Aguirre la ira de Dios

Aguirre la ira de Dios
Filme de Herzog de 1972, nos cuenta la historia de Lope de Aguirre un conquistador español y su viaje por el rió Amazonas  en busca del Dorado una mítica ciudad que contaba la leyenda alberga grandes cantidades de oro, la cual fue un invento de las poblaciones indígenas.
Herzog nos ilustra con un lenguaje reducido pero con imágenes poderosas el ambiente surreal que se viva en las épocas de la conquista de América Latina generando escenas fantásticas pero reales.
Nos muestra como la avaricia, la codicia y la ignorancia llevan al desastre, entrando en el espíritu del hombre, olvidando los valores, los principios y su humanidad.
a medida que descienden por el rió Amazonas también lo hacen a la locura, hacia su naturaleza mas básica, a medida que avanzan por las aguas la travesía y los escenarios se vuelven mas surreales.
Aguirre el protagonista es la encarnación de la lucha por el poder, siendo despótico e inhumano, solo quiere formar su reino.
El filme nos muestra la lucha del hombre contra el hombre y si mismo.

La teoría de los teóricos

La Teoría de los teóricos
Bresson nos habla de la realidad misma y como esta es la que construye la película y el cineasta es solo un mediador entre la verdad y el espectador.

Vertov cineasta ruso habla de la verdad misma, el mundo tal y como es y aplicando su visión del comunismo y plantea que el intervalo entre escena y escena es mas importante que las escenas mismas, el punto es mostrar ese espacio.

Eisestein plantea la importancia del montaje, piensa en el cine como imágenes cargadas  de sentido emocional, ve el montaje como una modo de arreglo del orden temporal, fusiona lo intelectual con o emocional.
 Ve el montaje como una herramienta para mostrar verdades,  y el cine como una herramienta una maquina sensorial perfeccionada y poderosa.

Pasolini y el roma,  el habla del cine como una herramienta de expresión  y significación, piensa que la "lengua" del cine existe y no al mismo tiempo ya que posee extrañas propiedades, no pertenece a ninguna sociedad en contexto, no tiene diccionario, no tiene diccionario, tampoco posee una verdadera gramática.

Para el el cine es la expresión  directa de la realidad, por la realidad lengua escrita de la realidad como lenguaje es  igual a la semiología de la realidad 
El cine impone sentido a la realidad que carece de esta, y así como la religión es un modo de comprender nuestro mundo

Manderlay

Título: Manderlay

Dirección: Lars von Trier

Año: 2005

Pais: Dinamarca

Duración: 139 min

Película dividida en 8 capítulos;  Lars von Trier  sigue con el estilo de la precuela de esta película, “Dogville”; se muestran tomas cercanas, principalmente tomas de cámara en mano; produciendo un movimiento inestable que puede proporcionar una sensación de dinamismo e inmersión ya que la escenografía es muy limitada, no hay muros ni puertas,  al menos no visibles porque ocupan lugar en la realidad de la película, emitiendo sonidos como al abrir una puerta, cajón o ventana y con la interacción de los personajes con estas cosas.

Cuando se presentan tomas lejanas se delimitan los espacios del fondo con colores planos, blanco o negro dependiendo si es de día o si es de noche. En tomas lejanas, principalmente el director ocupó tomas cenitales, retratando a todo el grupo de personajes y sus actividades individuales.

En esta película lo primordial en la narrativa son las actuaciones y el guión, que también estuvo a cargo por el director. 

ANTICHRIST

ANTICHRIST

DIRECTOR: LARS VON TRIER

AÑO: 2009

DURACIÓN: 1hr 48min

TRAS LA PERDIDA DE UN HIJO, POR UN DESCUIDO, UNA PAREJA DECIDE RECONSTRUIR SU VIDA A TRAVÉS DE UN ANÁLISIS PSICOLÓGICO QUE NO SOLUCIONA LOS PROBLEMAS MARITALES NI PSICOLÓGICOS.

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UNA PELÍCULA QUE MEZCLA DESDE EL SEXO, EL DUELO Y LA VIOLENCIA COMO PRINCIPAL FUENTE DE INSPIRACIÓN. VON TRIER JUEGA CON LOS TIEMPOS, LA MÚSICA Y LA FOTOGRAFÍA, DÁNDOLE A LA PELÍCULA UN TINTE BASTANTE DRAMÁTICO.

EN MUCHAS DE LAS ESCENAS UTILIZA UN SEGUIMIENTO DE CÁMARA LENTO, QUE PROVOCA COMO SI EL ESPECTADOR ESTUVIESE DENTRO DEL ESPACIO QUE VON TRIER CREA.

VON TRIER HACE UN MUY BUEN TRABAJO DE DIRECCIÓN CON LOS ACTORES PRINCIPALES, PUES MÁS ALLÁ DE RECREAR PERSONAJES CON PROBLEMAS PSICOLÓGICOS, LOS LLEVA AL EXTREMO DE LA SITUACIÓN,

LA MUSICALIZACIÓN ES SUBLIME EMPEZANDO POR EL COMIENZO DE LA HISTORIA CON  LASCIA CH'IO PIANGA DE HANDEL UNA PIEZA DE LA OPERA DE RINALDO.

ANTICHRIST ES DE LAS MEJORES PELÍCULAS DE VON TRIER, SIN DUDA UN EXCELENTE CONJUNTO, MÁS DE LO QUE PUEDE PEDIR EL CINE.

Concurso de Fotografía

Comisión de Agua y Alcantarillado de Sistemas Intermunicipales   CAASIM

CONVOCA

Un Futuro sin Agua

Cierre de convocatoria:  3 de Marzo

Premio:  Iphone última generación

http://caasim.hidalgo.gob.mx/?p=1654

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INDUSTRIAL SYMPHONY NO. 1

Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Heart

Director: David Lynch

Año: 1990

Duración: 50 minutos

Es un cortometraje musical, el cual comienza con una ruptura amorosa vía telefónica. En este primer momento se deja ver la intención del director por dramatizar aún más la escena con primeros planos de los dos personajes.

Acto seguido y como si se tratase de un sueño o alguna especie de fuga o escape emocional por parte de la mujer que es abandonada por teléfono, el escenario se traslada a un lugar sombrío, el cual dejándome llevar por el mismo título, se parece a una fábrica o bodega industrial.

El sonido es violento, estruendoso, suenan gritos, cables de alta tensión y metales chocando entre sí, después lo que parece una alarma o sirena. De ahí en adelante toda la trama se desenvuelve en este lugar donde una mujer rubia, de cabello corto y vestido blanco aparece cantando. Hay algunos otros personajes, no tan predominantes como la cantante.

El corto está compuesto  por diez canciones o números musicales, en los cuales no deja de estar presente toda esa carga de recursos sonoros industriales. Elementos como autos, televisores, sierras, cascos, luces y andamios contribuyen a una ambientación que remite a ese concepto industrial.

En cuestión de encuadres, predomina el plano general, pasando dramáticamente a primeros planos y algunos planos detalle. También existe una superposición de planos, lo que me hace pensar que se trata de un sueño.

Por último, la iluminación es contrastante, pasa de una luz neutro en la escena de la llamada telefónica, para después ir de una paleta totalmente cálida a una que es fría, a lo largo de las diez canciones se intercalan estas paletas y generan un ambiente melancólico y de ensoñación.