Vertov y el Intervalo

Vertov y el Intervalo

Vertov forja el concepto del intervalo y se pregunta ¿Cómo el cine puede captar y comunicar la verdad? Y si ¿Lo real es una verdad? El expone que es necesario replantearse el cine desde cero con una visión sobre el desciframiento del cine comunista del mundo su objetivo principal es ver y mostrar al mundo en nombre de la revolución de rusa, para Vertov el cine funciona como una herramienta social para comprender al mundo, mostrándolo de forma objetiva, para Vertov el cineasta debió haber visto antes el mundo real para poder exponerlo, concibe a la cámara cinematográfica cómo un super-ojo que lograra verlo todo mucho mejor que el ojo humano.

Aquí concebimos el cine como una herramienta cívica que está más al servicio de la política más que del arte. Mediante esta visión meramente objetiva nace el concepto del Intervalo, que da cabida a la clave del montaje para que el cine funcione como herramienta que muestra la verdad.

En el cine Francés como en el Ruso el intervalo puede concebirse de manera espacial: distancia que separa dos puntos, temporal: como duración que se extiende entre dos instantes, musical: como relación entre dos alturas de tono. El intervalo marca una abertura o un vínculo de continuidad o de relación abstracta.

Como el cine de Bresson , Vertov le otorga una finalidad meramente ética pero el aplica una reflexión sobre la exposición de lo real , es por eso que estas dos visiones plantean un hacer del cine meramente purista con narrativas que sean de directa comprensión para los espectadores. Más Vertov que Bresson el cine debe de ser una herramienta purista para la conformación de ideas que conformen la identidad de los espectadores.

Bresson y el Encuentro

Bresson y el Encuentro.

Para comprender el cine de Robert Bresson debemos plantearnos una simple pregunta ¿Qué es lo que realmente capta la mirada ordinaria? Bresson veía al cine como un teatro  filmado, durante toda su carrera podremos observar un proceso de despojamiento continuo que busca construir un discurso de absoluto ascetismo. Para denotar este continuo despojamiento, según Jacques Aumont, en el cine de Bresson prevalecen dos conceptos importantes, la figuración y el encuentro acompañados de la búsqueda de su propia verdad. Tratemos el primer concepto, la figuración que para Bresson es simplemente la idea de una mano que modela, según Zizeg ‘’es dar forma a la copia del modelo que es su figura’’ con esto, cada fragmento de película estará destinado a constituir un acontecimiento en sí mismo.

Como el modelado de  materiales tangibles Bresson modela el cine, alejándose de la dramaticidad para la búsqueda la verdad misma, aunque la verdad Bressoniana posiblemente carezca de sentido dentro de lo que el consideraría como real ya que su verdad no tiene una significante concreta.

Bresson nombrará a estos devenires o intermitencias sobre el modelado de la verdad mediante una cierta figuración como ‘’el encuentro’’. Con esto define el trabajo del cineasta como una constante provocación de identificar el encuentro con el espectador y este encuentro solo existe a través de la obra misma.

El cinematógrafo es el cine depurado, porque su principal tarea es no poner trabas a esa manifestación de lo real: no hay que atravesar de intenciones ese camino hacia la expresión de lo real. El hombre del cinematógrafo carece de intenciones (su intención es la ausencia de intenciones)  (Aumont,2008)

Entonces podemos comprender el cine de Bresson como la constante búsqueda de la manifestación de su propia verdad, mediante el encuentro con el espectador, como un mensaje depurado y naturalista dónde cada imagen solo tiene sentido en función de todo el contenido del film, alejado de la dramaticidad pero enfatizando la mirada ordinaria.

Las Hijas de Abril 2017 Dir. Michel Franco

Estrenada en el 2017 por el director mexicano Michel Franco nos regala esta película que rompe con al igual que su entrega anterior Después de Lucia , rompe con el formato de cine nacional que estamos acostumbrados a ver .

A los 17 años Valeria decide culminar su embarazó mientras se encuentra viviendo con su media hermana en una casa de su madre en Puerto Vallarta, Valeria no quiere que Abril ,su madre se entere de este así que decide no contarle pero los problemas económicos que surgen orillan a estas dos hermanas a decirle la verdad a su madre que radica en Ciudad de México , es aquí donde nos percatamos el porque Valeria no quería que su madre se enterara, si bien ella esta dispuesta a ayudar con los gastos el destino del nuevo bebé queda muy a la deriva , Valeria tendrá que arreglárselas con todos los problemas que su madre le atraerá. 

Michel Franco nos deja muy en claro lo que trata de expresar esta película , y es que su lenguaje es simple , la trama es lo que orilla al espectador a quedarse a terminar la película , encuadres muy limpios , jugando con los encuadres de una cámara fija y objetiva, el uso de los colores poco llamativos nos mantienen en calma así que cualquier cambio radical en la trama nos va atrapando poco a poco.

Elvira, te daría mi vida pero la estoy usando 2015 Dir. Manolo Caro

Entrega del director mexicano Manolo Caro , estrenada en el 2015 Elvira protagonizada por Cecilia Suaréz , nos muestra la historia de una ama de casa común que tiene dos hijos, quién de la noche a la mañana se encuentra en una situación de crisis , esta es dejada por su esposo que ha ocultado un amorío con un colega de su oficina. 

La película se centra en como Elvira trata de investigar a donde se ha ido su esposo que salió de su casa en la madrugada a comprar cigarrillos , Gustavo no aparece a lo largo de una semana por lo que Elvira tendrá que arreglárselas sola para dar con el paradero de este al mismo tiempo que encargarse de los labores de su hogar. Mientras tanto la película nos muestra  escenarios que siempre han sido marca primordial del director , lugares del cotidiano mexicano. 

