
Las maletas de Tulse Luper: La historia de Moab / Peter Greenawey / 2003 / Reino Unido / 127 minutos
En los primeros minutos de la historia toma como contexto a un vecindario de los veinte aproximadamente, donde niños juegan a la guerra y se aprecia al par encuadres de campos de batalla de la primera Guerra Mundial.
El personaje principal que es Luper va creciendo y a su paso el contexto va siendo diferente llegando al desierto de Moab, donde se vera involucrado como prisionero con una familia religiosa por suponer que ira a robar Uranio de ese lugar.
Como ya lo dije antes las guerras y encarcelamientos son el principal foco de este episodio, al igual que conocer el contenido de cada una de las 92 maletas de Luper con ayuda de los "historiadores".
martes, 6 de agosto de 2019
La Imagen y Lo Visible
El Tema de "La imagen y lo visible" en el libro "Las teorías de los cineastas" de Jacques Aumont, habla sobre la relación que tienen las imágenes cinematográficas para entenderse en sí mismas, con una conexión a la concepción dominante para mantenerse fiel, como un espejo.
Menciona que por más fuerte que sea la impresión en el cine, lo único que hacemos es someternos a un "flujo perceptivo" de manchas de luz que salen de un proyector.
Estas menciones son un inicio para entender que el cine no sucede nunca en la pantalla, sino en la consciencia del receptor, a través de una mentira evidente que decide creer y vivir porque sabe que puede crear una experiencia, a través de la contemplación y reflexión de ello, todo gracias al principio de verosimilitud que se crea en la relación de la imagen y nuestra realidad inmediata con manchas de luz en un proyector, en el cual la narrativa es construida, el contenido descifrado y la forma contemplada por nuestra consciencia.
Menciona que por más fuerte que sea la impresión en el cine, lo único que hacemos es someternos a un "flujo perceptivo" de manchas de luz que salen de un proyector.
Estas menciones son un inicio para entender que el cine no sucede nunca en la pantalla, sino en la consciencia del receptor, a través de una mentira evidente que decide creer y vivir porque sabe que puede crear una experiencia, a través de la contemplación y reflexión de ello, todo gracias al principio de verosimilitud que se crea en la relación de la imagen y nuestra realidad inmediata con manchas de luz en un proyector, en el cual la narrativa es construida, el contenido descifrado y la forma contemplada por nuestra consciencia.
Melancholia (2011) Lars von Trier
Melancholia (2011)
Lars von Trier
Es una película estrenada en el 2011 dirigida, escrita y producida por Lars Von Trier que nos muestra las distintas formas de enfrentar el fin del mundo, al ser conscientes de él.
Analizando la fotografía nos encontramos con muchos elementos interesantes que logran crear un aura de tensión y dramatismo. El principal elemento de ellos es la cámara en mano. La cámara se mantiene con un encuadre fijo pero nunca se mantiene completamente quieta, Lars von Trier se vale de zoom in, zoom out para crear un dinamismo natural que se acopla con el drama y tensión de las actuaciones. Estos zooms enfatizan la tensión de la situación y la relación de los personajes con la historia. La cámara fija siempre mantiene un dinamismo, con paneos mínimos que casi instantáneamente son cortados por otra secuencia; creando en el espectador una frágil y falsa estabilidad que fácilmente puede romperse con cualquier Cut to A (como sucede en varias escenas), pues cualquier momento en la historia queda vulnerable a cambios abruptos.
Así mismo, Lars también utiliza distancia con los personajes y la cámara en los momentos íntimos, para hacernos sentir algo de culpa por mirar, nos muestra ajenos a la situación, pero con tanto realismo y naturalidad que al encontrarnos con retrasos en una boda nos sentimos apenados.
Los planos detalle de los rostros de los personajes y las voces Off screen nos muestran actuaciones que gradualmente se intensifican, acompañadas del sonido directo que en su mayoría consta de silencios para crear una atmósfera escandalosa de suspenso.
La desesperación en esta película se da por la in-acción y la sobre acción de los personajes. ¿Qué hacer cuando de un momento a otro el mundo terminará?. ¿Deprimirse y no poder ni disfrutar la comida, negar la certeza de nuestra muerte, o tratar de correr a algún lugar seguro, queriendo escapar del fatalismo, confiar en algo y depositar en eso toda nuestra esperanza, para que cuando esto falle la muerte llegue por nuestras manos?. Podemos subir a una pequeña loma, crear una cueva y aguantar.
Construir algo y esperar la muerte es lo mejor que podemos hacer.
Lars von Trier
Es una película estrenada en el 2011 dirigida, escrita y producida por Lars Von Trier que nos muestra las distintas formas de enfrentar el fin del mundo, al ser conscientes de él.
Analizando la fotografía nos encontramos con muchos elementos interesantes que logran crear un aura de tensión y dramatismo. El principal elemento de ellos es la cámara en mano. La cámara se mantiene con un encuadre fijo pero nunca se mantiene completamente quieta, Lars von Trier se vale de zoom in, zoom out para crear un dinamismo natural que se acopla con el drama y tensión de las actuaciones. Estos zooms enfatizan la tensión de la situación y la relación de los personajes con la historia. La cámara fija siempre mantiene un dinamismo, con paneos mínimos que casi instantáneamente son cortados por otra secuencia; creando en el espectador una frágil y falsa estabilidad que fácilmente puede romperse con cualquier Cut to A (como sucede en varias escenas), pues cualquier momento en la historia queda vulnerable a cambios abruptos.
Así mismo, Lars también utiliza distancia con los personajes y la cámara en los momentos íntimos, para hacernos sentir algo de culpa por mirar, nos muestra ajenos a la situación, pero con tanto realismo y naturalidad que al encontrarnos con retrasos en una boda nos sentimos apenados.
Los planos detalle de los rostros de los personajes y las voces Off screen nos muestran actuaciones que gradualmente se intensifican, acompañadas del sonido directo que en su mayoría consta de silencios para crear una atmósfera escandalosa de suspenso.
La desesperación en esta película se da por la in-acción y la sobre acción de los personajes. ¿Qué hacer cuando de un momento a otro el mundo terminará?. ¿Deprimirse y no poder ni disfrutar la comida, negar la certeza de nuestra muerte, o tratar de correr a algún lugar seguro, queriendo escapar del fatalismo, confiar en algo y depositar en eso toda nuestra esperanza, para que cuando esto falle la muerte llegue por nuestras manos?. Podemos subir a una pequeña loma, crear una cueva y aguantar.
Construir algo y esperar la muerte es lo mejor que podemos hacer.
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