Se juega con los personajes como si fueran parte de una alucinación que Elvira esta teniendo , cuando opta por tener un amorío con un compañero de trabajo se refleja el amante de su esposo y cuando busca a Gustavo este se le aparece en todos los lugares a los que va , en cierto momento no podríamos asegurarnos con quién esta hablando Elvira realmente.

Esta entrega nos muestra principalmente el cambio radical que pasa una mujer que necesita guardar un status quo ante la sociedad , en su avance se van descubriendo las mentiras y los engaños que Elvira y su esposo Gustavo han arrastrado en doce años de matrimonio.

STOCKHOLM 2013 Dir. Rodrigo Sorogoyen

Transcurre la noche en Madrid , dos desconocidos han decidido pasar la noche juntos , uno de ellos a insistido bastante , la otra se encuentra un poco menos afectiva más objetiva , más realista aún conociendo las consecuencias de estos actos impulsivos decide quedarse , pero a la mañana siguiente los dos se arrepentirán de haber accedido. 

STOCKHOLM es la historia de un cortejo heteronormado que da lugar a un no tan profundo arrepentimiento. La película esta conformada por diálogo entre estás dos personas , diálogos aleatorios desde el porque salieron esa noche hasta el clímax en un conflicto a la mañana siguiente. Los roles cambian furiosamente conforme los ambientes mientras que en noche el hombre era el que insistía en la mañana la mujer es la que pide atención , algo común en una relación a corto o mediano plazo o bien como es el caso en este devenir fugaz de un ''one night stand'' . 

Coinciden con su época las emociones inestables eh incluso cierto transtorno de la personalidad que permea al personaje femenino, es un reflejo de una sociedad en donde es la mujer la que carga con toda la tragedia y las consecuencias de otros actos ¿Porque las películas que hablan sobre la vacuidad de relaciones amorosas o personales tiene que seguir teniendo esta visión? Podríamos incluso decir que STOCKHOLM hace referencia al tan mencionado ''síndrome de estocolmo'' donde la víctima se enamora del secuestrador y si este concepto va de acuerdo con el devenir de esta entrega. 

Plan Sexenal 2016 Dir. Santiago Sendejas

Estrenada en diciembre del año 2016 Plan Sexenal dirigida por Santiago Sendejas funciona como alegoría que expone el sistema gubernamental mexicano.Si bien , el cine político nacional esta plagado con obras que hacen una crítica directa ,pero en este caso Plan Sexenal busca llevar al espectador a reflexionar acerca de las conductas de poder que el estado Mexicano toma pero reflejado en situaciones que transcurren en solamente una noche y los protagonistas funcionan como representaciones de ámbitos sociales que el sistema mantiene.

 Mercedes, la protagonista de esta trama representa al pueblo mexicano , angustiado y confundido busca la manera de encontrar la verdad ¿Quién es en realidad Juan, su esposo? se encuentra plagada de dudas, la policía como usualmente no ayuda en mucho ,solo hace que los conflictos se masifiquen.

Sus vecinos no harán absolutamente nada para ayudar en el conflicto que la aquejara esa noche ya que como una gran parte del pueblo muestran su indiferencia, al final todo quedará como se había empezado con un ciclo simulando calma pero en cierto momento todo estallara nuevamente.

Por el formato , ambiente , fotografía del proyecto que hacen entrar al espectador en un estado de alerta y a la vez de pánico, Plan Sexenal es el retrato perfecto de una sociedad actual repleta de miedo y a la vez representa un ciclo que tomara forma cada vez que los puestos gubernamentales  cambien pero a su vez el cambio socio-político verdadero jamás llegara a cohesión ya que siempre se aplicarán maneras de represión y confusión a las sociedades que conjugamos el estado.

Powaqqatsi: Life in transformation. 1988. Dir. Godfrey Reggio

Parajes aislados que contrastan entre su gran belleza natural y la industrialización, traducida en un progreso ficticio; el ir y venir de los habitantes arrojados en distintas localidades del mundo, que comparten emociones únicas dentro de un colectivo imaginario occidentalizado -colonializado- acoplado a una ideología que nada corresponde a la realidad; flujo y desarrollo con una misma orientación, con herramientas para incentivar la misma.

Reggio propone una reflexión en el devenir humano, sus acciones cotidianas, y quizá, desde un planteamiento marxista, el desenvolvimiento del hombre a través del capitalismo; mediante el empleo de secuencias de video integradas a manera de collage, elabora un discurso sobre la marginación, la explotación del hombre por el hombre, así como de su entorno inmediato, atrayendo consecuencias mortales de salubridad, seguridad, medio ambiente y de calidad de vida.

La música que acompaña el filme se encuentra bajo la composición y dirección de Philip Glass,  y que es cuidadosamente sincronizada con cada secuencia, logrando varios clímax a lo largo del filme.

La cinta es co-producida con los Dir. Francis Ford Coppola (1939- ) y George Lucas (1944- ), coadyuvando en la realización del ambicioso proyecto, el cual es rodado en distintas partes del globo, además de incluir locaciones de difícil acceso y largos periodos de filmación.

Powaqqatsi forma parte de una trilogía documental sobre la vida (qatsi), propuesto desde el título de cada una de las cintas que componen la trilogía Powaqqatsi(1988): vida en transformación, Naqoiqatsi(2002): la vida es guerra y Koyanisqatsi(1982): vida en desequilibrio.